Pappo's Blues

Pappo's Blues 

' Blues-rock argentino '

Pappo's Blues foi uma banda argentina de blues liderada por Pappo (Norberto Napolitano), a qual teve diversas formações entre 1970 e 1999, gravando nove álbuns de estúdio.

A banda surgiu em 1970, após a passagem de Norberto pelas bandas Los Abuelos de la Nada e Los Gatos. Inicialmente era um power trio, com Pappo na guitarra e voz, David Lébon no baixo e Black Amaya na bateria.
A banda teve várias mudanças durante os anos. Com Lébon e Amaya gravaram o primeiro disco homônimo em 1971. Ao término da gravação, Amaya saiu e foi para a banda La Pesada e Lébon foi tocar bateria para a banda Color Humano.

No segundo disco, chamado "Vol. 2" lançado em 1972, Black Amaya volta para a banda e Luis Gambolini entra na bateria, com Carlos Pignatta assumindo o baixo. Já para o terceiro disco, chamado "Vol. 3", a gravação contou com Héctor "Pomo" Lorenzo, ex-Abuleosde la Nada, na bateria e "Machi" Rufino no baixo e backing vocal. Esses dois últimos deixaram a banda para formar juntos o "el Flaco" Spinetta a banda Invisible.

Para gravar o quarto disco, "Vol. 4", gravado no final de 1973, Pappo chama de volta David Lébon (mas na guitarra) e Black Amaya na bateria, com Alejandro Medina assumindo o baixo. Isa Portugheis toca percussão no álbum. Para o quinto disco, "Triángulo", editado em 1974, Pappo recruta o baixista Eduardo Beaudoux ("Fanta") e o baterista Eduardo Garbagnatti, criando um dos discos mais experimentais e obscuros de sua carreira, com sonoridade que se aproxima do progressivo e do heavy metal. Neste mesmo álbum, alternadamente chamado de Vol 5., "Nacho" Smilari (ex-Vox Dei), e Leon Gieco participam nas vozes, como consta na contracapa.

Após o lançamento deste álbum, Pappo viaja para a Europa, deixando de lado a banda indefinidamente neste espaço de tempo, quando a gravadora (Music Hall) decide lançar um disco composto de fitas descartadas por "el Carpo', ele vê nascer o álbum "Vol. 6" de 1975, outro álbum pesado com menos de 30 minutos, com canções de blues-rock rápidas e ácidas. Pappo não participou da edição desse álbum.

Ao retornar à Argentina, entre 1977 e 1978, a banda juntou-se com "Conejo" Jolivet (de Los Dulces), na guitarra, Julio Candia no baixo e Marcelo Pucci na bateria. Compraram um ônibus e iniciaram uma turnê pela Costa Atlântica, tocaram em Necochea sem precisar ensaiar, visto o conhecimento dos integrantes pela música de Pappo. Tocaram em Rafael Castillo para um conhecido empresário do rock, também em Lanús e Avellaneda, se apresentaram no programa do animador de Leo Rivas no Canal 2 de la Plata e fecharam no Baradero.

Pappo e sua Gibson Flying V

Em 1977, Pappo desativa a banda momentaneamente para dedicar-se em um novo projeto chamado Aeroblus, junto ao baterista brasileiro Rolando Castello Junior e o velho parceiro Alejandro Medina no baixo. Gravam o primeiro álbum homônimo pela gravadora Phillips no mesmo ano.

No ano de 1978, Pappo grava e edita o sétimo disco oficial da Pappo's Blues, o chamado "Vol. 7", junto à Alejandro Medina no baixo e Dario Fernández na bateria. O álbum foi composto em sua maioria por antigas faixas, porém regravadas com uma sonoridade mais pesado e com faixas instrumentais, que não foram concebidas como tal. Ao fim da gravação e lançamento do álbum, Pappo erradica-se mais uma vez para a Europa (Londres).

Em 1980, Pappo organiza um concerto intitulado "Adeus Pappo's Blues, bem-vindo Riff", que marcou o fim oficial da banda pelo resto dos anos 80, mas Pappo, o el "Carpo", se dedicaria a sua nova banda, Riff, que seria um projeto mais voltado ao rock "metal".

