David Gilmour interpreta: Peter Green

DAVID GILMOUR

' O solo que Gilmour gostaria de ter escrito '

Mesmo sendo um dos guitarristas mais influentes do rock, Gilmour admite ter ficado apreensivo ao interpretar uma música de Peter Green.

O detalhe curioso é que Gilmour não se sentiu simplesmente honrado com o convite. Segundo Fleetwood, ele inicialmente ficou preocupado com a possibilidade de não conseguir fazer justiça à maneira de tocar de Green.

“Não sei se consigo interpretar o trabalho de Peter”

Fleetwood contou à Rolling Stone que Gilmour tinha enorme reverência por Green, tanto como guitarrista quanto como compositor.

“Ele pensou: ‘Não sei se consigo interpretar o trabalho de Peter. É tão incrível’”, relatou o baterista.

Apesar da insegurança inicial, Gilmour acabou aceitando participar do show realizado no Palladium, em Londres, em 20 de fevereiro de 2020. Green morreria poucos meses depois, em julho daquele ano.

Para a apresentação, entretanto, Gilmour escolheu uma abordagem diferente. Em vez de assumir a guitarra elétrica, tocou pedal steel, instrumento que ajudou a criar uma interpretação própria para “Albatross”.

David Gilmour pode ser responsável por alguns dos solos mais reconhecíveis da história do rock, mas até ele já sentiu aquele frio na barriga diante de um ídolo. O guitarrista do Pink Floyd revelou que ficou apreensivo ao ser convidado para interpretar uma música de Peter Green em um tributo organizado por Mick Fleetwood.

O convite aconteceu em 2020, quando Fleetwood reuniu uma série de músicos para homenagear o fundador do Fleetwood Mac. Entre as músicas escolhidas estava “Albatross”, instrumental lançado pelo grupo em 1968 e uma das composições que mais impressionaram Gilmour ao longo da carreira.

A música de Peter Green que marcou Gilmour.

A admiração de Gilmour por Green não era exatamente uma novidade. Em entrevistas anteriores, o guitarrista do Pink Floyd já havia citado “Albatross” como um dos solos que gostaria de ter escrito.

A faixa foi lançada pelo Fleetwood Mac em 1968 e nasceu de referências bastante diferentes. Green revelou que a composição foi inspirada por “Sleep Walk”, de Santo & Johnny, e por “The Last Meal”, de John Mayall & the Bluesbreakers, durante a fase em que Eric Clapton integrava a banda.

O resultado foi uma composição instrumental construída sobre uma atmosfera mais contemplativa, distante do blues tradicional mais agressivo. Esse caráter melódico ajudou a transformar “Albatross” em uma das gravações mais conhecidas do Fleetwood Mac daquela época.

Gilmour e alguns dos seus heróis.

A história também ajuda a entender como Gilmour desenvolveu sua própria identidade na guitarra. Em uma entrevista de 1985 à Guitar Classics, ele citou uma longa lista de influências, incluindo Lead Belly, B.B. King, Eric Clapton, Roy Buchanan, Jeff Beck e Eddie Van Halen.

O guitarrista contou que, no início, tentou absorver elementos de diferentes músicos. Chegou a estudar violão de 12 cordas inspirado por Lead Belly e guitarra solo influenciado por Hank Marvin e Clapton.

Com o tempo, porém, Gilmour encontrou uma abordagem própria, marcada menos pela quantidade de notas e mais pelo fraseado, pela dinâmica e pela construção melódica.

E talvez seja justamente por isso que o episódio com Peter Green seja tão interessante. Mesmo um guitarrista que ajudou a definir a linguagem do rock também teve alguém diante de quem preferiu parar, respirar e pensar: será que consigo fazer isso direito?

Para Gilmour, a resposta acabou sendo sim. E “Albatross” ganhou mais uma interpretação especial no caminho.

