Booker T. & The MG's

Booker T. & The MG's

Al Jackson, Booker T. Jones, Donald "Duck" Dunn e Steve Cropper.

Como banda residente da Stax Records em Memphis, Tennessee, Booker T. & the MG’s podem ter sido o fator mais importante para o valor duradouro da música soul daquela gravadora, sem mencionar o soul sulista como um todo. Seus grooves precisos e impecáveis ​​podiam ser ouvidos em sucessos clássicos de Otis Redding, Wilson Pickett, Carla Thomas, Albert King e Sam & Dave, e só por isso já mereceriam sua subsequente entrada para o Hall da Fama do Rock and Roll. Mas além de suas formidáveis ​​habilidades como banda residente, em carreira solo eles foram um dos principais grupos instrumentais da era do rock, gravando clássicos como “Green Onions”, “Time Is Tight” e “Hang 'em High”.

Os pilares do som de Booker T.: eram Steve Cropper, cujos riffs incisivos e econômicos influenciaram muitos outros guitarristas, e o próprio Booker T. Jones, que fornecia grande parte do groove com suas linhas de órgão etéreas. Em 1960, Jones começou a trabalhar como músico de estúdio para a Stax, onde conheceu Cropper. Cropper havia tocado com os Mar-Keys, famosos pelo sucesso instrumental de 1961 "Last Night", que estabeleceu o protótipo para grande parte do som dos MG's (e, de fato, da soul music de Memphis) com sua combinação de órgão, saxofone e guitarra. Com a adição do baterista Al Jackson e do baixista Lewis Steinberg, eles se tornaram Booker T. & the MG's. Em poucos anos, Steinberg foi substituído permanentemente por Donald "Duck" Dunn, que, assim como Cropper, também havia tocado com os Mar-Keys.

Primeiro e maior sucesso da banda: “Green Onions” (um single que alcançou o terceiro lugar nas paradas em 1962), surgiu por acaso. Enquanto improvisavam no estúdio, esperando em vão por Billy Lee Riley para uma sessão de gravação, eles criaram um clássico instrumental de soul blues em tom menor, caracterizado pelo ritmo vibrante do órgão e pelos solos de guitarra intensos. Nos cinco anos seguintes, teriam dificuldade em repetir o sucesso comercial, embora a qualidade de seus discos permanecesse relativamente alta, e a dependência da Stax em tê-los como banda da casa garantisse uma renda decente.

Álbum "Abbey Road", The Beatles.

Abbey Road: No final dos anos 60, os MG's atingiram o auge com sucessos como "Hip Hug-Her", "Groovin'", "Soul-Limbo", "Hang 'em High" e "Time Is Tight", todos presentes no Top 40 entre 1967 e 1969. Como a presença de músicos pretos e brancos os tornava uma banda birracial, os MG's deram um exemplo, de certa forma subestimado, de como bandas integradas e autossuficientes podiam ter sucesso e de como músicos negros e brancos podiam tocar soul music com influências de funk.

Como acontece com a maioria das bandas de rock instrumental, seus singles continham seu melhor material, e a música da banda é hoje melhor apreciada por meio de coletâneas. Mas seus álbuns estavam longe de ser insignificantes e, ocasionalmente, se aventuravam em territórios ambiciosos (eles fizeram uma versão instrumental completa do álbum Abbey Road dos Beatles, que intitularam McLemore Avenue em homenagem à localização dos estúdios da Stax).

Embora já fossem estrelas consagradas no final da década, o grupo começou a ter dificuldades para trabalhar junto, não tanto por problemas de pessoal, mas por dificuldades logísticas. Cropper frequentemente participava de gravações em Los Angeles, e Jones estava frequentemente ausente de Memphis enquanto concluía seus estudos musicais na Universidade de Indiana. A banda decidiu se separar em 1971, mas estava trabalhando em um álbum de reunião em 1975, quando Al Jackson foi tragicamente assassinado a tiros em sua casa em Memphis por um ladrão. Os membros restantes permaneceram ativos como artistas de gravação e músicos de estúdio nos anos seguintes, com Cropper e Dunn se juntando aos Blues Brothers por um período no final dos anos 70.

Uma das primeiras bandas inter-racial.

O Potato Hole: o MG's voltaram aos holofotes no início de 1992, quando foram a banda da casa de um extravagante tributo a Bob Dylan no Madison Square Garden. Mais importante ainda, em 1993, eles serviram como banda de apoio em uma turnê de Neil Young, que rendeu a ambos (e a Young) ótimas avaliações da crítica. No ano seguinte, lançaram um álbum de retorno, com arranjos no estilo de seus trabalhos clássicos dos anos 60, que provou que suas habilidades instrumentais ainda estavam intactas. 

Como a maioria desses trabalhos, porém, acabou não conseguindo recriar a faísca e a espontaneidade que claramente almejavam. Jones continuou com sua própria produção musical nas décadas seguintes, frequentemente contribuindo com suas habilidades instrumentais para outros artistas e ocasionalmente lançando seus próprios álbuns, como o trabalho solo de 2009, Potato Hole. O baixista Dunn, que participou intermitentemente de festivais e turnês após a virada do milênio, estava em turnê com Cropper e Eddie Floyd no Japão em maio de 2012, quando faleceu enquanto dormia em um hotel de Tóquio.

Eddie Hazel

Eddie Hazel

"Embora tenha havido guitarristas tecnicamente mais virtuosos nas fileiras do exército de guitarristas do P-Funk, Eddie Hazel é considerado pela maioria o maior guitarrista a ter feito parte do Funk Mob. Por quê? Por causa de sua habilidade única de reinventar uma música funk, sempre tocando padrões belamente emotivos e inesperados que desafiavam qualquer noção de normalidade"

(G. Clinton)

História

Edward Earl Hazel, nascido em 10 de abril de 1950 no Brooklyn, ele cresceu em Plainfield, Nova Jersey, onde cantava na igreja antes de se juntar à banda local de R&B, The Boyce Brothers. Ele aprendeu a tocar sozinho depois que seu irmão lhe deu um violão de presente de Natal, quando sua família ainda morava no Brooklyn.

Sua mãe, Grace Cook, mudou-se com a família para Plainfield (embora continuasse a trabalhar no Brooklyn) porque sentia que o Brooklyn estava se tornando um lugar inseguro para criar seus filhos. Ironicamente, Plainfield também abrigava um emaranhado de conjuntos habitacionais infestados de drogas, dos quais poucos moradores (incluindo Eddie) conseguiram escapar.

Foi em Plainfield que Eddie forjou sua amizade para a vida toda com Billy 'Bass' Nelson, o baixista original do Funkadelic. Nelson diz: “Eddie e eu tínhamos uma sonoridade parecida desde o início. Ele me ensinou tudo o que sei sobre música; tínhamos uma conexão tão forte que transcende as palavras. Não consigo descrever a dor que sinto por ele não estar mais aqui. Toquei com alguns verdadeiros gênios da guitarra ao longo dos anos, mas ninguém se comparava ao Eddie”.