Em 1991, para a alegria dos fãs do blues, Pappo reorganiza a Pappo's Blues e alterna as atuações entre as duas bandas, incluindo lançamento de álbuns pelas duas bandas no mesmo ano. Em 1995, grava "Pappo's Blues Vol.8 Caso Encerrado", junto ao baixista Machy Madco e Black Amaya na bateria, entre outros músicos convidados. O ultimo disco de estúdio da Pappo's Blues foi "El Auto Rojo", álbum lançado em 1999.

Funkadelic

Funkadelic

' A magia do funkeado '

Funkadelic, pelos álbuns:

A história da banda começa com a banda Parliament, que surgiu como o grupo de doo-wop The Parliaments, na cidade natal do líder da banda, George Clinton, Plainfield, Nova Jersey. "Eu adorava música doo-wop", Clinton disse em entrevista, "porque é tudo sobre implorar por sexo". Depois de emplacar um sucesso com "(I Wanna) Testify" em 1967, problemas contratuais fizeram com que o grupo fosse colocado em hiato enquanto Clinton contratava sua banda de apoio para a gravadora Westbound Records, com o nome Funkadelic.

Como o nome sugeria, essa nova encarnação fundiu funk com rock psicodélico, levando o som selvagem da guitarra de Jimi Hendrix e o groove ácido das produções da Motown de Norman Whitfield para uma direção muito mais excêntrica. Seu álbum de estreia homônimo de 1970 encontra esse som em estado embrionário, um disco obscuro e alucinante que combina a filosofia insana, cósmica e carnal de Clinton com jams pesadas de funk, generosamente banhadas em eco e efeitos – um som tão selvagem quanto seu show ao vivo, com Clinton e sua turma vestidos como hippies de Saturno. 

O resultado é propositalmente desorientador – e inicialmente impenetrável – embora as nuvens de fumaça de maconha se dissipem brevemente em "I Bet You", onde os vocais em cinco partes do Parliaments lembram os Temptations da era psicodélica, em uma faixa que leva o som da Motown do início da década a uma viagem lisérgica. Mais tarde, naquele mesmo ano, o Parliament, reativado, lançou seu álbum de estreia, Osmium, um trabalho glorioso que provou que Clinton e sua equipe possuíam talento para o pop, além de sua paixão por ruídos psicodélicos, uma sensibilidade que se refletiria em lançamentos posteriores do Funkadelic.

"Incomum, extravagante, atual e moderno... Um novo conceito", era como os anúncios de rádio da época descreviam o segundo álbum do Funkadelic, Free Your Mind & Your Ass Will Follow, que, segundo Clinton, foi gravado enquanto toda a banda estava sob o efeito de LSD. Certamente, isso explica em parte a faixa-título de formato livre, que contrapõe gritos de feedback a riffs de guitarra guturais e trechos de psicobaboseiras inspiradoras, por cerca de 10 minutos, provando ser ocasionalmente eletrizante, mas, no fim das contas, mais desconcertante do que funky. Melhor foi esta expansão de cinco minutos de pirotecnia na guitarra de Eddie Hazel, vocais de apoio orgásmicos e teclados incisivos do recém-chegado Bernie Worrell, cujo talento como compositor e arranjador possibilitaria os passos ambiciosos posteriores do grupo. A faixa atinge seu ápice no final, quando Hazel solta alguns gritos meditativos antes de aumentar o ritmo e travar um duelo com Worrell, enquanto a bateria de Tiki Fulwood assume o protagonismo. Aquele último minuto, mais ou menos – Fulwood martelando sua bateria no fundo de uma caverna de dub, enquanto o cantor/baixista Billy Nelson persegue escalas – ainda soa futurista, e se não inventou o drum'n'bass décadas antes do previsto, certamente antecipa o avant-funk que Miles Davis exploraria cinco anos depois.

O terceiro álbum do Funkadelic, Maggot Brain, de 1971, é hoje mais lembrado pela faixa de abertura, que dá título ao álbum: um solo de guitarra pungente e angustiante de dez minutos gravado depois que Clinton disse a Hazel para tocar como se sua mãe tivesse acabado de morrer. A jam que encerra o álbum, no entanto, é sua verdadeira obra-prima: 10 minutos de funk frenético e apocalíptico, guitarra estridente e órgão pulsante, com os ritmos inquietos e em constante mudança de Fulwood servindo de base para uma explosão de ruído e samples que remetem ao hip-hop. Clinton cola efeitos sonoros, trechos de noticiários, gritos, risadas, explosões, relógios cuco e flatulência para evocar a loucura da vida moderna e seu iminente fim. Sua visão do apocalipse é uma mistura de Robert Crumb com Lee Perry, extravagante, escatológica e movida por humor dark, com as únicas "letras" sendo murmúrios desconexos de "isso aí, irmão" e "mais poder para o povo", "mais buceta para o poder", "mais buceta para o povo" e "mais poder para a buceta", sugerindo que Clinton tinha uma visão cínica da cultura de protesto da época. Deveria ser uma bagunça inaudível, mas a guitarra sempre genial de Hazel e as batidas quebradas e brilhantemente pulverizantes de Fulwood garantem que Wars of Armageddon seja eletrizante até seu evento final de extinção em massa.