@RevistaGuitarLoad
Por Gustavo Morais - Ago / 2026

Mick Fleetwood & Friends

Mick Fleetwood & Friends, celebram a música de:

Peter Green

' Para mim, e para todos os membros antigos e atuais do Fleetwood Mac, a perda de Peter Green é monumental! '

' Greeny é patrimônio do Blues britânico '

Peter foi o homem que fundou a banda Fleetwood Mac junto comigo, John McVie e Jeremy Spencer. Ninguém jamais entrou para o Fleetwood Mac sem reverenciar Peter Green e seu talento, e sem reconhecer que a música deve brilhar intensamente e ser sempre entregue com paixão inabalável!

Peter,

sentirei sua falta, mas descanse em paz, sua música continua viva. Agradeço por ter me convidado para ser seu baterista todos aqueles anos atrás. Fizemos um ótimo trabalho e abrimos um caminho musical incrível para que tantos pudessem apreciar.

Que Deus te proteja, meu querido amigo...

Com amor, Mick Fleetwood.

O lendário baterista Mick Fleetwood reuniu um elenco estelar para um concerto único em homenagem aos primeiros anos do Fleetwood Mac e ao seu fundador, Peter Green, que aconteceu no dia 25 de fevereiro de 2020 no Palladium de Londres.

O cartaz incluía Billy Gibbons, David Gilmour, Jonny Lang, Andy Fairweather Low, John Mayall, Christine McVie, Zak Starkey, Steven Tyler, Bill Wyman, Noel Gallagher, Pete Townshend, Neil Finn, Kirk Hammett e muitos outros. O lendário produtor Glyn Johns participou como produtor executivo de som e a banda da casa contava com o próprio Fleetwood, além de Rick Vito, Andy Fairweather Low, Dave Bronze e Ricky Peterson.

Fleetwood, que selecionou os artistas que se apresentarão, disse: “O concerto é uma celebração daqueles primeiros dias do blues, onde todos nós começamos, e é importante reconhecer o profundo impacto que Peter e o Fleetwood Mac em seus primórdios tiveram no mundo da música. Peter foi meu maior mentor e me dá muita alegria homenagear seu incrível talento. É uma honra dividir o palco com alguns dos muitos artistas que Peter inspirou ao longo dos anos e que compartilham meu grande respeito por este músico notável. 

" Then Play On ”

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O show: contou com membros antigos e atuais do Fleetwood Mac – Neil Finn, Christine McVie, Rick Vito, Ricky Peterson e até mesmo Jeremy Spencer, que subiu ao palco com o Fleetwood pela primeira vez em 50 anos – além de diversos convidados especiais. 

Entre eles, Kirk Hammett, Noel Gallagher, Billy Gibbons, David Gilmour, John Mayall, Steven Tyler, Pete Townshend e Bill Wyman. Acompanhados pelo Fleetwood na bateria e percussão, o show também contou com o apoio de Andy Fairweather Low na guitarra rítmica, Dave Bronze no baixo, Zak Starkey na bateria e percussão, e Johnny Lang na guitarra e vocais.

"O concerto é uma celebração daqueles primeiros tempos do blues, onde tudo começou para nós", disse Fleetwood. "E é importante reconhecer o profundo impacto que Peter e o Fleetwood Mac em seus primórdios tiveram no mundo da música. Peter foi meu maior mentor e me dá muita alegria homenagear seu incrível talento. É uma honra dividir o palco com alguns dos muitos artistas que Peter inspirou ao longo dos anos e que compartilham meu grande respeito por este músico notável."

Após as palavras introdutórias de Fleetwood, o concerto, em benefício da Teenage Cancer Trust, apresentou uma seleção vibrante dos sucessos dos primeiros anos do Fleetwood Mac. Foi um espetáculo impressionante e emocionante. Todos se lembrarão de como essa época é vividamente retratada na recente edição de Mick Fleetwood, Love That Burns , também dedicada a Peter Green, e, de fato, as páginas do livro serviram de pano de fundo visual para o concerto.

