Curtis Mayfield

Curtis Mayfield

' Música de protesto sem raiva, um gigante da gentileza '

História e trajetória artística

Curtis Lee Mayfield fez suas primeiras gravações em 1958 como membro do grupo de soul/R&B de Chicago, The Impressions. Ele tinha 16 anos e vinha do notório conjunto habitacional Cabrini Green, na cidade. Na época, ele era apenas um vocalista de apoio do grupo – sem guitarra, sem produção e sem composição. Isso mudaria, e em breve.

Mayfield fez sua última gravação, “New World Order”, em 1995, após quatro décadas de sucessos como artista solo, produtor, compositor e como símbolo do orgulho negro e do capitalismo negro na indústria musical. A última experiência de Mayfield em estúdio foi um exemplo de coragem e determinação. Paralisado após um acidente no palco, ele gravou um verso de cada vez, deitado de costas para permitir que seu diafragma funcionasse e o ar chegasse aos seus pulmões.

"Ele quebrou as costas, mas não o espírito", diz sua viúva, Altheida Mayfield.

A música que cercou e influenciou Curtis Mayfield, nascido em 1942, desde cedo, veio da igreja Travelling Soul Spiritualists' Church de sua avó, da música gospel e da rica cena do blues elétrico de Chicago. Um violão, descoberto aos sete anos em um armário no pequeno apartamento onde morava com a mãe e sete irmãos, mudou tudo. Ele tocava um pouco de piano, mas o violão era diferente, muito pessoal. "...como um outro eu", disse ele. Mayfield literalmente transferiu seu conhecimento de piano para seu novo instrumento. O amigo de infância, o cantor Jerry Butler, observou: "Ele adorava tocar boogie-woogie no piano e aprendeu a tocar em Fá sustenido, o que significava que ele tocava todas as teclas pretas. Foi assim que ele desenvolveu seu som único no violão, porque o afinava dessa maneira." 

Mayfield usou sua excêntrica afinação aberta em Fá sustenido pelo resto de sua carreira. Ele também se tornou proficiente em baixo, bateria e saxofone.

Agora era evidente que o futuro de Mayfield estava na música, sua saída da pobreza. Contra a vontade da família, ele abandonou o ensino médio e se juntou ao The Roosters, um grupo liderado por Jerry Butler. O nome logo se tornou o mais comercial The Impressions. Butler observou: “Existe algo chamado som Soul de Chicago que começou no final dos anos 50. O The Impressions foi pioneiro nisso… e Curtis era o coração do The Impressions”; mas não no início…

A música soul de Chicago, que se desenvolveu na década de 1960, tinha suas raízes na música gospel, com um ritmo tranquilo e foco na melodia (outro termo para esse estilo é "soft soul"). Metais, cordas e harmonias vocais elaboradas faziam parte dela.

O primeiro sucesso dos Impressions, "For Your Precious Love", teve Butler como coautora e vocalista principal. O single alcançou as paradas de R&B e, mais importante para um grupo negro, as paradas pop. Butler, recebendo a maior parte dos créditos, imediatamente seguiu carreira solo.

Isso foi ótimo para Mayfield, permitindo-lhe experimentar pela primeira vez o controle e a responsabilidade. Ele manteve o grupo unido como vocalista principal, produtor e compositor, e em 1961 os Impressions reformulados tiveram seu primeiro sucesso da era Mayfield, "Gypsy Woman". Pelo resto da década, o grupo permaneceu em alta com 14 músicas no Top 10, incluindo uma sequência incrível de cinco canções no Top 20 só em 1964 – o ano em que os Beatles chegaram para causar problemas a todos.

Mayfield aperfeiçoou o trabalho singular do grupo no registro agudo e permaneceu fiel ao falsete, em vez da extensão vocal mais comum. Johnny Pate, um músico de jazz que trabalhou com The Impressions, lembrou-se do efeito: “O grupo explorou algumas harmonias em falsete agudo que eram realmente inéditas. Ninguém tinha feito isso antes. O mais incrível é que tudo estava afinado, em perfeita harmonia, afinado…”

O modelo de negócios da música popular negra na década de 1960 era regido por música dançante e canções de amor. Mas Mayfield tinha ideias que colocariam sua música em um caminho diferente. Fora do mundo da gravação, a comunidade negra americana enfrentava os direitos civis, a pobreza nos centros urbanos, o uso e abuso de drogas e, sem ser solicitado, Mayfield abordou essas questões da única maneira que sabia: através de sua música, um passo provocativo que o transformou em uma força musical de mudança na comunidade negra. A cantora Mavis Staples (do grupo The Staples Singers) definiu essa transformação: “[Curtis] tinha uma longa história de escrever canções de amor maravilhosas que davam vontade de dançar lentamente no porão. E então, de repente, ele escreveu algumas das melhores canções com mensagens que poderiam existir.”

Mayfield estava indignado com a desordem que afetava a América, mas sua música era apresentada de forma singular, sutil e inteligente, com influências de gospel, R&B e soul, ao estilo de Chicago. Chamando Mayfield de "um gigante da gentileza", a cantora Sinead O'Connor observou que sua música "usava amor e encorajamento, não raiva, para dizer coisas importantes". A voz de Mayfield, voltada para o público em geral, conseguia moderar qualquer hostilidade na letra sem destruir seu significado. A mensagem era para o povo, não para os radicais. "Essas canções eram um exemplo do que estava no meu subconsciente há anos... as questões que me preocupavam como um jovem negro...", disse Mayfield. E, deixando a política de lado, Mayfield ainda queria seus sucessos nas paradas.

Em 1964, o grupo The Impressions alcançou seu maior sucesso até então com a canção de Mayfield, "Keep on Pushing", que o consagrou como um dos primeiros cantores e compositores de R&B a levar comentários sociais às paradas de sucesso. Outros "hinos" se seguiram: "People Get Ready" e "We're a Winner"; todos sucessos, mas com uma trajetória fora das paradas. 

Martin Luther King Jr. tornou "Ready" e "Pushing" hinos não oficiais do Movimento. Um senador estadual chamado Barack Obama fez o discurso de abertura na Convenção Democrata de 2004. A música que o levou ao palco foi "Pushing". "People Get Ready" foi gravada por mais de 100 artistas, rendendo direitos autorais ao compositor, o tipo de homenagem que o pragmático Mayfield apreciava. Ele disse que essa canção "veio da minha igreja. Eu devia estar em um momento de profunda inspiração religiosa quando a escrevi." "We're a Winner" (1967) era mais forte em sua letra, tanto que algumas estações de rádio se recusaram a tocá-la durante os tumultos daquele ano.

Mayfield se sentia desconfortável quando as pessoas o chamavam de "O Pregador" ou "O Reverendo" por causa de sua nova música, mas permanecia modesto e lúcido a respeito: "Sou um artista antes de tudo", costumava afirmar. "Através da minha forma de compor, consegui dizer essas coisas sem que as pessoas se sentissem como se estivessem ouvindo um sermão."