Se Maggot Brain marcou o auge do Funkadelic MK 1 – seu primeiro e brilhante álbum completo – seu quarto álbum, America Eats Its Young, de 1972, provou ser um projeto ainda maior: um álbum duplo que era, por vezes, ferozmente político, hilário de forma sombria e inesperadamente sincero. Acondicionado em uma capa dupla chamativa, a primeira do visionário artista da Funkadelic, Pedro Bell, e contendo notas de encarte escritas por membros da seita exilados da Cientologia, The Process Church of the Final Judgement, America Eats Its Young capturou um grupo em transição, saindo orgulhosamente da lama primordial saturada de wah-wah de seus álbuns anteriores, em direção a um som mais acessível, ponderado, mas não menos distorcido. 

"Aquele foi o álbum em que eu estava tentando descobrir se ainda me restavam neurônios", disse Clinton. "Eu estava sob a influência de psicodélicos há tanto tempo que pensei: 'Caramba, será que ainda consigo ser 'lógico'?" Para além de uma sensibilidade lírica recém-coerente, havia uma nova mutação musical por parte da orquestra Funkadelic, e a faixa de abertura deu rédea solta à sua ambição recém-descoberta: uma suíte quase progressiva que transita de um jazz-funk frenético e intenso (com uma fórmula de compasso que até Stephen Hawking teria dificuldade em decifrar) para um soul vibrante e atrevido, até um bluegrass-funk em tempo duplo, com uma graça sobrenatural, enquanto um coro comovente transmite sabedoria sobre aquela guitarra wah-wah maravilhosamente maníaca. Esta grandiosa abertura definiu o tom para a eclética jornada que se seguiria, tanto no álbum duplo que abrangia música ambiente exuberante com cordas, funk intimista e sonhador, soul sulista doce e gospel melancólico e arrebatador quanto no restante da discografia subsequente do Funkadelic.

Cosmic Slop é o primeiro álbum do Funkadelic a apresentar arte e notas de encarte de Pedro Bell, que assumiu a responsabilidade pelas capas de álbuns com dobra dupla e pelas notas de encarte da banda até o colapso do grupo após o lançamento de The Electric Spanking of War Babies em 1981. As notas de encarte de Bell para Cosmic Slop incluem pequenas ilustrações ao lado do nome de cada música, resumindo a canção em uma imagem. O álbum também marca o primeiro álbum do Funkadelic sem qualquer contribuição do guitarrista de longa data Eddie Hazel, que havia deixado a banda no ano anterior.

Standing On The Verge of Getting It On é um álbum de funk incrivelmente escorregadio e elástico, tão solto que mal se sustenta, marcou a chegada dos irmãos Collins, Bootsy e Catfish, ao grupo heterogêneo de George Clinton. Em 1970, a banda dos Collins, os Pacemakers, entrou para substituir o clássico grupo de apoio de James Brown após a saída deles devido a uma disputa salarial. Os Pacemakers foram então renomeados para JBs, ajudando o funk de James Brown evoluir na década de 1970, mas a dupla se ressentiu da disciplina notoriamente rígida de Brown e saiu na primavera seguinte, novamente por questões salariais, e também pela predileção de Booty pelo LSD. Clinton, que não tinha problema nenhum com LSD, recrutou os irmãos Collins, depois que seu próprio baixista e guitarrista, Billy Nelson e Eddie Hazel, deixaram o Funkadelic por causa contratos, e Loose Booty captura a dupla em forma inspirada, com a linha de baixo de Bootsy sendo um exercício de genialidade despretensiosa e a guitarra sonolenta e arranhada de Catfish sempre no ponto certo. Outros atrativos principais de Loose Booty incluem uma harpa funky no canal esquerdo, as improvisações barrocas de órgão de Worrell e os relatos de Clinton sobre suas várias desventuras como viciado, chegando a comentar em certo momento: "Por que você acha que chamam isso de droga, droga?"