Billy incentivou Eddie a se juntar ao Funkadelic em 1969, eventualmente convencendo o líder do grupo, George Clinton, a persuadir a mãe de Eddie a permitir que ele entrasse para a banda e saísse em turnê. O álbum de estreia autointitulado do Funkadelic foi lançado pela Westbound Records no início de 1970 e contou com a participação de Eddie em músicas como "I'll Bet Ya" e "Qualify & Satisfy". A fusão única de blues, acid rock e funk de Eddie está presente em todo o álbum.

Eddie também tem participação marcante no álbum de 1971 do Funkadelic, Free Your Mind and Your Ass Will Follow . A faixa-título apresenta Eddie em uma forma incrível, que se mantém ao longo de todo o álbum. No entanto, foi o álbum Maggot Brain, também de 1971 , que se provou a obra-prima de Eddie.

Eles tocaram “Maggot Brain” no funeral de Eddie Hazel na véspera de Ano Novo de 1992 em Plainfield, Nova Jersey. Foi uma despedida à altura de um verdadeiro herói da guitarra. Mais do que qualquer outra música do repertório do P-Funk, o comovente hino em tom menor estará para sempre associado a Eddie Hazel.

A música foi criada quando George Clinton pediu a Eddie que pensasse na coisa mais triste que conseguisse imaginar (a morte de sua mãe) e a tocasse em sua guitarra. O resultado foi um solo de guitarra de 10 minutos gravado em uma única tomada, que, na minha opinião, é a melhor peça de guitarra elétrica já gravada. Eddie leva o ouvinte por todas as emoções conhecidas, do medo à luxúria, do prazer à dor, da serenidade à raiva, do amor ao ódio, transformando-as em uma das performances mais comoventes e dilacerantes já gravadas.

A influência de Eddie no Funkadelic começou a diminuir a partir desse ponto devido a problemas excessivos com drogas e álcool e disputas financeiras com Clinton. Ele foi enviado para a prisão de Lampoc após uma agressão com os dentes em um avião, onde supostamente mordeu uma aeromoça enquanto estava sob efeito de Angel Dust. No entanto, ele retornou com força total para o álbum de 1974, Standing on the Verge of Getting it On . Ele coescreveu todas as músicas do álbum (os créditos de composição são dados à sua mãe, Grace Cook) e está em ótima forma na guitarra.

Eddie deixou o P-Funk em 1974 para trabalhar como guitarrista/compositor na Motown, notavelmente tocando nos álbuns dos Temptations ( A Song For You , 1975, e Wings of Love , 1976) e atuando como diretor musical de Bonnie Pointer e Chairmen Of The Board antes de retornar ao P-Funk no início dos anos 80. No entanto, ele lançou um álbum solo, Game, Dames & Guitar Thangs , em 1978 pela Atlantic Records, que contou com a participação de todo o P-Funk Mob. O álbum permanece fora de catálogo e é um item de colecionador muito procurado.

Sem dinheiro e sem teto no último ano de sua vida, Eddie voltou a morar na casa de sua mãe em Plainfield. Ele sofria de problemas estomacais crônicos há anos e, por fim, sucumbiu a uma hemorragia interna e insuficiência hepática em 23 de dezembro de 1992.

Ironicamente, ele havia começado recentemente a planejar vários projetos, incluindo uma apresentação em power trio com os ex-membros do Band of Gypsys, Billy Cox e Buddy Miles, bem como uma reunião da formação original do Funkadelic.

Com seu virtuosismo desafiando a opressão e as convenções, Eddie Hazel estabeleceu um padrão a ser seguido por todos, não apenas pelos guitarristas negros.

Capa do álbum solo de 1977.

Reflexões sobre Eddie.

Frequentemente comparado ao grande Jimi Hendrix, Eddie nunca alcançou o mesmo nível de fama e admiração pública que Jimi, sofrendo por vezes o mesmo estigma que outros grandes guitarristas negros, como Ernie Isley, sendo rotulado como um mero imitador de Hendrix. Como ele disse à revista Guitar Player: “Eu ouvia muito Jimi. Era impressionante como nossos estilos eram parecidos, mas era isso que eu sentia. Eu queria fazer da guitarra uma extensão do meu canto. Meu estilo é realmente como o de um vocalista solo tocando guitarra.”

Apesar do ambiente em que cresceu, acredito que, como muitas pessoas verdadeiramente talentosas, a personalidade de Eddie continha um elemento de autodestruição. Essa história se aplica a muitos artistas brilhantes, como o próprio Jimi Hendrix, Stevie Ray Vaughan, Jim Morrison e tantos outros. É quase como uma negação de seus próprios talentos.

Da mesma forma, a marca do verdadeiro gênio estava impressa na forma de tocar de Eddie por sua inconsistência. Como todos os grandes mestres, o nível de ambição e inventividade em sua maneira de tocar produzia resultados variados. Tocar com esse nível de intensidade gerava momentos de puro gênio inatingível, ao mesmo tempo que alguns perfeccionistas da música às vezes se incomodam com as notas desafinadas de todos os grandes como Jimi Hendrix e Eddie. Talvez o que essas pessoas não percebam é que tocar no limite é o que diferencia esses artistas. Inovação envolve correr riscos. Competência técnica tem pouco a ver com emoção e paixão ao tocar um instrumento. Eddie tocava e cantava com tanta emoção que muitas vezes era ridicularizado por outros membros da banda por chorar durante as gravações em estúdio.

Funkadelic

Funkadelic

' A magia do funkeado '

Funkadelic, pelos álbuns:

A história da banda começa com a banda Parliament, que surgiu como o grupo de doo-wop The Parliaments, na cidade natal do líder da banda, George Clinton, Plainfield, Nova Jersey. "Eu adorava música doo-wop", Clinton disse em entrevista, "porque é tudo sobre implorar por sexo". Depois de emplacar um sucesso com "(I Wanna) Testify" em 1967, problemas contratuais fizeram com que o grupo fosse colocado em hiato enquanto Clinton contratava sua banda de apoio para a gravadora Westbound Records, com o nome Funkadelic.

Como o nome sugeria, essa nova encarnação fundiu funk com rock psicodélico, levando o som selvagem da guitarra de Jimi Hendrix e o groove ácido das produções da Motown de Norman Whitfield para uma direção muito mais excêntrica. Seu álbum de estreia homônimo de 1970 encontra esse som em estado embrionário, um disco obscuro e alucinante que combina a filosofia insana, cósmica e carnal de Clinton com jams pesadas de funk, generosamente banhadas em eco e efeitos – um som tão selvagem quanto seu show ao vivo, com Clinton e sua turma vestidos como hippies de Saturno. 

O resultado é propositalmente desorientador – e inicialmente impenetrável – embora as nuvens de fumaça de maconha se dissipem brevemente em "I Bet You", onde os vocais em cinco partes do Parliaments lembram os Temptations da era psicodélica, em uma faixa que leva o som da Motown do início da década a uma viagem lisérgica. Mais tarde, naquele mesmo ano, o Parliament, reativado, lançou seu álbum de estreia, Osmium, um trabalho glorioso que provou que Clinton e sua equipe possuíam talento para o pop, além de sua paixão por ruídos psicodélicos, uma sensibilidade que se refletiria em lançamentos posteriores do Funkadelic.