Mayfield trabalhava como produtor para a Okeh Records nas horas vagas, colaborando com Major Lance, Gene Chandler e outros grandes nomes do sucesso. Em 1968, fundou a Curtom Records. Lá, ele controlava suas gravações, a publicação de suas músicas e o estúdio de gravação. O controle era fundamental para Mayfield, como ele mesmo disse a Jerry Butler: "Eu só quero ser dono de tudo o que puder de mim".

O jovem que abandonou o ensino médio sabia como administrar os negócios, e a indústria musical atual é notável pela presença de estrelas afro-americanas no comando de seus próprios negócios – Jay-Z, Kanye West, Dr. Dre, P. Diddy, Russell Simmons, entre outros – que têm suas raízes em Mayfield. Ele demonstrou que o capitalismo negro bem-sucedido era possível, talvez até necessário.

A década de 1970 começou e, com ela, outra mudança transformadora para Mayfield: ir para o cinema. O período dos filmes "Blaxploitation" havia começado, filmes produzidos rapidamente, de baixo orçamento e transmitidos para um público negro das periferias urbanas. Eles precisavam da música certa na trilha sonora. Naquela época, havia uma pergunta não exatamente silenciosa em Hollywood: "Afro-americanos podem compor música para cinema?". Mayfield respondeu: "Mostramos que você não precisa de uma sala do tamanho de um campo de futebol para compor música. Você não precisa ser um Henry Mancini." (Ele agora gravava em um pequeno estúdio de produção de demonstração comprado da RCA Records em Chicago).

"Super Fly" era um filme de blaxploitation, repleto de drogas, violência e cultura rebelde. Alguém achou que o groove soul funk de Mayfield era ideal para a trilha sonora. Esse alguém não era Mayfield, que não era fã dos personagens ou do enredo do filme... até que viu uma maneira de subvertê-los. Altheida Mayfield diz: "Curtis achava que 'Super Fly' era um comercial para vender cocaína". As músicas para "Super Fly" surgiram como contraponto à ação na tela – "Freddie's Dead", "Super Fly" (ambas singles com milhões de cópias vendidas), "Pusherman", "Little Child Runnin' Wild". Essas músicas reapareceriam décadas depois; a Geração R(ap) descobriu a arte da sampleagem.

O álbum "Super Fly" dos Impressions tornou-se um clássico instantâneo do soul e funk dos anos 70, um raro exemplo de trilha sonora que vendeu mais que o filme e, junto com Marvin Gaye e Stevie Wonder, Mayfield introduziu o soul funk com mensagens, um ritmo socialmente consciente. O trabalho no cinema passou a ocupar grande parte do tempo de Mayfield – Gladys Knight and the Pips (o filme "Claudine"), Aretha Franklin ("Sparkle"), Staple Singers ("Let's Do It Again"), Mavis Staples ("A Piece of the Action"). "Short Eyes" foi um sucesso para o próprio Mayfield em 1977.

Em 1980, Mayfield mudou-se, com sua família de seis filhos, de Chicago para Atlanta, encerrando efetivamente a era do soul de Chicago. Sua carreira passou a ser a de compositor/produtor, tanto para si mesmo quanto para outros artistas. 

Ele fez turnês pelos Estados Unidos, Japão e Europa, especialmente pela Grã-Bretanha. Mayfield chegou a revisitar "Super Fly" em 1990 com "Super Fly 1990", um álbum com novas músicas e uma colaboração entre ele e Ice-T. Os rappers consideravam Mayfield uma grande influência.

Então chegou o dia 13 de agosto de 1990 e a tragédia. Mayfield chegou para a passagem de som de um show no Brooklyn, Nova York. Em uma tarde chuvosa, fortes ventos derrubaram uma estrutura de iluminação. Ele ficou preso embaixo dos escombros, com a coluna vertebral esmagada em três lugares, ficando paralisado do pescoço para baixo. Agora, ele estava confinado a uma cadeira de rodas. Embora tivesse pouco controle sobre o próprio corpo, ele ainda controlava sua carreira. Lentamente, a princípio, parte da força retornou, mas foram necessários quatro anos para que ele voltasse a cantar em público. Isso foi o suficiente para convencê-lo de que deveria voltar a gravar. O resultado foi seu último álbum, “New World Order”, e sua última grande canção, “Here but I'm Gone”, músicas originais gravadas em seu estúdio caseiro sob grande pressão.

Mas a condição física de Mayfield começou a deteriorar-se seriamente – a diabetes obrigou à amputação da perna direita – e ele faleceu em 26 de dezembro de 1999. Após a sua morte, inúmeras homenagens foram prestadas e muitos elogios foram feitos. Mas a verdadeira homenagem reside no poder duradouro da obra que ele deixou, ainda hoje descoberta e interpretada por cada nova geração.

@CurtisMayfield

LiTeRaTuRa: Anna Bella Geiger

LIVRO: ANNA BELLA GEIGER

'A Imaginação é um ato de liberdade'

Editora: sobinfluencia edições

Data da publicação: 10 março 2026

Autora: Gabriela De Laurentiis

@EditoraSobInfluênciasEdições

Sobre a crítica e artista plástica:

Anna Bella Geiger é uma artista plástica e professora nascida no Rio de Janeiro. Com obras de caráter experimental, ela foi uma das primeiras artistas a engajar em técnicas abstratas no Brasil, participando da primeira exposição de arte abstrata brasileira, no hotel Quitandinha, em Petrópolis (RJ), em 1953.

Suas obras conversam com dimensões pessoais e políticas, e criticam e dialogam com diferentes aspectos da história e da sociedade brasileiras nos últimos 70 anos. Esta pesquisa explora a obra da artista e investiga como temas como autoritarismo, violência estatal e violência de gênero a atravessam.

Como a artista Anna Bella Geiger cria obras e promove práticas artísticas e educacionais que produzem uma crítica aos autoritarismos e violências?

Anna Bella Geiger é uma das mais importantes artistas brasileiras e, aos mais de 90 anos, segue em plena atividade. Desde os anos 1960, ela desenvolve obras comprometidas com os problemas sociais, políticos e culturais de seu tempo. Ao longo das décadas, sua produção atravessa diferentes mídias e contextos institucionais, articulando arte, educação e pensamento crítico.

Mobilizando teorias feministas para pensar essas formas espaciais, a tese contribui para adensar os debates sobre arte, política e gênero no Brasil, ao mesmo tempo em que propõe uma metodologia sensível ao modo como artistas constroem pensamento a partir da prática. Trata-se de uma pesquisa comprometida com os movimentos de Anna Bella Geiger, ou seja, com imaginar outras formas de criar, resistir e habitar o mundo.

A pesquisa, realizada na FAU-USP (Faculdade de Arquitetura e Urbanismo da Universidade de São Paulo), com bolsa Fapesp, investiga a obra da artista Anna Bella Geiger, com foco em suas práticas artísticas e educacionais, sobretudo aquelas desenvolvidas durante o período da ditadura militar no Brasil. A partir da noção de espacializações, propõe-se compreender como Geiger cria e transforma espaços — físicos, institucionais, subjetivos, imagéticos, cartográficos — em formas de crítica aos autoritarismos e violências materiais e simbólicas.