Clinton reviveu o Parliament em 1974 como um conjunto funk mais voltado para o pop, embora com a maioria dos mesmos músicos de seu outro grupo, mantendo o Funkadelic como seu canal para o funk experimental e repleto de guitarras. No entanto, à medida que o Parliament começou a emplacar sucessos nas paradas e Clinton passou a liderar as duas bandas em lendárias turnês conjuntas (nas quais o gigante do P-Funk fez a "Conexão da Nave-Mãe" sob uma gigantesca estrutura de iluminação que lembrava um OVNI), o funk característico do Funkadelic ganhou um novo foco, reduzindo alguns dos excessos de guitarra e desenvolvendo um novo interesse pela pista de dança. O álbum Let's Take It To The Stage, de 1975 – um dos três notáveis ​​álbuns de P-Funk lançados naquele ano, juntamente com os sucessos Chocolate City e Mothership Connection, do Parliament – ​​foi o mais forte dos álbuns do Funkadelic nessa época. Sua segunda faixa, Better by the Pound, é um funk irresistível, impulsionado por uma linha de baixo incrivelmente elástica e precisa, obra de Billy Nelson, que retornou brevemente à banda quatro anos após sua saída. O ex-integrante Eddie Hazel também se reuniu com o Funkadelic para a faixa, juntando-se ao guitarrista Gary Shider e a um coro de vocais de apoio cheios de alma para entregar uma letra que oscila entre o ascetismo e o prazer corporal, optando, em última instância, pelo último ("O pregador continua prometendo satisfação / As mulheres continuam desistindo da gratificação"). O foco, no entanto, é sempre aquela linha de baixo, impulsionada por um chimbal rouco e um cowbell incrivelmente funky.

Do mesmo álbum, esta faixa lança um olhar crítico sobre os bacanais nos bastidores, revelando os problemas de "uma garota chamada Jan" que, apesar de suas muitas conexões com a banda, não terá permissão para entrar no camarim até fazer sexo oral no porteiro (daí o título). Embora a letra narre sua história com todo o bom gosto de uma história em quadrinhos underground do final dos anos 60, há pouca simpatia por Jan e um pouco de malícia em relação aos obstáculos que ela precisa superar para entrar na festa, a faixa triunfa graças ao riff pesado e excêntrico do Oriente Médio (que sugere heavy metal se tivesse nascido dos beduínos, ou Kashmir do Led Zeppelin repaginado para a era disco), ao grito espiralado da guitarra de Shider e Michael Hampton e aos vocais de apoio selvagens em scat ("Aroo! Aroo! A-chaka-chaka-chaka-chaka!"). Seu turbilhão de weirdfunk foi sampleado com grande efeito no dilacerante disco "Lyrics of Fury" do rapper Rakim.

Com o subtítulo "Say Som'n Nasty", este destaque de "Tales of Kidd Funkadelic" de 1976 – uma compilação de material inédito que marcou a saída da banda da Westbound Records e a assinatura com a Warner Bros. – fez exatamente isso, com Clinton e o "coro vocal Maggotusi" contando histórias picantes sobre "uns malucos de Los Angeles / Que vêm a Nova York para se divertir", e compartilhando um limerique obsceno sobre um homem do Peru que, tendo adormecido em sua canoa, "estava sonhando com Vênus / E tirou o pênis / E acordou com um punhado de gosma". O funk vertiginoso à la Frankenstein, ao qual o grupo compôs essas rimas obscenas, une um riff de sintetizador lânguido de Bernie Worrell a um groove preguiçoso e, em sua forma circular, parece que poderia continuar para sempre, com seus sete minutos nunca ameaçando se arrastar.

Hardcore Jollies é o nono álbum de estúdio da  banda, lançado em 29 de outubro de 1976 pela Warner Bros. Records, sendo o primeiro álbum da banda a ser lançado por uma grande gravadora. É dedicado "aos guitarristas do mundo". Originalmente, o lado A do álbum se chamava "Osmosis Phase 1" e o lado B, "Terribitus Phase 2". Hardcore Jollies foi lançado um mês após o último álbum do Funkadelic pela Westbound Records, Tales of Kidd Funkadelic, que foi gravado nas mesmas sessões. Esse disco foi o último álbum de estúdio do Parliament-Funkadelic a incluir três dos membros originais do The Parliaments: Fuzzy Haskins, Calvin Simon e Grady Thomas. Embora não creditado, Hardcore Jollies apresenta performances instrumentais do guitarrista Eddie Hazel.