"Incomum, extravagante, atual e moderno... Um novo conceito", era como os anúncios de rádio da época descreviam o segundo álbum do Funkadelic, Free Your Mind & Your Ass Will Follow, que, segundo Clinton, foi gravado enquanto toda a banda estava sob o efeito de LSD. Certamente, isso explica em parte a faixa-título de formato livre, que contrapõe gritos de feedback a riffs de guitarra guturais e trechos de psicobaboseiras inspiradoras, por cerca de 10 minutos, provando ser ocasionalmente eletrizante, mas, no fim das contas, mais desconcertante do que funky. Melhor foi esta expansão de cinco minutos de pirotecnia na guitarra de Eddie Hazel, vocais de apoio orgásmicos e teclados incisivos do recém-chegado Bernie Worrell, cujo talento como compositor e arranjador possibilitaria os passos ambiciosos posteriores do grupo. A faixa atinge seu ápice no final, quando Hazel solta alguns gritos meditativos antes de aumentar o ritmo e travar um duelo com Worrell, enquanto a bateria de Tiki Fulwood assume o protagonismo. Aquele último minuto, mais ou menos – Fulwood martelando sua bateria no fundo de uma caverna de dub, enquanto o cantor/baixista Billy Nelson persegue escalas – ainda soa futurista, e se não inventou o drum'n'bass décadas antes do previsto, certamente antecipa o avant-funk que Miles Davis exploraria cinco anos depois.

O terceiro álbum do Funkadelic, Maggot Brain, de 1971, é hoje mais lembrado pela faixa de abertura, que dá título ao álbum: um solo de guitarra pungente e angustiante de dez minutos gravado depois que Clinton disse a Hazel para tocar como se sua mãe tivesse acabado de morrer. A jam que encerra o álbum, no entanto, é sua verdadeira obra-prima: 10 minutos de funk frenético e apocalíptico, guitarra estridente e órgão pulsante, com os ritmos inquietos e em constante mudança de Fulwood servindo de base para uma explosão de ruído e samples que remetem ao hip-hop. Clinton cola efeitos sonoros, trechos de noticiários, gritos, risadas, explosões, relógios cuco e flatulência para evocar a loucura da vida moderna e seu iminente fim. Sua visão do apocalipse é uma mistura de Robert Crumb com Lee Perry, extravagante, escatológica e movida por humor dark, com as únicas "letras" sendo murmúrios desconexos de "isso aí, irmão" e "mais poder para o povo", "mais buceta para o poder", "mais buceta para o povo" e "mais poder para a buceta", sugerindo que Clinton tinha uma visão cínica da cultura de protesto da época. Deveria ser uma bagunça inaudível, mas a guitarra sempre genial de Hazel e as batidas quebradas e brilhantemente pulverizantes de Fulwood garantem que Wars of Armageddon seja eletrizante até seu evento final de extinção em massa.

Se Maggot Brain marcou o auge do Funkadelic MK 1 – seu primeiro e brilhante álbum completo – seu quarto álbum, America Eats Its Young, de 1972, provou ser um projeto ainda maior: um álbum duplo que era, por vezes, ferozmente político, hilário de forma sombria e inesperadamente sincero. Acondicionado em uma capa dupla chamativa, a primeira do visionário artista da Funkadelic, Pedro Bell, e contendo notas de encarte escritas por membros da seita exilados da Cientologia, The Process Church of the Final Judgement, America Eats Its Young capturou um grupo em transição, saindo orgulhosamente da lama primordial saturada de wah-wah de seus álbuns anteriores, em direção a um som mais acessível, ponderado, mas não menos distorcido. 

"Aquele foi o álbum em que eu estava tentando descobrir se ainda me restavam neurônios", disse Clinton. "Eu estava sob a influência de psicodélicos há tanto tempo que pensei: 'Caramba, será que ainda consigo ser 'lógico'?" Para além de uma sensibilidade lírica recém-coerente, havia uma nova mutação musical por parte da orquestra Funkadelic, e a faixa de abertura deu rédea solta à sua ambição recém-descoberta: uma suíte quase progressiva que transita de um jazz-funk frenético e intenso (com uma fórmula de compasso que até Stephen Hawking teria dificuldade em decifrar) para um soul vibrante e atrevido, até um bluegrass-funk em tempo duplo, com uma graça sobrenatural, enquanto um coro comovente transmite sabedoria sobre aquela guitarra wah-wah maravilhosamente maníaca. Esta grandiosa abertura definiu o tom para a eclética jornada que se seguiria, tanto no álbum duplo que abrangia música ambiente exuberante com cordas, funk intimista e sonhador, soul sulista doce e gospel melancólico e arrebatador quanto no restante da discografia subsequente do Funkadelic.

Cosmic Slop é o primeiro álbum do Funkadelic a apresentar arte e notas de encarte de Pedro Bell, que assumiu a responsabilidade pelas capas de álbuns com dobra dupla e pelas notas de encarte da banda até o colapso do grupo após o lançamento de The Electric Spanking of War Babies em 1981. As notas de encarte de Bell para Cosmic Slop incluem pequenas ilustrações ao lado do nome de cada música, resumindo a canção em uma imagem. O álbum também marca o primeiro álbum do Funkadelic sem qualquer contribuição do guitarrista de longa data Eddie Hazel, que havia deixado a banda no ano anterior.

Standing On The Verge of Getting It On é um álbum de funk incrivelmente escorregadio e elástico, tão solto que mal se sustenta, marcou a chegada dos irmãos Collins, Bootsy e Catfish, ao grupo heterogêneo de George Clinton. Em 1970, a banda dos Collins, os Pacemakers, entrou para substituir o clássico grupo de apoio de James Brown após a saída deles devido a uma disputa salarial. Os Pacemakers foram então renomeados para JBs, ajudando o funk de James Brown evoluir na década de 1970, mas a dupla se ressentiu da disciplina notoriamente rígida de Brown e saiu na primavera seguinte, novamente por questões salariais, e também pela predileção de Booty pelo LSD. Clinton, que não tinha problema nenhum com LSD, recrutou os irmãos Collins, depois que seu próprio baixista e guitarrista, Billy Nelson e Eddie Hazel, deixaram o Funkadelic por causa contratos, e Loose Booty captura a dupla em forma inspirada, com a linha de baixo de Bootsy sendo um exercício de genialidade despretensiosa e a guitarra sonolenta e arranhada de Catfish sempre no ponto certo. Outros atrativos principais de Loose Booty incluem uma harpa funky no canal esquerdo, as improvisações barrocas de órgão de Worrell e os relatos de Clinton sobre suas várias desventuras como viciado, chegando a comentar em certo momento: "Por que você acha que chamam isso de droga, droga?"