O trabalho é estabelecido por meio de teorias e metodologias feministas, que permitem abordar a criação artística não apenas como linguagem, mas como forma de elaboração de mundo e produção de pensamento. A tese articula questões de arte, política e gênero, analisando obras criadas em conjunto com estudantes e individualmente, exibidas em mostras solos e coletivas, principalmente aquelas realizadas em formas de fotografia, vídeo e instalação.

Ao privilegiar a dimensão espacial na análise de sua obra, a pesquisa evidencia como Anna Bella Geiger compartilha com pensadoras feministas uma atenção crítica aos modos de construir, tensionar e ocupar espaços. Com isso, contribui de maneira singular aos debates contemporâneos sobre artes, autoritarismos e feminismos.

Mais do que chegar a uma conclusão fechada, a pesquisa propõe deslocamentos. Ela parte da escuta das obras e práticas de Anna Bella Geiger para elaborar conceitos como o de espacializações, que atravessam imagens, corpos, instituições e modos de criar.

Um ponto de destaque foram as imagens apresentadas na tese. Elas resultam tanto de pesquisas documentais em acervos de museus como o MAC-USP (Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo) e o MAM-RJ (Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro), quanto de arquivos de jornais. Também foram produzidos registros inéditos, realizados por mim, durante viagens de pesquisa junto a Anna Bella Geiger, e pelo artista João Mascaro, no contexto das filmagens do documentário sobre a artista — ainda em finalização. Esses materiais visuais não apenas documentam, mas constituem parte do pensamento desenvolvido ao longo da pesquisa.

A maior contribuição talvez esteja em mostrar como sua obra se aproxima de debates feministas sem necessariamente reivindicar esse lugar. Há uma afinidade ética e formal entre sua maneira de criar e as formas feministas de habitar, resistir e transformar o mundo. A pesquisa, portanto, não fecha uma resposta, mas abre territórios de relação entre arte, espaço e política.

O público em geral, artistas, curadoras, pesquisadoras e educadoras que se interessam pelos feminismos, pela relação entre arte e política e pela produção cultural brasileira.

Gabriela Barzaghi De Laurentiis é artista e pós-doutoranda na FAU-USP, com bolsa Fapesp que também financia seu estágio como pesquisadora convidada no Institute for Cultural Inquiry, vinculado ao programa Gênero e Estudos Pós-coloniais da Utrecht University, nos Países Baixos. É autora de “Louise Bourgeois e modos feministas de criar”, resultado de seu mestrado em história cultural pela Unicamp (Universidade Estadual de Campinas). É graduada em ciências sociais pela PUC-SP (Pontifícia Universidade Católica de São Paulo), com intercâmbio na Sciences Po – Paris. Foi pesquisadora associada ao projeto Imaginários Urbanos (Fapesp–Université de Lyon). Integra os grupos de pesquisa do CNPq “RITe – Representações: Imaginário e Tecnologia” (da FAU-USP) e “O Espaço Delas” (da Universidade Federal de Uberlândia). Atua também como curadora e autora de textos críticos para exposições e catálogos e integra o Lâmina, duo artístico que investiga relações entre arte, arquitetura e tecnologias de produção audiovisual.

Provocação Histórica: A Imaginação é um Ato de Liberdade

A IMAGINAÇÃO É UM ATO DE LIBERDADE

' Livro sobre a artista plástica: Anna Bella Geiger '

Gabriela De Laurentiis é artista, pesquisadora, curadora e escritora. Autora dos livros Anna Bella Geiger: a imaginação é um ato de liberdade e Louise Bourgeois e modos feministas de criar, ambos traduzidos para o espanhol. Mestre em História pela UNICAMP, é doutora pela Faculdade de Arquitetura e Urbanismo e de Design da USP (2022), onde faz seu pós-doutorado. Foi pesquisadora visitante no Institute for Cultural Inquiry (ICON), no âmbito do programa de Estudos de Gênero e Pós-coloniais da Universidade de Utrecht, Holanda. Todas as pesquisas foram realizadas com bolsa FAPESP. Graduada em Ciências Sociais pela PUC-SP (2010), fez intercâmbio acadêmico na Sciences Po Paris (2009). Gabriela é também parte do duo artístico Lâmina.

PROGRAMA 

- PROVOCAÇÃO HISTÓRICA - 

GABRIELA DE LAURENTIIS

25/06/2026

@CanalInstitutoConhecimentoLiberta

DiScOs InCrÍvEiS: Joanna Connor

Joanna Connor

'4801 South Indiana Avenue'

- 2021 -

A virtuosa da guitarra slide e cantora e compositora de Chicago, Joanna Connor, mais conhecida como uma das rainhas do blues rock, lançou seu 14º álbum, 4801 South Indiana Avenue, pelo novo selo independente de blues de Joe Bonamassa, Keeping The Blues Alive, em 26 de fevereiro de 2021. O novo álbum, sucessor do aclamado álbum de estúdio Rise, foi produzido por Joe Bonamassa e Josh Smith no Ocean Way Recording Studios em Nashville, Tennessee. Joanna, Joe e os demais músicos do álbum mergulharam fundo e criaram um conjunto autêntico, vibrante e original de blues de Chicago.

Joanna já tocou guitarra com grandes nomes do blues, incluindo James Cotton, Buddy Guy, Jimmy Page e Junior Wells. Estreando no principal clube de blues de Chicago, o Kingston Mines, na década de 1980, ela se apresentou lá três noites por semana desde então, intercalando com shows em clubes maiores e festivais, antes da disseminação da pandemia no início deste ano.

Guitarrista de blues rock agressivamente ousada e altamente inovadora, com um groove preciso que engloba jazz e funk, Joanna é aclamada por muitos como uma das guitarristas mais poderosas e influentes do planeta.

Sobre o álbum:
Joanna afirma: “Escolhemos o título do álbum '4801 South Indiana Avenue' porque era o endereço real do lendário templo do funk blues 'Theresa's Lounge'. Queremos que o ouvinte abra aquela porta, entre e sinta em sua essência um pouco da magia que um lugar como aquele proporcionava noite após noite. Foi uma honra trazer isso para vocês, nossos ouvintes.”

O novo álbum reflete uma experiência completamente nova em relação à forma como Joanna gravou música no passado.

“Este álbum é uma homenagem à escola de blues que frequentei em Chicago”, diz Joanna. “Tentamos capturar o espírito da tradição e injetá-lo com energia bruta e paixão.”

Quando perguntada sobre como Joe acabou produzindo seu álbum, Joanna se lembra como se fosse ontem.

“Gravamos o álbum em Nashville. Joe retuitou um dos meus vídeos em maio passado e ele viralizou em seu site. Agradeci a ele por mensagem, dei meu contato e ele respondeu imediatamente.”

“Ele abriu um show para mim anos atrás no palco Backporch do House of Blues em Chicago, onde toquei semanalmente por anos! Joe já me conhecia há anos. Ele queria fazer um álbum para mim, um álbum que ele sentia que eu precisava fazer e que nunca tinha feito de verdade.”

Joanna tem a reputação, no meio musical, de ser uma ótima guitarrista. O que ela tentou alcançar com sua guitarra no novo álbum?

Joanna diz: “Não usamos efeitos, usamos muitas guitarras legais e amplificadores vintage, o que é novidade para mim. Tentamos refazer tudo para retratar a minha profunda história com o blues, trazer à tona as milhares de horas suadas naqueles clubes de blues em Chicago e transmitir isso para o disco.”