Conforme a década de 1970 avançava, a besta de duas cabeças de Clinton engoliu cada vez mais talentos do funk, tanto de seus contemporâneos quanto de seus concorrentes. James Brown perdeu seus aclamados músicos de sopro, Fred Wesley e Maceo Parker, para o grupo Parliafunkadelicment em 1975 ("Enquanto James pregava uniformidade, pontualidade e disciplina, George não tinha nada disso", disse Parker. "Se algum cara curtisse Tarzan e quisesse se vestir no palco como Tarzan, ou como um árbitro de beisebol, ou um piloto, tudo bem para George. Eu estava acostumado com smokings, gravatas borboleta, sapatos de verniz... Uniformes. 

George dizia: "A vida é uma festa, então você não precisa se preocupar com a forma como as pessoas se vestem". Enquanto isso, o grupo Ohio Players viu o cantor/organista Walter "Junie" Morrison trocar de banda com Clinton no final da década, assumindo o papel de diretor musical e dividindo as funções de tecladista com Bernie Worrell. As habilidades de Junie brilham nesta faixa-título que alcançou o topo das paradas, do álbum de 1978 do Funkadelic – o único LP da banda a conquistar platina nos EUA. Há, sem dúvida, uma diferença mínima entre o som pop do Parliament e a produção mais experimental do Funkadelic a essa altura, e "One Nation" se provaria um hino contagiante o suficiente para unir tribos distintas e reconquistar pelo menos parte do espaço nas pistas de dança, que estava sob a hegemonia hedonista da disco music. Os sintetizadores ousados ​​e inventivos de Junie criam um groove vibrante, entregando um som futurista o bastante para sugerir que Clinton e seus companheiros sobreviveriam a uma segunda década de supremacia do funk sem problemas. Mas o Funkadelic logo enfrentaria dificuldades, e durante as décadas de 80 e 90, o som do Parliament-Funkadelic seria ouvido com mais frequência através de samples incorporados às batidas da geração hip-hop do que pelas próprias músicas do grupo.

Na faixa (Not Just) Knee Deep do álbum "Uncle Jam Wants You", o riff de sintetizador é inesquecível – posteriormente emprestado pelo De La Soul para a inefável "Me, Myself & I" – impulsiona esta épica faixa do final da carreira, um hino extático à luxúria, à dança e ao poder jubilante da música, enquanto o narrador relembra como a habilidade de uma garota em "fazer o freak" o enlouqueceu, observando cientificamente: "Algo na música / Me pegou". A faixa tem 15 minutos de duração, mas não há um segundo desperdiçado, com o guitarrista Michael Hampton e o ex-vocalista do Spinners, Philippe Wynne, revezando-se nos holofotes. O primeiro entrega solos de guitarra selvagens o suficiente para nos lembrar que estamos falando de Funkadelic e não do Parliament, enquanto o segundo adiciona um scat arrebatador à paleta sonora do Funkadelic. 

Os vocais de apoio de duas integrantes do grupo feminino Parlet, derivado do Parliament, e a inquietude da cuíca de Larry Fratangelo são outros deleites escondidos em seu ritmo animado e irresistível. A faixa foi o segundo single do Funkadelic a alcançar o topo das paradas de R&B dos EUA, e em 1979 a franquia inquieta de Clinton já havia se ramificado sob inúmeros nomes, sendo Bootsy's Rubber Band, Brides of Funkenstein e o já mencionado Parlet apenas três dos projetos derivados de maior sucesso dessa hidra hedonista. 

O Funkadelic já contou com quinze integrantes.

No lançamento do álbum seguinte do grupo, The Electric Spanking of War Babies, de 1981, Clinton estava em conflito com sua gravadora, que o forçou a reduzir um álbum duplo proposto para um único disco e censurar a arte fálica da capa criada por Pedro Bell, com seus companheiros de banda, vários dos quais já haviam saído por questões salariais, e outros foram responsáveis ​​por um álbum rebelde do Funkadelic, Connections & Disconnections, de 1980, lançado em nome da banda, mas sem a permissão ou envolvimento de Clinton, e contendo indiretas líricas pouco veladas ao seu antigo líder, e pelos graves problemas com drogas. Este seria o último álbum propriamente dito do grupo até o lançamento do álbum triplo d2014, First You Gotta Shake The Gat.