Clinton reviveu o Parliament em 1974 como um conjunto funk mais voltado para o pop, embora com a maioria dos mesmos músicos de seu outro grupo, mantendo o Funkadelic como seu canal para o funk experimental e repleto de guitarras. No entanto, à medida que o Parliament começou a emplacar sucessos nas paradas e Clinton passou a liderar as duas bandas em lendárias turnês conjuntas (nas quais o gigante do P-Funk fez a "Conexão da Nave-Mãe" sob uma gigantesca estrutura de iluminação que lembrava um OVNI), o funk característico do Funkadelic ganhou um novo foco, reduzindo alguns dos excessos de guitarra e desenvolvendo um novo interesse pela pista de dança. O álbum Let's Take It To The Stage, de 1975 – um dos três notáveis ​​álbuns de P-Funk lançados naquele ano, juntamente com os sucessos Chocolate City e Mothership Connection, do Parliament – ​​foi o mais forte dos álbuns do Funkadelic nessa época. Sua segunda faixa, Better by the Pound, é um funk irresistível, impulsionado por uma linha de baixo incrivelmente elástica e precisa, obra de Billy Nelson, que retornou brevemente à banda quatro anos após sua saída. O ex-integrante Eddie Hazel também se reuniu com o Funkadelic para a faixa, juntando-se ao guitarrista Gary Shider e a um coro de vocais de apoio cheios de alma para entregar uma letra que oscila entre o ascetismo e o prazer corporal, optando, em última instância, pelo último ("O pregador continua prometendo satisfação / As mulheres continuam desistindo da gratificação"). O foco, no entanto, é sempre aquela linha de baixo, impulsionada por um chimbal rouco e um cowbell incrivelmente funky.

Do mesmo álbum, esta faixa lança um olhar crítico sobre os bacanais nos bastidores, revelando os problemas de "uma garota chamada Jan" que, apesar de suas muitas conexões com a banda, não terá permissão para entrar no camarim até fazer sexo oral no porteiro (daí o título). Embora a letra narre sua história com todo o bom gosto de uma história em quadrinhos underground do final dos anos 60, há pouca simpatia por Jan e um pouco de malícia em relação aos obstáculos que ela precisa superar para entrar na festa, a faixa triunfa graças ao riff pesado e excêntrico do Oriente Médio (que sugere heavy metal se tivesse nascido dos beduínos, ou Kashmir do Led Zeppelin repaginado para a era disco), ao grito espiralado da guitarra de Shider e Michael Hampton e aos vocais de apoio selvagens em scat ("Aroo! Aroo! A-chaka-chaka-chaka-chaka!"). Seu turbilhão de weirdfunk foi sampleado com grande efeito no dilacerante disco "Lyrics of Fury" do rapper Rakim.

Com o subtítulo "Say Som'n Nasty", este destaque de "Tales of Kidd Funkadelic" de 1976 – uma compilação de material inédito que marcou a saída da banda da Westbound Records e a assinatura com a Warner Bros. – fez exatamente isso, com Clinton e o "coro vocal Maggotusi" contando histórias picantes sobre "uns malucos de Los Angeles / Que vêm a Nova York para se divertir", e compartilhando um limerique obsceno sobre um homem do Peru que, tendo adormecido em sua canoa, "estava sonhando com Vênus / E tirou o pênis / E acordou com um punhado de gosma". O funk vertiginoso à la Frankenstein, ao qual o grupo compôs essas rimas obscenas, une um riff de sintetizador lânguido de Bernie Worrell a um groove preguiçoso e, em sua forma circular, parece que poderia continuar para sempre, com seus sete minutos nunca ameaçando se arrastar.

Hardcore Jollies é o nono álbum de estúdio da  banda, lançado em 29 de outubro de 1976 pela Warner Bros. Records, sendo o primeiro álbum da banda a ser lançado por uma grande gravadora. É dedicado "aos guitarristas do mundo". Originalmente, o lado A do álbum se chamava "Osmosis Phase 1" e o lado B, "Terribitus Phase 2". Hardcore Jollies foi lançado um mês após o último álbum do Funkadelic pela Westbound Records, Tales of Kidd Funkadelic, que foi gravado nas mesmas sessões. Esse disco foi o último álbum de estúdio do Parliament-Funkadelic a incluir três dos membros originais do The Parliaments: Fuzzy Haskins, Calvin Simon e Grady Thomas. Embora não creditado, Hardcore Jollies apresenta performances instrumentais do guitarrista Eddie Hazel.

Conforme a década de 1970 avançava, a besta de duas cabeças de Clinton engoliu cada vez mais talentos do funk, tanto de seus contemporâneos quanto de seus concorrentes. James Brown perdeu seus aclamados músicos de sopro, Fred Wesley e Maceo Parker, para o grupo Parliafunkadelicment em 1975 ("Enquanto James pregava uniformidade, pontualidade e disciplina, George não tinha nada disso", disse Parker. "Se algum cara curtisse Tarzan e quisesse se vestir no palco como Tarzan, ou como um árbitro de beisebol, ou um piloto, tudo bem para George. Eu estava acostumado com smokings, gravatas borboleta, sapatos de verniz... Uniformes. 

George dizia: "A vida é uma festa, então você não precisa se preocupar com a forma como as pessoas se vestem". Enquanto isso, o grupo Ohio Players viu o cantor/organista Walter "Junie" Morrison trocar de banda com Clinton no final da década, assumindo o papel de diretor musical e dividindo as funções de tecladista com Bernie Worrell. As habilidades de Junie brilham nesta faixa-título que alcançou o topo das paradas, do álbum de 1978 do Funkadelic – o único LP da banda a conquistar platina nos EUA. Há, sem dúvida, uma diferença mínima entre o som pop do Parliament e a produção mais experimental do Funkadelic a essa altura, e "One Nation" se provaria um hino contagiante o suficiente para unir tribos distintas e reconquistar pelo menos parte do espaço nas pistas de dança, que estava sob a hegemonia hedonista da disco music. Os sintetizadores ousados ​​e inventivos de Junie criam um groove vibrante, entregando um som futurista o bastante para sugerir que Clinton e seus companheiros sobreviveriam a uma segunda década de supremacia do funk sem problemas. Mas o Funkadelic logo enfrentaria dificuldades, e durante as décadas de 80 e 90, o som do Parliament-Funkadelic seria ouvido com mais frequência através de samples incorporados às batidas da geração hip-hop do que pelas próprias músicas do grupo.

Na faixa (Not Just) Knee Deep do álbum "Uncle Jam Wants You", o riff de sintetizador é inesquecível – posteriormente emprestado pelo De La Soul para a inefável "Me, Myself & I" – impulsiona esta épica faixa do final da carreira, um hino extático à luxúria, à dança e ao poder jubilante da música, enquanto o narrador relembra como a habilidade de uma garota em "fazer o freak" o enlouqueceu, observando cientificamente: "Algo na música / Me pegou". A faixa tem 15 minutos de duração, mas não há um segundo desperdiçado, com o guitarrista Michael Hampton e o ex-vocalista do Spinners, Philippe Wynne, revezando-se nos holofotes. O primeiro entrega solos de guitarra selvagens o suficiente para nos lembrar que estamos falando de Funkadelic e não do Parliament, enquanto o segundo adiciona um scat arrebatador à paleta sonora do Funkadelic. 