No novo álbum, Joe incentivou Joanna, o que permitiu que ela entregasse uma voz mais poderosa em todas as faixas.

“Foi o máximo que já forcei minha voz”, diz Joanna.

Mas por que Joe Bonamassa quis produzir o novo álbum de Joanna?

“Lembro-me de perguntar diretamente a Joe: 'De todos os guitarristas do mundo, por que eu?'” Ele disse: “Porque você tem uma intensidade na sua forma de tocar que a maioria das pessoas não tem. Aliás, eu gostaria de ter um pouco disso em mim, de simplesmente se deixar levar e nem pensar nisso.”

O novo álbum conta com a nata dos músicos. Joanna descreve o trabalho com eles como uma experiência inesquecível.

“Tocar com Reese Wynans foi uma honra e um privilégio, e me emocionou até às lágrimas. Ter Josh Smith e Joe tocando guitarra em todas as faixas e fazendo os arranjos foi um presente para mim. O baixista Calvin Turner era incrivelmente envolvente e sólido, e foi o responsável pelos arranjos de metais. 

Lemar Carter é um dos bateristas mais requisitados da cena musical e toca com Frank Ocean e muitos outros. Ele é um mestre do tempo, do bom gosto e do groove. Gravamos todas as músicas em, no máximo, três takes. Estávamos todos juntos na mesma sala, exceto Joe, que estava na sala de controle tocando e produzindo. Fazer este álbum foi como um trabalho dos sonhos.”

As faixas

1. Destination

2. Come Back Home

3. Bad News

4. I Feel So Good

5. For The Love Of A Man

6. Trouble Trouble

7. Please Help

8. Cut You Loose

9. Part Time Love

10. It's My Time

Curaçao BlueSeas Festival

Curaçao BlueSeas Festival

O Curaçao International BlueSeas Festival é um animado festival de música gratuito realizado no histórico bairro de Pietermaai, em Willemstad. Artistas locais e internacionais apresentam blues e música ao vivo em vários palcos, criando uma atmosfera vibrante repleta de bons sons, boa comida e verdadeiras vibrações da ilha. Um evento imperdível para os amantes da música em Curaçao.

A ilha de Curaçao tem sempre a honra de receber o grandioso Curaçao International BlueSeas Festival. Depois de uma pausa forçada devido à covid-19, uma seleção de talentos internacionais do blues voltaram a ser vistos nos vários palcos do free street festival da zona boêmia. O show de inauguração foi no dia 6 de abril de 2023 com um concerto da banda holandesa Harlem Lake no Kura Hulanda Village, em Otrobanda.

Vários outros artistas puderam particpar desse momento como: Annika Chambers e Paul DesLauriers, SaRon Crenshaw Band, John Németh, Victor Wainwright e The Train, Ron Artis II & The Truth, Terrie Odab, Diunna Greenleaf e Sugaray Rayford Band. “Estamos sempre muito alegres em receber os turistas que visitam Curaçao todos os anos para prestigiar o festival. Os participantes do festival podem desfrutar de toda a nossa oferta turística e gastronômica, praias, cultura, bem-estar, além de toda a programação do festival”, afirma Andre Rojer, Gerente Regional para América do Sul do Escritório de Turismo de Curaçao.

No distrito de Pietermaai, também conhecido como o “SoHo” de Curaçao, todos descobrem uma experiência única de compras, para não mencionar a beleza de bares, restaurantes e hotéis boutique charmosos. Juntos, esta coleção única de empresas criou uma parte viva, aconchegante e segura desta parte da capital. Nem todos os monumentos negligenciados estão restaurados, mas isso é o que dá a Pietermaai um estilo especial e real. Em resumo, o local certo para as pessoas que procuram algo realmente diferente. Os visitantes não só desfrutam do Curaçao International BlueSeas Festival, mas, também, experimentam a amigável hospitalidade de Curaçao. Assim, o destino é, em todos os seus aspectos, levado à atenção dos amantes da música internacional de uma maneira única.

@CuraçaoBlueSeasFestival

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A Fundação “Fundashon Bon Intenshon”, estabelecida em Curaçao e fundada em 1990, é a idealizadora, co-organizadora e principal patrocinadora do Curaçao International BlueSeas Festival.

A Fundashon Bon Intenshon deseja destacar Curaçao na atenção da comunidade (inter)nacional de uma forma especial. Desde a sua fundação, a Fundashon, como parte do seu compromisso social, tem apoiado diversos projetos nas áreas da educação, cultura, desporto, redução da pobreza, saúde e turismo. O foco do apoio reside principalmente na criação de melhores oportunidades para jovens em situação de vulnerabilidade. Um bom exemplo disso é a Academia de Futebol de Curaçao, criada especialmente para a juventude. Jovens talentos recebem treinos de futebol quase diariamente e, além disso, são acompanhados individualmente e auxiliados nas tarefas de casa. Um projeto único em toda a região.

O Curaçao International BlueSeas Festival, organizado pela Fundashon em cooperação com a Mojo Concerts, alinha-se perfeitamente com os objetivos da Fundashon. Os visitantes não vêm apenas para desfrutar do festival, mas também para vivenciar a calorosa hospitalidade de Curaçao. Dessa forma, a ilha de Curaçao é apresentada aos amantes da música internacional de uma maneira especial, em todos os seus aspectos.

Outros dois projetos únicos que foram viabilizados pelo Fundashon Bon Intenshon são o Curaçao North Sea Jazz Festival (desde 2010) e o Curaçao International Film Festival Rotterdam (desde 2012).

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Joanna Connor

Joanna Connor

"O blues que me encontrou"

Seu álbum favorito na infância era do Taj Mahal, e ela viu Buddy Guy se apresentar com apenas 10 anos de idade. Então, pode-se dizer que o blues a encontrou, e não o contrário, concorda a cantora e virtuosa guitarrista Joanna Connor . Tocando profissionalmente aos 17 anos, seu desejo de mergulhar no blues a fez se mudar para Chicago na década de 1980 e nunca mais olhar para trás. Ela dividiu o palco com grandes nomes como Buddy Guy, Junior Wells, B.B. King e Screamin' Jay Hawkins, entre muitos outros. Com sua própria banda, lançou diversos álbuns e fez muitas turnês antes de se apresentar regularmente no clube Kingston Mines e no House of Blues, em Chicago, enquanto criava seus filhos. Em 2023, lançou seu 15º e mais recente álbum, Best Of Me.

Joanna Connor (nascida em 31 de agosto de 1962) é uma cantora, compositora e guitarrista de blues norte-americana radicada em Chicago. Connor nasceu no Brooklyn, na cidade de Nova York, e foi criada em Worcester, Massachusetts. Depois de se mudar para Chicago em 1984, ela foi atraída pela cena do blues de Chicago, eventualmente dividindo o palco com James Cotton, Junior Wells, Buddy Guy e AC Reed.