Série Lugares Afro-Brasileiro: Praça dos Orixás

Praça dos Orixás 

(Brasília - DF)

A Praça dos Orixás se localiza em Brasília, às margens do Lago Paranoá, ao lado da Ponte Honestino Guimarães, na margem do lado da Asa Sul. Situada aproximadamente a 4 km do ponto de encontro dos eixos Central e Monumental de Brasília, região central da cidade, é um dos cartões postais de Brasília. É ponto de referência das práticas religiosas de matriz africana.

Em 2006, a praça foi atacada por vândalos e teve quatro estátuas de orixás arrancadas de seus pedestais. Em 2009 foi restaurada e reaberta ao público, exibindo as 16 estátuas de orixás, de cerca de 1,5 m de altura, de autoria do artista plástico baiano Tatti Moreno. A escultura de Iemanjá, situada no centro da praça e sobre um pedestal mais portentoso, destaca-se das demais.

Em 2018, Praça dos Orixás tornou-se Patrimônio Cultural Imaterial do Distrito Federal em registro instituído pelo Conselho de Defesa do Patrimônio Cultural do DF que inclui também a festa de Iemanjá. A Prainha está pronta para a festa de réveillon, enriquecida com a programação que, elaborada pela Secretaria de Cultura e Economia Criativa (Secec), também contempla a Esplanada dos Ministérios.

Atualmente, a praça é um oásis na capital do país, sua simbologia é fruto da resistência e principalmente da força dos praticantes das religiões afro que merecem respeito e fazem parte da história negra brasileira.

Educação e memória afro-brasileira

@afrofile

Gary Moore

Gary Moore

' O Blues com sotaque Irlandês '

Robert William "Gary" Moore (Belfast, 4 de abril de 1952 — Estepona, 6 de fevereiro de 2011), mais conhecido pelo nome artístico de Gary Moore, foi um conceituado guitarrista e compositor de hard rock, blues e rock progressivo. Considerado um dos maiores guitarristas da história, seu trabalho nos anos 70 e início dos anos 80 influenciou muitos grandes nomes da guitarra.

"Gary Moore dominava qualquer tipo e modelo de guitarra"

Com a banda Skid Row, 1969.

A vida de quem cresceu em meio às bombas do Exército Republicano Irlandês (IRA) e às brigas religiosas do pós-guerra refletia-se em seu som de guitarra: extremamente triste e sofrido, mas também visceral e técnico quando solicitado. Gary Moore é considerado um dos guitarristas mais  completos da História do Rock, indo nos seus primeiros anos do Jazz Rock ao Hard Rock, passando por Baladas e o Blues.

Ele iniciou a trajetória profissional aos 16 anos de idade numa banda de blues rock irlandesa chamada Skid Row, sediada em Dublin e liderada pelo baixista Brendan "Brush" Shiels. Foi a primeira banda em que Phil Lynott e Gary Moore tocaram profissionalmente antes de alcançarem maior fama com o Thin Lizzy.

B. Downey, Phil Lynott e Gary Moore.

Sempre disse que suas maiores influências foram Jeff Beck, Eric Clapton, Peter Green e Jimi Hendrix, porém mais tarde mergulharia de cabeça nos trabalhos dos grandes mestres guitarristas de blues como Otis Rush, Albert Collins e Freddie King. 

Participou das gravações de um álbum da banda folk Dr. Strangely Stranger. Pouco depois, Gary Moore estava planejando entrar na formação do Thin Lizzy, banda irlandesa ramanescente do Skid Row, com seu parceiro baixista/vocalista Phil Lynott e o baterista Brian Downey. Mas os planos, pelo menos naquele momento, seriam adiados.

Moore decidi fazer um álbum solo com uma banda própria. A banda é batizada de The Gary Moore Band, e mesmo com sua base rítmica sendo o blues, o jazz também fazia sua cabeça, e o estilo percursor chamado "jazz-fusion", foi bastante explorado em seu primeiro álbum. 

Grinding Stone foi lançado no ano de 1973 com muitas experimentações sonoras, e a banda contava com John Curtis no baixo e Pearse Kelly na bateria. O álbum foi produzido por Martin Birch. 