Os vocais de apoio de duas integrantes do grupo feminino Parlet, derivado do Parliament, e a inquietude da cuíca de Larry Fratangelo são outros deleites escondidos em seu ritmo animado e irresistível. A faixa foi o segundo single do Funkadelic a alcançar o topo das paradas de R&B dos EUA, e em 1979 a franquia inquieta de Clinton já havia se ramificado sob inúmeros nomes, sendo Bootsy's Rubber Band, Brides of Funkenstein e o já mencionado Parlet apenas três dos projetos derivados de maior sucesso dessa hidra hedonista. 

O Funkadelic já contou com quinze integrantes.

No lançamento do álbum seguinte do grupo, The Electric Spanking of War Babies, de 1981, Clinton estava em conflito com sua gravadora, que o forçou a reduzir um álbum duplo proposto para um único disco e censurar a arte fálica da capa criada por Pedro Bell, com seus companheiros de banda, vários dos quais já haviam saído por questões salariais, e outros foram responsáveis ​​por um álbum rebelde do Funkadelic, Connections & Disconnections, de 1980, lançado em nome da banda, mas sem a permissão ou envolvimento de Clinton, e contendo indiretas líricas pouco veladas ao seu antigo líder, e pelos graves problemas com drogas. Este seria o último álbum propriamente dito do grupo até o lançamento do álbum triplo d2014, First You Gotta Shake The Gat.

Beth Hart and Jeff Beck

Beth Hart

Beth Hart and Jeff Beck

I’d Rather Go Blind (Buddy Guy Tribute) 

Kennedy Center Honors - 2012 -

Se você já viu Beth Hart ao vivo ou se aprofundou em sua música, sabe que ela coloca cada grama do seu ser em suas canções. Além de todos esses superpoderes de empatia, ela também precisa de alguém para segurá-la quando cai. Incendiários inspiram; é o que atrai as pessoas. No entanto, parte da constituição dessas personalidades é que elas não usam cintos de segurança. Elas prosperam na liberdade e no espaço ao seu redor. Mas, com isso, vem o perigo; você precisa de um tapete de choque emocional, e eles salvam vidas. É algo que todos nós precisamos em algum momento da vida.

Beth diz sobre a faixa-título: “Esta é uma história real. Tive um momento em que não estava de bom humor, e estava no sofá, chorando muito, e o Scott disse: 'Ei, você precisa de um abraço?'. Eu disse: 'Não tenho mais nada dentro de mim para amar', e ele disse: 'Você ainda me tem'. Eu disse: 'Espere um minuto; já volto'. Desci as escadas e usei essas palavras e como ele as disse. Você diz algo assim, e alguém que você ama responde, mas você ainda me tem. É verdade. Se eu ainda o tenho, ainda tenho tudo.”

Você pode ver isso no vídeo de "You Still Got Me", que apresenta de forma comovente seu amado marido, Scott. Junto com a equipe ao seu redor, eles fornecem essa superfície para ela se apoiar quando precisa. Seus fãs a adoram, e o sentimento é replicado. Você pode ver isso noite após noite em turnê; a adulação que ela recebe e que também retribui, e é por isso que existe um vínculo como poucos outros artistas têm. Essa conexão foi forjada ao longo dos últimos 28 anos lançando músicas nas quais ela carrega seu coração sem remorso – como uma guerreira. Que é exatamente o que ela é.

Não tem problema não estar bem. Não tem problema lutar às vezes, e é preciso uma força enorme para se abrir e ajudar. Estender a mão para alguém segurá-la é força. Isso é algo que todos nós podemos aprender.

Beth diz sobre seu processo de composição: “Eu nunca escrevo pensando que vai virar um álbum ou que vai chegar às pessoas. Quando escrevo, é sempre pela alegria de escrever ou pelo desafio de escrever, para buscar o que está acontecendo. Às vezes, eu vou justamente quando estou triste ou com medo. Se eu dou uma olhada no piano, às vezes ele se revela. Às vezes uma música surge, às vezes não. De qualquer forma, há conforto nisso.”

Beth explica a mensagem contida nas músicas: “Deixo isso para o ouvinte decidir. Pessoalmente, eu sei para que serve agora. Uma das coisas bonitas que adoro em músicas e álbuns é que, com o tempo, esse significado muda. Gosto de manter isso em aberto porque posso aprender muito com isso. Muitas vezes, quando componho uma música, acho que sei o que ela significa para mim naquele momento. Mas um ano se passa, e ela significa algo totalmente diferente.”

Não é preciso procurar muito para encontrar momentos de luz do dia ao longo do álbum. Você pode vê-la na música "Little Heartbreak Girl", que atravessa as nuvens como lanças de esperança e poder. "Little Heartbreak Girl, you're on your own", ela anseia, mas prossegue com "Little heartbreak girl, stronger than stone". Ainda assim, é a letra "You're gonna conquer the world" (Você vai conquistar o mundo), espalhada por toda a música, que se destaca no topo da montanha, fincando uma bandeira na pedra.

O funk decadente e carregado de groove de "Suga N My Bowl" conta com os dedos de fogo e destreza do mago canhoto e amigo de longa data Eric Gales. Gales diz: "É realmente uma honra fazer parte de algo que tenha a ver com a nossa amiga Beth Hart. Ela entrou em contato conosco, nos contando sobre essa música poderosa que ela estava escrevendo e trabalhando, e ela sentiu que era perfeita para mim. É claro que, quando a ouvi, eu disse: COM CERTEZA!!! Beth, LaDonna e eu somos boas amigas há algum tempo. E nós a amamos. Estou muito honrada por ela ter pensado em mim para participar. É uma música muito poderosa!"

“O Eric Gales é foda, e eu fui muito abençoada”, diz Hart. “Eu não estava lá, pois a música foi enviada para outro estúdio. Ouvi isso da esposa dele, a linda, talentosa e foda, LaDonna. Ele chegou, eles tocaram os primeiros compassos da música, e ele disse, tudo bem, eu entendi, e fez uma tomada, e ele disse, terminei, te vejo mais tarde”, ela ri. “É assim que o Eric Gales é fenomenal. Eu o amo. Eu o adoro e o respeito loucamente.”

"You Still Got Me" é o décimo primeiro álbum de estúdio de Hart, e aqui e agora, ele a encontra trilhando uma trajetória de carreira que já vem caminhando para as estrelas há vários anos e continua decolando. Seus álbuns mais recentes, "A Tribute To Led Zeppelin" (2022) e "War In My Mind" (2019), tornaram-se seus lançamentos de maior sucesso nas paradas do Reino Unido e dos EUA até hoje, além de entrarem no Top 10 na Alemanha e França, Suécia, Bélgica, Suíça, Polônia, Áustria e Holanda.