Em 1987, Connor formou sua própria banda e gravou seu primeiro álbum para a Blind Pig Records em 1989. Em 2002, Connor deixou a Blind Pig Records e assinou um contrato de gravação com a MC Records (uma pequena gravadora independente). Em 2021, Connor lançou o álbum de blues nº 1 4801 South Indiana Avenue, pela Keeping the Blues Alive Records de Joe Bonamassa.

Durante a turnê de 2022, Connor se apresentou ao vivo no Kingston Mines, um clube de blues. Em 2023, Connor foi indicado ao Blues Music Award na categoria de instrumentista, como guitarrista.

A virtuosa guitarrista slide explica: A música blues geralmente não é vista como um organismo vivo, capaz de funcionar e crescer por conta própria, mas talvez ela deva ser pensada nesses termos. Em vez de ser apenas uma peça de museu exposta, acumulando poeira em uma prateleira, a música blues está ao nosso redor todos os dias e parece se transformar de uma forma para outra com uma facilidade inabalável. Isso pode ser constatado em diversos lugares diferentes, inclusive em uma longa viagem de carro de Chicago a Terre Haute, Indiana.

“O blues sempre fará parte da música popular"

Não sou uma grande fã de rap ou hip-hop, mas é o que meus filhos adoram. Eu estava em uma viagem à Universidade Estadual de Indiana com minha filha de 17 anos e ela tinha um disco do Gucci Mane – um artista de hip-hop de Atlanta. Eu estava ouvindo repetidamente por umas quatro horas, quando me dei conta: esse cara está fazendo blues do Delta… mas é rap. Aquilo me impactou muito. Pensei: 'Isso é tipo o novo blues'. É bem primitivo de certa forma, mas é tão envolvente e sombrio, e definitivamente tem o blues. Então, o blues está em tudo”, disse ela. “O velho ditado diz: 'O blues nunca morrerá', e eu acredito nisso. Ele está crescendo e mudando, mesmo que alguns puristas do blues fiquem bravos. Há toda uma nova geração tocando e uma nova interpretação do blues acontecendo hoje em dia.”

Connor sempre foi uma das artistas que não se contentavam em simplesmente relaxar e tocar sempre a mesma coisa. Ela é uma bluesman, com certeza, mas toca blues do jeito que sente, não do jeito que algum livro antigo diz que deveria. Essa é uma das razões pelas quais ela se tornou uma das guitarristas imperdíveis das últimas duas décadas.

História e Estilo: Após mudar-se para Chicago em 1984, Connor rapidamente se integrou ao cenário local de blues, apresentando-se em casas históricas como o Kingston Mines. Ela formou sua própria banda em 1988 e, desde então, dividiu o palco com lendas como Buddy Guy, B.B. King e Jimmy Page. Sua sonoridade une, de forma harmoniosa, o blues tradicional de Chicago a elementos de jazz, funk e hard rock. 

Lançamentos Recentes: Os projetos mais recentes de Connor — compostos inteiramente por material autoral e marcando sua estreia em novas gravadoras — foram lançados pela Gulf Coast Records. Antes disso, ela alcançou grande sucesso de crítica e público com o álbum *4801 South Indiana Avenue* (2021), produzido por Joe Bonamassa. Você pode conferir sua discografia oficial e as datas de turnê diretamente no site oficial de Joanna Connor.

A banda

A Joanna Connor Band é liderada pela guitarrista. Conhecida por sua técnica avassaladora de 'slide guitar' e por suas raízes profundas na cena do blues de Chicago, ela atualmente faz turnês e grava com uma banda de apoio conhecida como The Wrecking Crew.

A formação atual da banda em turnê e gravação conta com um grupo de músicos de primeira linha:

Joanna Connor – Guitar & Vocals
Shaun "Gotti" Calloway – Bass
Jason “J Roc” Edwards – Drums & Vocals
Dan Souvigny – Guitar & Keys
Curtis Moore Jr. – Keys

Girls With Guitar

Girls With Guitars

' Samantha Fish / Cassie Taylor / Dani Wilde '

O título do álbum praticamente diz tudo: Girls With Guitars é a estreia em estúdio da turnê Blues Caravan, apresentada pela gravadora alemã Ruf Records em toda a Europa em 2011. Como nas edições anteriores, a turnê obteve um sucesso estrondoso em todos os lugares por onde passou. Desta vez, as estrelas são Samantha Fish (guitarra rítmica e vocal), a multi-instrumentista Cassie Taylor (baixo e vocal) e Dani Wilde (guitarra solo e vocal). 

O trio conta com o apoio de Jamie Little na bateria e a participação especial de Mike Zito na guitarra em algumas faixas. Este é um trabalho excelente, com um resultado final altamente satisfatório. Doze canções interpretadas com uma força, intensidade e energia transbordantes, uma energia que te contagiará canção após canção, graças ao gosto refinado, apaixonado e poderoso que elas imprimem em cada música, seja no blues mais puro ou o blues-rock. Um ótimo álbum, repleto de magia e sensualidade.

O trio, Samantha Fish, Cassie Taylor e Dani Wilde começam com "Bitch", dos Rolling Stones, e terminam com "Jet Airliner", da Steve Miller Band, cada uma cantando um verso. O restante do álbum é dedicado a composições originais escritas por uma ou outra das artistas em diversos estilos de blues, e a instrumentação também varia, embora Taylor (filha de Otis Taylor, com quem tocou bastante), como baixista, apareça em quase todas as faixas.

A exceção é também a única faixa solo, a canção folk-blues de Wilde, "Reason to Stay", na qual ela toca Guitarra Dobro. Wilde também assume grande parte dos solos de guitarra, com Fish cantando em suas próprias canções "Come on Home" e "Wait a Minute", bem como em "Move On", de Taylor. Essa alternância cria um bom equilíbrio, e não é surpresa que esse trio tenha feito turnês juntos pela Europa. O álbum ajudou a torná-las mais conhecidas, mas elas não puderam continuar juntas.

FAIXAS:

1. Bitch 

(Mick Jagger / Keith Richards)

2. Satisfy My Soul 

(Cassie Taylor)

3. Mr. Loving Man

(Dani Wilde)

4. We Ain't Gonna Get Out Alive

(Samantha Fish)

5. Reason to Stay

(Dani Wilde)

6. Get Back

(Samantha Fish / Cassie Taylor / Dani Wilde)

7. Come on Home

(Samantha Fish)

8. Leaving Chicago

(Cassie Taylor)

9. Wait a Minute

(Samantha Fish)

10. Move On

(Cassie Taylor)

11. Are You Ready

(Dani Wilde)

12. Jet Airliner

(Paul Pena)

Artistas: Samantha Fish / Cassie Taylor / Dani Wilde

Álbum: Girls With Guitars

Gravadora: Ruf / Karonte

Ano de Lançamento: 2011

Albert Castiglia

Albert Castiglia

' Na esquina do Blues e o Country '

Albert é um Nova Yorquino, filho de mãe Cubana e pai Italiano. Mudou-se com a família para Miami, Flórida, quando tinha cinco anos e começou a aprender guitarra sete anos depois. Descoberto como vocalista pelo bluseiro Junior Wells em 1996, ele se juntou à sua banda de turnê e trabalhou como guitarrista principal de Wells até a morte deste em 1998. Morando em Chicago, Illinois, Castiglia encontrou trabalho com Sandra Hall e fez turnês com ela mesma até o final do século. Em 2002, Castiglia juntou-se a David Shelley no Alligator Alley Allstars, um "supergrupo de blues e raízes" no Alligator Alley, um restaurante e casa de shows "nativos da Flórida" (nomeado em homenagem à pantanosa rodovia).