Como o álbum não obteve o sucesso esperado, Gary investe em suas habilidades técnicas e começa a focar como guitarrista em outras bandas. Participa do Thin Lizzy em vários shows e grava o álbum Black Rose no ano de 1979. Participa também da segunda encarnação da banda de rock progressivo Colosseum, batizada de Colosseum II.

Porém, no mesmo ano de 1979, o guitarrista decidi investir em sua carreira solo para nunca mais parar. Com destaque para duas fases distintas: primeiro o hard rock e depois o blues. Álbuns como "Corridors Of Power", "Victims Of Future", "Wild Frontier" e "After The War", gravados todos na década de 80, influenciaram muitos guitarristas de estilo mais pesado e virtuoso.

Entrando na década de noventa, Gary Moore inicia sua jornada mais blueseira, até então. Com o álbum e o grande sucesso da música Still Got the Blues de 1990, o guitarrista se torna gigantesco se consagrando para sempre. Todos os seus álbuns de blues desse período são sensacionais.

Álbuns do final dos anos noventa como "Dark Days in Paradise" e "A Difefferente Beat", trouxeram uma sonoridade mais pop e até com elementos eletrônicos. Já no excelente álbum "Scars" gravado em 2002, Gary Moore volta com tudo no hard rock! 

Mas sua carreira e paixão nunca saíram do blues, e falaram mais alto. Os trabalhos de sua última década foram álbuns maravilhosos inteiramente dedicados a esse estilo. Sempre se atualizando para um blues moderno e vigoroso, sua marca ficou registrada em álbuns como: Back To The Blues (2001), Power of The Blues (2004), Old News Ballads Blues (2006), Close as You Get (2007), Bad For You Baby (2008), além do póstumo How Blue Can You Get lançado só em 2021.

Gibson Les Paul Standard 1959.

A história da guitarra Gibson Les Paul (1959), que era de Peter Green. 

Embora compartilhasse do respeito por Eric Clapton e pelos músicos de blues americanos, o garoto Peter Green, de 21 anos, tinha sua própria interpretação do timbre de Les Paul.

A sua Les Paul 1959 tinha um vibrato rápido e incisivo, sua predileção por timbres limpos e cortantes, frequentemente repletos de reverberação, seu apurado senso de dinâmica, e sua incomparável sutileza melódica o diferenciam de todos os outros músicos de blues ingleses, antes ou depois dele.

Green vendeu sua guitarra mágica com seu som e captadores misteriosamente conectados para Gary, que a usou para gravar o álbum de 1995 chamado "Blues for Greeny", um repertório de onze composições originais de Peter Green, interpretadas com muito feeling, timbre e sensibilidade.

Uma homenagem a Jimi Hendrix.

Gary era muito reconhecido por suas apresentações e performances no palco, tendo realizado inúmeras delas no festival de Montreux. E outro momento muito especial do guitarrista foi o show no London Hippodrome, em 2007, em homenagem ao ídolo Jimi Hendrix, com a participação especial dos próprios integrantes do Hendrix, Billy Cox no baixo e do lendário baterista Mitch Mitchell. 

Eles entraram no palco para tocar as músicas "Red House", "Stone Free" e "Hey Joe". Sensacional e histórico! A banda que acompanhou Gary Moore nessa noite foi formada em modelo "power trio", com Dave Bronze no baixo e Darrin Mooney na bateria. Eles apresentaram várias músicas da carreira de Jimi Hendrix, o que rendeu um álbum ao vivo chamado "Blues for Jimi", lançado em 2007.

Infelizmente, há poucas horas de ter dado entrada no hotel Estepona na Espanha, Gary Moore sofreu um ataque cardíaco enquanto dormia, e faleceu no dia 6 de fevereiro de 2011. Ele passava férias após uma jornada de shows apresentando músicas do seu último álbum em vida, "Bad For You Baby". 

Um ano antes ele havia gravado um show no festival de Montreux, sua "casa" favorita. Um box de discos com suas apresentações no festival já tinha sido lançado em 2009. 

As músicas mais conhecidos de Gary Moore são Parisienne Walkways, Still Got the Blues, Over The Hills and Far Away, End of the World, Murder in the Skies, The Loner e Out in the Fields em parceria com Phil Lynott e Empty Rooms. 