O álbum explode com o rock eletrizante "Savior With A Razor", com Slash, do Guns n' Roses. Ela rosna a letra: "Desenterre meus ossos ruins do lixo, venda minha alma doente, fique com o dinheiro, beije o pregador, beije minha bunda, eu sou uma fúria, como um salvador, com uma navalha, estou derrubando o diabo." O hino épico, ao estilo de James Bond, troveja com um desafio niilista enquanto os vocais de Beth conduzem o ouvinte através das sombras e atravessam o teto enquanto a guitarra de Slash envolve a história de forma eletrizante.

Falando sobre trabalhar com Beth, Slash diz: “Beth Hart é uma das minhas artistas favoritas para trabalhar. Ela é uma cantora/letrista incrível em muitos aspectos. Mas Beth também é uma amiga sincera e genuína. Ela é incrível.”

“O Slash é um verdadeiro jogador de equipe”, Beth elogia. “Conheci pessoas incríveis neste ramo, que são figurões, e esse cara é o melhor jogador de equipe que já conheci. Ele é simplesmente um cara durão, sem ego nenhum, e entende muito de assuntos delicados. Eu tive muita sorte. Entrei em contato e perguntei: 'Ei, cara, você tem algum interesse?', e ele topou. Ele estava totalmente envolvido, e eu fiquei chocada.”

A bela balada de piano 'Wonderful World' transborda otimismo. "Essa música foi escrita para e sobre minha linda sobrinha", diz ela. "No entanto, com o passar do tempo, percebo que, na verdade, foi escrita para a linhagem das mulheres da minha família. Em toda a linhagem: minha bisavó, minha avó, minha mãe, minhas irmãs, minha sobrinha e sua filha. Então, é a linhagem e como é imperativo para mim ver isso, e que presente finalmente ver isso."

Ela oferece um conto de advertência em "Never Underestimate a Gal", enquanto "Drunk on Valentine", ao estilo de Tom's Waits, é uma balada de bar suave, jazzística e esfumaçada. Sua "música mais pessoal e poderosa do álbum" é a assombrosa obra sociopolítica "Don't Call The Police", uma observação incrivelmente crua, perturbadora, mas essencial, sobre o assassinato de George Floyd – "Fiquei com o coração partido. Como você pode assistir a isso e não ficar com o coração partido por ele, sua família e todos os outros em campo?", explica ela.

Movendo corações e almas em todo o mundo, suas turnês a levaram por todo o mundo, lotando salas em locais icônicos como o Ryman Auditorium de Nashville, o Ziggo Dome de Amsterdã e o Royal Albert Hall de Londres. Com shows esgotados no mundo todo, suas viagens recentes a levaram pelos EUA, Europa e Índia, Marrocos, Austrália e Canadá.

"You Still Got Me" foi gravado em 2023 e produzido por Kevin Shirley no Ocean Way Studios em Nashville, Tennessee – instalado em uma igreja centenária de pedra cinza, em estilo gótico revival, no coração da Music Row. A relação de trabalho de Beth com Kevin Shirley remonta aos seus três álbuns em colaboração com Joe Bonamassa (Don't Explain, Seesaw e Black Coffee) e ao seu álbum de estúdio de 2012, Bang Bang, Boom Boom.

Shirley a chama de "Diamante. Uma contradição viva". Ele continua: "Ela é áspera e dura no fundo – brilhante, sofisticada e polida na apresentação. Beth é uma das musicistas mais formidáveis ​​com quem já trabalhei. Imensamente talentosa e talentosa. Acho que este álbum mostra todas as facetas da joia gigante que é Beth Hart. Faixas afiadas como a lâmina de uma espada de samurai, baladas suaves e sensuais e mensagens emocionais tocantes tornaram a gravação deste álbum uma das mais especiais que já fiz. Você tem que amá-la. Não há ninguém como ela, e ela é a melhor."

“Sou sempre muito controladora e protetora com as músicas”, diz Beth. “Uma das coisas que o Kevin me disse foi: ‘Você precisa ter certeza de que isso vai ser muito divertido. Divirta-se. Deixe rolar. Não seja tão protetora com essas músicas, como uma mãe urso.’ Eu realmente tive que refletir sobre isso, mas deixei rolar e, graças a Deus, consegui. O Kevin é foda. Ele também tinha uma banda ótima. Fenomenal.”

Existe uma conexão eletrizante entre Beth e seus fãs, quase incomparável. Sua capacidade de tocar as pessoas com sua música e palavras que tocam direto no coração significa que ela vive cada palavra que canta, e os fãs se apegam a cada palavra, vivendo-a com ela. "You Still Got Me" oferece aos fãs a chance de abraçá-la e confortá-la enquanto ela continua a navegar em sua jornada com graça e coragem.

Todos nós temos o nosso "Eu" quando ela canta "You still got me" – um ente querido, um amigo, um animal de estimação, um lugar, uma memória, uma música... mesmo em seus momentos de fragilidade, Beth Hart continua a inspirar. Ela enterra a mão fundo e expõe suas emoções para que todos possamos nos ver como um espelho, lembrando-nos de que você pode se sentir mal, mas sua força interior é muito mais poderosa.

Hart, multipremiada e indicada ao Grammy, é reconhecida como uma das vozes mais talentosas de sua geração; ela tocou de acordo com suas próprias regras. Ela colaborou com lendas e ícones, viajou o mundo, liderou as paradas de blues da Billboard seis vezes, conquistou disco de platina duplo e teve uma série de álbuns no Top 10 das paradas em toda a Europa, no Top 30 das paradas oficiais da Billboard nos EUA, ultrapassando 600 milhões de streamings, número que continua crescendo.

Beth Hart é uma potência em todos os sentidos da palavra, e... ela é uma BADASS gigantesca!

https://www.bethhart.com/

BiOgRaFiA: ETTA JAMES

 Etta James

"matriarca do rhythm & blues"

Jamesetta Hawkins, cantora e compositora nascida em 25 de janeiro de 1938, em Los Angeles (CA), poderia ter nascido em estados do sul dos estados unidos, banhados pelas águas do Golfo do México, em Memphis, Tenesse; no South Side de Chicago, ou no Harlem, em Nova York; até mesmo em Detroit, a "Motor Town", incubadora do Funk e do Soul. Mas nasceu na dourada Califórnia, no centro da indústria do cinema. Conheceu a vida no gueto negro de Watts, que seria palco dos históricos protestos raciais de 1965. Nascida de mãe solteira e adolescente (Dorothy Hawkins, 14 anos) e pai desconhecido, a menina foi criada por uma série de pais adotivos, principalmente por Sarge e Mama Lu. Já aos cinco anos, Jamesetta era a atração no coro da igreja batista de St. Paul. Sarge a acordava no meio da madrugada e a obrigava, à força de palmadas, a cantar para seus amigos.

Quando Jamesetta, aos quinze anos, voltou a morar com a mãe biológica no bairro de Filmore, em São Francisco. Empolgada pelo estilo vocal doo-wop e pelos girl groups da época, ela formou um trio chamado The Creolettes com as irmãs Mitchell, Jean e Abysinia. O músico Johnny Otis, encantado com a presença de palco de Jamesetta, contratou-a na hora, mudando o nome do grupo para The Peaces (apelido de infância) e mudou seu nome para Etta James. 