Castiglia trabalhou com vários artistas, incluindo Junior Wells, Sandra Hall, Aron Burton, Pinetop Perkins, Melvin Taylor, Sugar Blue, Phil Guy, Ronnie Earl, Billy Boy Arnold, Ronnie Baker Brooks, John Primer, Lurrie Bell, Jerry Portnoy, Larry McCray, Eddy Clearwater e Otis Clay.

Albert Castiglia combina blues hardcore com influências de soul, rock e country para um som que agradará tanto aos roqueiros quanto aos puristas do blues. Seu estilo vocal foi comparado ao de Van Morrison.

O álbum 'Righteous Souls' é repleto de participações especiais, trazendo uma variedade rica de covers dos clássicos do blues. Muitas vezes, esses álbuns são concebidos como uma jogada de marketing para atrair o interesse dos fãs de outros artistas, mas felizmente, esse não é o caso desse disco. Righteous Souls, conta com a participação de vários de seus camaradas do blues. Esta não é uma coletânea qualquer, feita sem muita inspiração.

Para começar, as onze faixas incluem quatro composições originais, garantindo a autêntica marca de Castiglia. Além disso, os covers são (em sua maioria) menos conhecidos, o que os torna ainda agradáveis ​​aos ouvidos. E, juntos, eles oferecem uma saborosa gama de blues com diferentes nuances.

Começando pelas composições originais, "Centerline" abre o álbum de forma crua e impactante, com o baixo potente de Jerry Jemmott acompanhando a bateria marcante de Derrick "D'Mar" Martin. A voz insistente de Castiglia é complementada pelo acompanhamento descontraído de Lisa Andersen, e a participação especial de Popa Chubby adiciona ainda mais combustível à chama da guitarra de Albert. E desde o início, parabéns ao produtor/engenheiro Kid Andersen pelo som encorpado.

Adotando uma abordagem diferente, "Mama, I Love You" é um dueto com Kevin Burt que lança um olhar atento sobre a situação da população afro-americana sofrida de violência policial atualmente. "Não faz sentido, não há razão", diz Castiglia, "Para as pessoas pretas, é sempre temporada de caça aberta". E ele sustenta sua raiva com dois solos de guitarra incendiários, o segundo ainda mais vibrante que o primeiro, que também servem para demonstrar que, quando se trata de solos épicos, ele não precisa de ajuda.

A penúltima faixa, "No Tears Left To Cry", é uma balada country com ecos de JJ Cale, com bateria simples complementada por um baixo pulsante como pano de fundo para uma letra melancólica. “Eu não confio na felicidade, nunca confiei e nunca confiarei”, canta Castiglia, enquanto Gary Hoey contribui com – imagino eu – frequentes doses de slide estridente.

Apenas a animada “Till They Take It All Away” fica um pouco aquém das melhores composições de AC, e mesmo assim, ela tem um toque de sarcasmo tanto musical quanto liricamente, enquanto ele reclama de pessoas comuns sendo enganadas. A faixa vem com uma boa dose de guitarra wah-wah, que eu acredito ser contribuição de Ally Venable, que tem uma queda pelo pedal.

Várias das versões cover pendem para o blues de Chicago, duas delas compostas pelo antigo padrinho musical de Castiglia, Junior Wells, e, naturalmente, com contribuições de gaita de Rick Estrin. 'Come On In This House' soa como uma versão mais lenta de 'Howlin' For My Darlin'', de Howlin' Wolf, com a gaita de Estrin crescendo e gemendo ao lado do vocal enfático, rosnado e vibrante de Castiglia. Jim Pugh adiciona um piano de bar melodioso, e Kid Anderson mostra seu sotaque country, trazendo um sabor diferente para a guitarra. A faixa de encerramento, 'What My Mama Told Me', tem uma pegada mais country de Chicago, com a gaita estridente de Estrin, os vocais roucos de Castiglia e a contribuição de Monster Mike Welch com solos de guitarra vibrantes, estridentes e afiados como agulhas.

'Get Down To The Nitty Gritty', escrita por Luther 'Snake' Johnson, ex-integrante da banda de Muddy Waters, é pura diversão – uma diversão para cantar cerveja e rebolar, com bateria no contratempo, baixo marcante e riffs de guitarra brilhantes e dispersos. É certamente uma novidade maior do que "You Can't Judge A Book By The Cover". Ainda assim, Rayne Castiglia faz um dueto agradável com seu pai aqui, seu sotaque suave contrastando com o timbre rouco dele, e também há alguns solos de guitarra marcantes, embora eu não esteja convencido de que o convidado Christone "Kingfish" Ingram realmente contribua muito para a música.

"You Were Wrong", do ZZ Hill, apresenta um trabalho de saxofone frenético de Jimmy Carpenter e um solo de órgão arrebatador de Pugh, sobre um baixo hiperativo e um ritmo frenético, mas seu final abrupto sugere uma leve falta de convicção. Não é o caso de "The Dollar Done Fell", de Buddy Guy, uma faixa funk sombria e melancólica com um baixo cavernoso e pulsante e vocais de apoio sensuais de Ms. Andersen, além de diálogos de guitarra entre Castiglia e Josh Smith que começam ágeis e depois se tornam urgentemente conversacionais, refletindo a crise do custo de vida.

Resta, então, o country-soul com toques hispânicos e uma clara influência de Jimmy Buffett em "All Our Past Times", onde Castiglia encontra uma excelente parceira vocal em Danielle Nicole, enquanto dramatizam um casal tentando – talvez – salvar um relacionamento à beira do fim. Pugh adiciona um órgão envolvente, e Joe Bonamassa aparece – claro que sim – para um segundo solo que é bom, mas não acrescenta muito à performance de Castiglia.

Righteous Souls tem momentos muito inspirados, e é um trabalho sólido e estimulante. Eu diria até que poderia tornar o conceito de "convidados especiais" respeitável.

@AlbertCastigliaBand

Freddie King

Freddie King

'A história de um gênio da guitarra'

Freddie King foi um músico, cantor e guitarrista fenomenal, autor de clássicos do blues como "Hide Away", "Have You Ever Loved a Woman" e "Going Down". Conhecido por tocar guitarras semi-acústicas da Gibson, e, em particular, a Gibson ES-345, sendo sua guitarra principal uma ES-345 de 1960 em vermelho-cereja. Foi considerado o 15º melhor guitarrista de todos os tempos pela revista norte-americana Rolling Stone.

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O início

Frederick Christian nasceu em 3 de setembro de 1934 na cidade de Gilmer, no Texas. Freddie começou a tocar guitarra aos seis anos de idade por incentivo dos próprios pais. Ele adorava e imitava a música de Lightnin' Hopkins e do saxofonista Louis Jordan. Ele foi um guitarrista que levou o blues para outro patamar de virtuosismo. Seu ataque com palheta no polegar e dedeira de metal, sua mão direita disciplinada e feroz, o vibrato que parecia tremer o ar, o timbre encorpado da Gibson e amplificadores fritando — tudo isso compôs uma assinatura sonora inconfundível.