Moore influenciou inúmeros guitarristas como Vivian Campbell, John Norum, Paul Gilbert, Jake E. Lee, Slash, Orianthi, Joe Bonamassa, Adrian Smith, Doug Aldrich, George Lynch, Zakk Wylde, Randy Rhoads, John Sykes, Phil Collen, Janick Gers, Mikael Åkerfeldt, Kirk Hammett, entre outros.

Para alegria dos fãs, um últmo álbum foi lançado postumamente, em 2021, chamado "How Blue Can You Get". Esse álbum vem direto dos arquivos de Gary Moore e reúne quatro faixas covers e quatro canções próprias. 

Ouvir esse disco após tanto tempo de sua morte traz uma carga extra de emoção e sentimentos, principalmente quando fica clara a qualidade do material e da sua voz bluesy tocando profundamente nosso coração. 

O resultado de toda sua carreira foi de dimensão única, de um guitarrista único !!

WAR

 WAR

' O blues-funk contestador da 

Banda War '

Uma banda contra a guerra: "Faça amor, não faça guerra".

Breve biografia:

A criação da Banda War, em 1969, foi ideia do produtor de discos Jerry Goldstein e do roqueiro Eric Burdon, ex- integrante do conjunto The Animals. Tudo começou quando Goldstein encontrou com os futuros componentes do grupo, tomando cerveja num bar do Vale de San Fernando, periferia de Los Angeles. Burdon estava desanimado em continuar tocando rock, procurava novas sonoridades.

O final da década de 1960 era época do slogan "Faça Amor, Não Faça Guerra". E Goldstein, de sacanagem, resolveu batizar o conjunto de War. Segundo o tecladista e vocalista Lonnie Jordan, a proposta era espalhar, por meio de suas músicas, paz e harmonia. As vozes eram as armas e as canções as munições contra o sistema, comandado pelo governo truculento de Lyndon Johnson. O público logo percebeu que a Funk Music da Banda War criticava o racismo, as injustiças sociais e os crimes de guerra.

Desde o início, o grupo transformou-se num laboratório musical, misturando diversos estilos e influências. A proposta de Goldstein já rendeu à banda 17 discos de ouro, triplo platina pelo álbum The World is a Ghetto, platina duplo no disco Why Can´t We Be Friends? (sucesso no Brasil, lançado pela rádio Difusora Jet Music), e platina no álbum Deliver the Word.

War & Eric Burdon

O primeiro show ao vivo de Eric Burdon e a Banda War, em 1969, ocorreu no Sul da Califórnia, com ingressos esgotados. Em seguida gravaram o disco: Eric Burdon Declares War. O primeiro sucesso do grupo foi " Spill The Wine".

Fizeram diversas turnês pelos Estados Unidos e Europa. No show em Londres, o guitarrista Jimi Hendrix não resistiu ao som da rapaziada e subiu ao palco para tocar junto no Ronnie Scott Club. A apresentação entrou para história, pois naquela noite Hendrix morreria por colápso de substâncias com álcool.

Primeiros álbuns: Ao término do giro pelo Europa, Eric Burdon deixa a banda. Coube a Goldstein manter o restante do grupo unidos. E no final de 1971, lançam o disco Slippin 'Into Darkness e vendem 1 milhão de cópias. Em 1972, o álbum The World is a Ghetto, gravado em 29 dias, vira o disco do ano pela lista da Billboard. No ano seguinte repetem a dose com Deliver The Word e explodem nas paradas os hits "Gypsy Man", "Me And My Brother Baby" e a regravação de "All Music Day". Foram vendidos quase 2 milhões de discos.

Capa do Lp, 1977.

Em 1975, o álbum Why Can´t We Be Friends ficou 31 semanas nas paradas, rendendo um disco de platina duplo. Dois anos depois, o lançamento de um álbum em estilo Jazz rendeu outro disco de platina. Nessa primeira década, a banda colocou várias canções nas paradas das rádios: " Outlaw", "You Got The Power" e "Cinco de Mayo".

Nas décadas seguintes, eles se dedicaram às turnês. Fazendo cerca de 150 shows por ano por todo o mundo. 

A banda continua na ativa e produzindo álbuns conquistando uma nova geração de fãs, cujos pais conheceram a Banda War no início da caminhada. A cidade de Los Angeles já homenageou o conjunto por duas vezes, pelas causas na luta por melhorias nas comunidades carentes. 

Na opinião de Lonnie Jordan, o mundo ainda é um gueto e as guerras prosseguem, como ocorria no final da década de 1960.