O grupo fechou contrato com a gravadora Modern Records e lançaram em fevereiro de 1955, tendo Etta como coautora, "Roll With Me, Henry", que chegou ao número um da parada de Rhythm & Blues.

Após um período de razoável sucesso e turnês com B.B. King e Little Richard, seu contrato com a Modern encerrou e Etta foi encontrada em Chicago, na rua da amargura, pelo cantor Harvey Fuqua, dos The Moonglows, que convenceu Leonard Chess a pagar as contas de hotel da cantora em troca de uma sessão para o selo Argo, da gravadora Chess Records. Isso rendeu a Ella uma carreira solo ao longo dos quatro anos seguintes. A parceria com Fuqua envolveu também um relacionamento amoroso.

Nesse período, Etta tinha toda estrutura e até uma orquestra a exemple de divas do Jazz como Ella Fitzgerald, Billie Holiday e Dinah Washington. O repertório de Etta, apesar dos toques jazzísticos, abrangia o rico universo da música negra naquele momento: Doo-wop, rhythm & blues, gospel, e até rock "n" roll fazendo os vocais de fundo em "Back In USA", de Chuck Berry.

Etta com a banda de Chuck Berry.

Adentrando aos anos sessenta, exatemente em 1961, Etta lançou aquela que se tornaria sua assinatura musical, "At Last", canção de Mack Gordon e Harry Warren para o filme musical de 1941, Serenata Azul (orquestra Wives), interpretada pela orquestra de Glenn Miller. Virou um clássico da música americana.

Nos anos 1960, com seu vozeirão cheio de suingue, Etta James influenciou muitas jovens cantoras como Diana Ross das The Supremes e a ícone do rock, Janis Joplin. A primeira vez que  fugiu de casa, Janis descobriu Etta cantando blues numa pista de dança em Tulsa, Oklahoma, à beira da Rota 66. Etta lembra-se de avistar uma moça branca no meio de uma platéia só de negros. A menina já era uma  apaixonada pela música negra americana.

Janis entrou nos bastidores do show e ficou o tempo todo observando a banda tocar. O estilo vocal de Etta James teve uma influência marcante em Janis, que já fazia uma transição do estilo Blues para o Soul quando acidentalmente faleceu.

Álbum Tell Mama, 1968.

Vários álbuns foram lançados nessa década: At Last! (1960), The Second Time Around (1961), Sings For Lovers (1962), Rocks The House (1963), The Queen of Soul (1965), Call My Name (1967) e Tell Mama de 1968. Alternando ainda com vários singles nas paradas de sucesso. Na chegada da década de setenta, Etta começa a gravar discos mais focados no Rock e também no Funk. Álbuns ao vivo são lançados como o disco "Etta Is Betta Than Evvah!", gravado no festival de Montreux de 1976. 

Em 1979 e 1981, participou das turnês da banda The Rolling Stones. A matriarca do rhythm & blues, ao longo de sua extensa carreira, gravou discos e mais discos sempre alternando os estilos. Etta James visitou o Brasil, notadamente em 1989, no primeiro Festival de Blues de Ribeirão Preto, e em 1994, com sua banda The Roots, no Free Jazz.

Em 2008, a Sonny Pictures lançou o longa Cadillac Records, em que aparecem com destaque artistas como Muddy Waters, Chuck Berry, Little Walter e Etta James, cujo papel foi interpretado por Beyoncé. O ponto focal do filme é a história da gravadora Chess Records e o Blues de Chicago.

Etta sofreu com os abusos de drogas e álcool durante bom períodos da sua carreira, frequentou alguns centros de reabilitação e sofreu as consequências ao final de sua vida. Em 2011 foi diagnosticada com leucemia terminal, e faleceu em 2012. Ela foi enterrada no park cemetery, lugar onde uma galáxia de outras celebridades e artistas estão.

Raros músicos frenquentaram tanto a parada de sucessos e foram tão homenageados como Etta James. Ganhou seis Grammys e 17 Blues Music Awards. Inscrita no Rock and Roll Hall of Fame, Blues Hall of Fame e Grammy Hall of Fame. Porém ela resumiu sua filosofia exixtencial numa frase de extrema simplicidade: "Sinto-me muito feliz de estar viva e poder caminhar com meus próprios pés".

Festival: James Brown

James Brown 

| Full Concert | 

| North Sea Jazz Festival |

| 2004 |

James Joseph Brown (3 de maio de 1933 – 25 de dezembro de 2006) foi um cantor, dançarino e músico americano. Fundador do funk e figura importante da música do século XX, ele é conhecido por vários apelidos, entre eles "O Homem Mais Trabalhador do Show Business", "Padrinho do Soul", "Sr. Dinamite" e "Irmão do Soul Nº 1".

James Brown (na época do show) Seria difícil encontrar alguém no North Sea Jazz Festival que não conhecesse James Brown. Até mesmo seu título honorário de Padrinho do Soul é de conhecimento geral. Nem todo mundo sabe, porém, que o homem teve 114 músicas na parada de singles de R&B da Billboard. 94 desses singles chegaram à Hot 100 e 17 conquistaram a primeira posição. Nada mal para um garoto negro e pobre. Em 1965, ele lançou seu primeiro sucesso pop com "Papa's Got a Brand New Bag" e, nos dez anos seguintes, emplacou sucesso após sucesso com "Sex Machine", tornando-se inegavelmente o maior. Mais alguns números. Durante as James Brown Revues, o cantor dançante perdeu três quilos por noite. Brown está na casa dos setenta agora, mas seus shows ainda são garantia de sucesso.

LINEUP: James Brown; Cynthia Moore, Damon Wood, Danny Ray, Erik Hargrove, Fred Thomas, George Nealy, Hollie Farris, Jeffrey Watkins, Keith Jenkins, Kelly Jarrell, Leroy Harper, Robert Thompson, Roosevelt Johnson, Sara Raya, Sheila Wheat, Tommi Rae Hynie, Willie Ray Brundidge, Yonna Wynne.

SETLIST: 

0:00 Danny Ray introduces the crew. Soul Generals: 1:31 Damn Right I Am Somebody 6:22 Ain't It Funky 7:40 Gimme Some More James Brown: 7:57 Danny Ray Introduction 10:32 Make It Funky 16:29 Get Up Offa That Thing 22:52 Soul Power/Soul Man 29:40 Blues In The Night 31:45 I Got The Feelin' 35:05 Try Me 37:38 Get on the Good Foot 43:08 Mother Popcorn 43:34 Blues In The Night (again) 48:01 The Payback 49:26 It's A Man's World 58:24 I Feel Good 1:02:47 Mother Popcorn (again) 1:03:06 Speech 1:04:42 Sex Machine.

Black, Funk e Soul

Toni Tornado

(Resistência Negra na Ditadura Militar)

Toni Tornado um dos maiores ícones da música e da televisão brasileira, o ator, cantor e compositor, nascido Antônio Viana Gomes – em Mirante de Paranapanema, região de Presidente Prudente, no interior de São Paulo – no dia 26 de maio de 1930, Tony Tornado tornou-se um dos principais nomes da black music e do funk no Brasil, consagrando-se tanto na área musical, como na atuação, além der ser um dos precursores do movimento negro no país.Tony é uma força da natureza. Não à toa, seu nome artístico é “Tornado”. Ele transformou para sempre cada local por onde passou. E não foram poucos.