Em 1950, Freddie se moveu com sua família para o sul de Chicago. Lá, aos 16 anos, costumava frequentar bares locais, e ouvia músicos como Muddy Waters, Howlin' Wolf, T-Bone Walker, Elmore James, Sonny Boy Williamson, Little Walter, Otis Rush e Magic Sam. King tocava com uma palheta plástica de polegar e uma palheta de metal para o indicador. Ele atribuiu a Eddie Taylor os ensinamentos sobre o uso das palhetas. A maneira de King usar a alça da guitarra no ombro direito, sendo destro, era única para sua época.

Esse início moldou nele a convicção de que o blues urbano não é apenas volume e distorção: é organização rítmica, economia de notas, enunciação. Com o tempo, Freddie passou a frequentar as sessões, a tocar onde houvesse espaço, afinando o fraseado até o ponto em que sua guitarra se tornou voz principal.

Freddie King se tornou um dos principais artistas do chamado "Chicago Blues" dos anos 50 e 60, que era o principal local na época do desenvolvimento do blues elétrico. Ficou imortalizado entre os três grandes "Kings" do Blues, junto de Albert King e BB King formavam a tríade dos Kings. Eric Clapton que excursionou com ele entre 1974 e 1975 chegou a declarar: "Freddie King foi quem me ensinou como fazer amor com uma guitarra".

As gravações

A década de 1950 foi um período experimental, trabalhou por pequenos selos e gravou singles que circulavam em jukeboxes e estações locais. A virada, no entanto, viria no início dos anos 1960, quando Freddie assinou com a gravadora Federal/King, ali, ao lado do pianista, arranjador e produtor Sonny Thompson, ele lapidou um estilo com excelentes faixas instrumentais, porém com seu vozeirão e um poderoso jeito de cantar rasgado, que muitas vezes precisava até se afastar do microfone.

Em 1961, dois discos sintetizaram essa explosão: “Freddy King Sings” e “Let’s Hide Away and Dance Away with Freddy King”. Um, vocal e visceral; outro, instrumental e dançante. Nesse combo, nasceram ou se consolidaram clássicos como “Hide Away”, “San-Ho-Zay”, “The Stumble”, “Sen-Sa-Shun”, além de vocais como “I’m Tore Down” e “Have You Ever Loved a Woman”. 

Foi nesse momento em que o blues de Freddie atravessou as fronteiras do gueto, chegando às paradas de R&B e, feito raro para um guitarrista de blues, invadindo outros públicos.

A canção “Hide Away” transformou um instrumental de blues em linguagem básica para inúmeras bandas. Seu riff principal, sua ponte estratégica, seu diálogo com frases de outros temas, tudo isso criou uma cartilha para guitarristas que desejavam dizer muito com pouco — e dizer com muito swing. Esses instrumentais criaram um novo vocabulário de blues.

Entre as contribuições de Freddie à história da guitarra, seus temas instrumentais talvez sejam os mais influentes. “The Stumble” é sinônimo de ataque com autoridade e curvas harmônicas que desafiam o improvisador a não se perder na música. “San-Ho-Zay” tráz a bateria nas costas, baixo na frente, guitarra conduzindo como um apito de trem, chamando vagão por vagão. “Sen-Sa-Shun” é a lição sobre como repetir sem ser repetitivo, como variar a acentuação e mudar de registro mantendo a pressão rítmica. Esses temas deram ao blues elétrico uma espécie de repertório comum, repetido e reinventado por incontáveis bandas de bar, por power trios psicodélicos, por grupos de soul e até por orquestras de baile.

Quando se diz que Freddie King foi um “rei” ao lado de B.B. King e Albert King, não é formalidade: é um reconhecimento de que cada um definiu um pilar do instrumento. B.B. com seu vibrato cantor e a retórica do bending alto; Albert com os bends de mão invertida e o timbre carregado; Freddie com a mão direita de aço, o balanço, a gana de levar o blues ao seu extremo. A guitarra nunca seria a mesma.

Freddie King merece o mesmo destaque da sua guitarra para com sua voz, de uma textura rouca que sustentava versos de amor, lamentos e muito humor com uma autenticidade rara. Em “I’m Tore Down” e “Have You Ever Loved a Woman”, Freddie sabe segurar a nota, deixar o silêncio trabalhar, e contrapor com as respostas da sua guitarra como um diálogo natural. Seu vocal era o centro emocional do arranjo, capaz de fazer crescer ou diminuir toda a dinâmica da banda.

Freddie King sabia o que queria em relação às guitarras. Preferia usar as Gibson's com um setup que valorizasse os sons médios e incorpados. O segredo, no entanto, não estava no catálogo; estava na técnica híbrida: polegar com palheta, indicador ancorado em dedeira de metal, ataques que permitiam acentos de bateria na mão direita. O resultado é aquele “estalado” que, ao vivo, fazia a guitarra parecer um instrumento de percussão melódica. Some-se a isso um vibrato rápido, nervoso e controlado, e se tem o DNA de uma escola inteira.

'Sua marca registrada: guitarra Gibson Semi-Acústica ES-345.'

A ponte com o rock britânico

Enquanto os estadunidenses descobriam seus heróis do blues, a Inglaterra, no início e meados dos anos 1960, prestava atenção dobrada. O blues britânico viu em Freddie um manual de possibilidades. John Mayall & the Bluesbreakers registraram “Hide Away”; Eric Clapton absorveu a trama rítmica de Freddie como quem aprende a cozinhar um prato básico que funciona sempre. Peter Green, Jeff Beck, Mick Taylor e tantos outros encontraram nessa música um caminho para o rock de alta voltagem. Do outro lado do Atlântico, bandas norte americanas viram no repertório de Freddie uma mina: “Going Down”, tema de Don Nix imortalizado por ele na fase dos anos 1970, tornaria-se ritual de passagem para power trios e guitarristas que queriam provar fogo em palco.

A influência se estendeu por décadas: Stevie Ray Vaughan fez da linguagem de Freddie um alicerce; ZZ Top carregou o groove texano com malícia roqueira; Joe Bonamassa trouxe para a arena a ferocidade do ataque; John Mayer aprendeu com o contraste entre sutileza e explosão. Cada um deles, a seu modo, reconhece em Freddie não apenas uma influência, mas um método.

No fim dos anos 1960 e início dos 1970, Freddie King viveu uma nova curva criativa. Contratado pela Shelter Records, gravou uma sequência de álbuns que atualizou seu som sem diluir sua identidade. O trio de álbuns “Getting Ready...” (1971), “Texas Cannonball” (1972) e “Woman Across the River” (1973) ampliou os arranjos, aproximou o blues do soul e do rock, e apresentou suas canções a uma nova geração de fãs e instrumentistas.

“Getting Ready...” trouxe a versão definitiva de “Going Down”, turbinada para grandes platéias. “Texas Cannonball” reafirmou o apelido que já era marca; é um disco que combina densidade instrumental com refrões que grudam. Em “Woman Across the River”, o songbook de Freddie encontrou cordas, teclados envolventes e um pulso moderno que não traiu o chão do blues. É uma fase em que ele parece caminhar sobre trilhos paralelos: um trilho aponta para a tradição, outro para a radiofonia. O trem, claro, chega inteiro ao destino.

Freddie King era alto de altura e na presença. Em palco, ele domava o volume como quem controla vento: deixava a banda inflar e, de repente, cortava as frequências com um lick que parecia uma sirene. Cantava com expressão facial intensa, movimentava a guitarra como bandeira, e não tinha medo de repetir um motivo até a plateia entender que ali, naquele compasso, estava a mensagem. Seus medleys de instrumentais ensinavam sobre narrativa sem palavras: não era apenas uma sequência de músicas, mas um trajeto com começo, meio, clímax e descanso.

O som de Freddie em ação no palco era diferente do disco: era mais bruto, percussivo e visceral. Isso ajuda a explicar por que tantas versões ao vivo de “Hide Away”, “The Stumble” e “Going Down” seguem disputadas por colecionadores. No palco, ele conseguia o equilíbrio raro entre virtude técnica e generosidade musical: solava muito, mas solava sempre em comunhão com a banda a favor da música.

Vida intensa e o fim precoce

Como tantos artistas do circuito, Freddie viveu uma rotina extenuante de estrada, noites curtas, viagens longas, muito etílicos e refeições improvisadas. Essa vida acelerada cobrou um preço alto. Em 28 de dezembro de 1976, com apenas 42 anos, ele morreu de complicações de saúde. A notícia caiu como tempestade de verão: rápida, pesada, difícil de aceitar. O blues perdia não somente um guitarrista genial, mas um corpo de obra em andamento. Há algo de injusto em pensar o quanto ainda poderia ter sido gravado, o quanto ainda faltava para as plateias do mundo verem de Freddie. Mas há também uma certeza: em 42 anos, ele construiu o suficiente para não passar despercebido.

Discografia de Freddie King

A discografia de Freddie é vasta em coletâneas, sessões e relançamentos. Para quem quer entender a espinha dorsal de sua arte, alguns álbuns formam um mapa de sua consistente carreira.

Freddy King Sings (1961) — A porta de entrada do cantor. “I’m Tore Down” e “Have You Ever Loved a Woman” estão aqui em versões que definem um padrão interpretativo.

Let’s Hide Away and Dance Away with Freddy King (1961) — O songbook instrumental que virou cartilha. “Hide Away”, “San-Ho-Zay”, “The Stumble”, “Sen-Sa-Shun”: cada faixa é um estudo de acentuação.

My Feeling for the Blues (1970) — Elegante, moderno, com arranjos de R&B sofisticado, mostra o cantor em grande forma, preparando o terreno para a fase seguinte.

Getting Ready... (1971) — A arrancada dos anos 1970. A versão de “Going Down” é definitiva e virou ritual de palco para guitarristas do mundo inteiro.

Texas Cannonball (1972) — Título que é selo de origem. Blues, soul e rock numa mesma rotação, evidenciando sua habilidade de conversar com o rádio sem abandonar a raiz.

Woman Across the River (1973) — Produção caprichada, texturas de teclado e uma sequência de canções que provam a capacidade de renovação do repertório.

Burglar (1974) — Expansão de paleta: grooves funkeados, sopros, uma postura à vontade em arranjos mais arejados e urbanos.

Larger Than Life (1975) — Última etapa de estúdio em vida, com confiança de veterano e a guitarra ocupando espaços milimétricos entre backing vocals e teclados.

Para completar o percurso, vale garimpar os registros ao vivo dos anos 1970. É onde a mão direita de Freddie parece falar mais alto que qualquer microfone.

Gravações de artistas influenciados por Freddie King

Ao falar de influência, é preciso distinguir: há quem grave canções de Freddie e há quem adote sua linguagem. Em ambos os casos, a lista é longa e atravessa gerações com versões famosas.

John Mayall & the Bluesbreakers — “Hide Away” virou peça obrigatória do repertório britânico de blues-rock.

Eric Clapton — Releituras de “Hide Away”, “I’m Tore Down” e a apropriação de recursos de acentuação que vêm diretamente de Freddie.

Jeff Beck — “Going Down” tornou-se clímax de shows e gravações, preservando a arquitetura rítmica consagrada por Freddie.

Peter Green & Fleetwood Mac — Versões e citações de seus instrumentais nos palcos, com a economia expressiva que Green herdou do Texas Cannonball.

Stevie Ray Vaughan — Medleys e passagens de “Hide Away” e “The Stumble” aparecem em shows, como homenagens diretas.

ZZ Top — O andar de riffs e a mistura de boogie com blues texano trazem o perfume de Freddie.

The Ventures e bandas instrumentais — “San-Ho-Zay” e congêneres ingressaram no repertório de surf e rock instrumental.

Mick Taylor — O fraseado limpo e a colocação rítmica guardam parentesco com Freddie.

Gary Moore — A combinação de ataque forte com vibrato controlado revela o estudo atento do texano.

Joe Bonamassa — O punch e o cuidado com a dinâmica em arenas são herança clara.

John Mayer — Nos momentos de blues moderno, a alternância entre licks incisivos e espaços respiráveis ecoa Freddie.

A pegada única de Freddie King

Uma análise fria diria que é a mão direita, a palhetada híbrida, o vibrato veloz. Mas há também um fator de decisão musical. Freddie escolhe as notas com pragmatismo; ele não improvisa para mostrar escalas, e sim para resolver uma situação rítmica. Repare como seus temas frequentemente se constroem em motivos curtos que vão ganhando peso ao longo dos compassos. Repare também como ele abre a mão quando canta, deixando a guitarra falar nos espaços, em vez de atropelar as próprias frases. O resultado é música funcional e apaixonante, capaz de arrebatar dançarinos e colecionadores de detalhes harmônicos.

Ouvindo sua discografia com atenção, percebe-se que Freddie não foi só um guitarrista brilhante, mas um excelente tomador de decisões em estúdio. A parceria com Sonny Thompson no início dos anos 1960 soube colocar pianos e sopros sem atrapalhar a guitarra; nos anos 1970, produtores e arranjadores acrescentaram órgãos, cordas, percussões. Em todos os casos, a prioridade foi o pulso. Mesmo quando as texturas se adensam, a música de Freddie continua a respirar como banda — baixo e bateria ditam a conversa, e a guitarra responde.

Por trás da figura imponente e da guitarra reluzente, havia um homem próximo a colegas e fãs. Depoimentos de músicos que conviveram com ele destacam o humor, a generosidade e a disciplina. Freddie podia descontrair totalmente e, no minuto seguinte, pedir foco para afinar a banda. Sabia indicar entradas e saídas com um olhar, conduzia dinâmica de palco como um maestro. É possível que essa dimensão humana explique por que tantos artistas o citam não apenas como influência, mas como referência de profissionalismo. Sua obra é atravessada por temas definitivos e performances inesquecíveis

Um guitarrista de blues não chega ao topo da montanha sozinho. Precisa de um povo e de uma tradição que o sustentem. Quando “Hide Away” começa, o rosto abre um sorriso e a alma entra em posição dançante.

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