Seu pai nasceu, na capital da Guiana – Georgetown – e veio para o Brasil ainda criança, mais especificamente para Macapá, onde – mesmo tendo nascido na primeira década do século 20 – foi escravizado em fazendas do interior e trabalhou como reprodutor, tendo mais de 100 filhos. No interior de São Paulo, conheceu a mãe de Tony. Com esse passado familiar tão recente, o garoto não poderia mesmo passar a existência sem muitas lutas. Desde muito cedo, Tony entendeu que a arte era seu destino e que a cidade onde nasceu – e onde trabalhou como baleiro no cinema – era pequena demais.

Ainda contribuiu com 13 anos de exército antes de voltar da guerra pelo Canal de Suez, em 1957.

Tony inicia sua carreira artística.

Participou do programa “Hoje é Dia de Rock”, na Rádio Mayrink Veiga, ainda utilizando o nome artístico de Tony Checker, uma homenagem a Chubby Checker, cantor, compositor e dançarino norte-americano, conhecido por popularizar o twist com sua gravação, feita na década de 1960, do sucesso de R&B composto por Hank Ballard, “The Twist”. Nessa época, a luta pelos direitos civis estava ganhando corpo e chegando ao seu auge nos Estados Unidos. O Brasil também começava a ter grupos muito engajados na luta antirracista e Tony Tornado seguiu, em 1963, com o “Conjunto Folclórico Coisas do Brasil” para a Europa e depois para os Estados Unidos.

Nessa época, a luta pelos direitos civis estava ganhando corpo e chegando ao seu auge nos Estados Unidos. O Brasil também começava a ter grupos muito engajados na luta antirracista e Tony Tornado seguiu, em 1963, com o “Conjunto Folclórico Coisas do Brasil” para a Europa e depois para os Estados Unidos. No coração do bairro do Harlem, Tony conheceu Stokely Carmichael – ativista negro do Movimento dos Direitos Civis nos Estados Unidos nas décadas de 1960 e 1970 – casado com a cantora Miriam Makeba – cantora, compositora, atriz, embaixadora da boa vontade da ONU e ativista pelos direitos humanos e contra o apartheid sul-africana.

Nos Estados Unidos, Tony também entrou em contato com os movimentos “Black is beautiful”, “Black Power’, “Black Panther” e foi impactado pelaMarcha sobre Washington (1963), pelo Verão da Liberdade e do Nobel da Paz para Martin Luther King (1964), e pela Marcha de Selma no Alabama e o assassinato de Malcolm X (1965).

Chegou no Brasil na fase mais dura da ditadura militar e passou a cantar em inferninhos da Praça Mauá, até que foi à boate New Holiday, para integrar o conjunto do músico Ed Lincoln, já introduzindo no Brasil toda a influência de James Brown, do funk e do soul. Nesta época ele conheceu Janis Joplin, apresentada pelo cantor Serguei, e dois nomes que o fariam entrar para a história da MPB: Antônio Adolfo e Tibério Gaspar, os compositores da canção “BR-3”, que – em 1970 – Tony Tornado (já com esse nome artístico) interpretou no 5º Festival Internacional da Canção, ao lado do Trio Ternura, formado pelos irmãos – também negros – Jussara, Jurema e Robson da Silva. Dançando e cantando versos como “a gente morre na BR-3”, foi impactante a vitória em primeiro lugar de Tony, um desconhecido do grande público até então, desbancando nomes como Caetano Veloso, Jair Rodrigues, Ivan Lins, Tom Jobim, Beth Carvalho e Gilberto Gil.

Mas, em tempos duros de repressão e ditadura militar, não demorou muito para que Tony Tornado fosse visto como “um suspeito em potencial”. A Comissão Estadual da Verdade do Rio (CEV-RJ) resgatou o seguinte trecho publicado, na época, pelo jornal O Globo: “Um revolucionário americano estaria no Brasil recrutando militantes para implementar no país um regime de segregação racial”.

Em 1971, Elis Regina fez um show no Maracanãzinho e levantou as arquibancadas interpretando “Black is Beautiful”, canção de Marcos e Paulo Sérgio Valle. Ao terminar a canção, a cantora pediu para alguém negro subir ao palco e Tony gritou na hora um “sou eu!”. Ele subiu e ergueu o punho cerrado como os Panteras Negras, grupo revolucionário da década de 1960, que lutava contra o racismo nos Estados Unidos. Já desceu do palco algemado, com 40 mil pessoas vaiando a polícia no estádio: “É uma história complicada. Foi um choque muito grande. As pessoas não estavam acostumadas. Eu cantava e falava coisas de negros, depois casei com uma loira. Foi um negócio muito sério. Deixavam recados ofensivos no meu carro.”, relembra o artista.

O furacão Tony Tornado

Em 2015, aos 85 anos, Tony subiu ao Palco Sunset do Rock in Rio para cantar ao lado de Rappin Hood e de Nasi (do Ira!) e encarnar outra vez o “rei do soul”. Foi ovacionado ao entrar de óculos escuros e paletó amarelo e cantar “BR-3”, o grande hit da carreira de sua carreira de cantor.

Canal Negritude em Letras - https://www.youtube.com/watch?v=LFtdQyxp-eo&t=10s

Black, Funk e Soul

Baile Black Rio

"A revolução urbana"

"O movimento Black Rio nos Anos 70: bailes lotaram a cidade e foram alvo da ditadura"

História do movimento começa com a descoberta pela mídia e marca ainda a chegada de novos sons. Nesse movimento se vê o alcance dos bailes ao longo da década, atravessando mais de 30 bairros cariocas, de Botafogo, na zona sul), a Bangu, na zona oeste, passando por lugares como Tijuca, Méier e Penha, todos na zona norte.

A percepção geográfica do fenômeno, a partir de mapas como esse, é uma das contribuições do estudo para o entendimento do sucesso -um movimento que mobilizou milhares de jovens e deixou marcas na cultura brasileira para além das fronteiras cariocas.

"Quis chamar a atenção para como o movimento foi enorme e se espalhou pela cidade toda, praticamente. Por isso, a ideia de "Pequena África", como ficou conhecida a região central do Rio que serviu de berço para o samba urbano na virada do século 19 para o 20, mas que sempre foi a "Grande África Soul".

Canal Negritude em Letras - https://www.youtube.com/watch?v=E1Z6Y3mh8vk&t=36s

Black, Funk e Soul

Cassiano: o gênio da música soul que a indústria silenciou.

"Cantor, compositor e multi instrumentista que ficou escondido pela indústria fonográfica num país que insiste em silenciar seus maiores talentos, principalmente os fora da "estética". Sua arte permanece viva em vários dos seus clássicos, vivem em cada corpo que dança, em cada amor que resiste e em cada nota que desafia o silêncio da exclusão".

Canal: Negritude em Letras.