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Lista de músicas 

e convidados:

1. Rolling Man

2. Homework

3. Dr. Brown (com Billy Gibbons nos vocais e guitarra)

4. All Your Love (com Billy Gibbons na guitarra e Steven Tyler nos vocais)

5. Rattlesnake Shake

6. Stop Messin' Around (com Christine McVie nos vocais e teclados)

7. Looking for somebody (com Christine McVie nos vocais e teclados)

8. Sandy Mary (com Johnny Lang na guitarra e vocais)

9. Love that Burns

10. The World Keeps Turning (com Noel Gallagher)

11. Like Crying (com Noel Gallagher)

12. No Place To Go

13. Station Man (com Pete Townshend na guitarra e vocais)

14. Man Of The World (com Neil Finn nos vocais)

15. Oh Well, Part I (com Billy Gibbons na guitarra e Steven Tyler nos vocais)

16. Oh Well, Part II (com David Gilmour na guitarra)

17. Need Your Love So Bad

18. Black Magic Woman

19. The Sky Is Crying (com Jeremy Spencer na guitarra e vocais)

20. I Can't Hold On (com Jeremy Spencer na guitarra e vocais)

21. The Green Manalishi (With the Two Prong Crown) (com Kirk Hammett)

22. Albatross (com David Gilmour na lap steel guitar)

23. Shake Your Moneymaker (final com todos os artistas)

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O Blues Perseguido: Clássicos por Mulheres.

O Blues Clássico por Mulheres

Algumas artistas sensuradas e perseguidas nos EUA.

O "Blues Feminino Clássico" (Classic Female Blues) foi um gênero pioneiro gravado majoritariamente entre 1920 e o final dos anos 30, coincidindo com a era da Lei Seca nos EUA. Essas cantoras, muitas vezes acompanhadas por pianistas de jazz ou pequenos conjuntos, popularizaram o blues de 12 compassos.

Cantoras e canções mais clássicas desse período, (1920-1930s).

Bessie Smith ("A Imperatriz do Blues"): A cantora mais popular da era, conhecida por sucessos como "Nobody Knows You When You're Down and Out" (1929), "Back Water Blues" (1927) e "I Need a Little Sugar In My Bowl".

Ma Rainey ("A Mãe do Blues"): Figura fundamental que influenciou Bessie Smith, famosa por "Ma Rainey's Black Bottom".

Mamie Smith: Fez história ao gravar "Crazy Blues" em 1920, a primeira gravação de blues por uma cantora afro-americana, iniciando a febre dos "race records".

Ethel Waters: Popularizou canções com um toque de jazz e vaudeville, como "Get up off Your Knees".

Outras vozes essenciais.

Sippie Wallace: "Texas Nightingale", famosa por "Women Be Wise" e "Mighty Tight Woman".

Memphis Minnie: Conhecida por tocar violão e cantar clássicos como "When the Levee Breaks" (1929).

Victoria Spivey: Famosa por "Black Snake Blues" (1926).
Ida Cox: Conhecida como "Uncrowned Queen of the Blues".

Bertha "Chippie" Hill: Popularizou "Trouble in Mind" em 1926.

Compilações que cobrem este período, como "Authentic Blues: The Original Female Blues Singers 1920-1940", costumam reunir essas faixas, refletindo o ambiente dos speakeasies (bares clandestinos) e o vaudeville da época.

Contexto Histórico.

No final da década de 1920, a iminente Grande Depressão afetou duramente os negros, que já se encontravam na base da escala econômica, e o blues feminino começou a abordar as injustiças que seu povo enfrentava. Embora a era do "blues clássico" supostamente tenha terminado em 1930, muitas dessas mulheres continuaram a se apresentar em teatros e clubes no Sul e no Norte dos Estados Unidos.

Belas vozes e uma agradável estética musical que representavam as raízes folclóricas que as nutriam. Todas as suas gravações são autênticas e muitas abordavam temas contundentes como pobreza, racismo, maus-tratos amorosos, a estética da beleza física, abandono, desastres naturais e, por vezes, o sobrenatural. As letras eram frequentemente mordazes em sua crítica à injustiça racial e à pobreza sofridas pelos negros.

Outras canções de blues escritas por mulheres tendiam a abordar homens infiéis, a perda de controle sobre suas vidas e a fuga de um relacionamento ruim ou da solidão. No entanto, violência, prostituição, medo e vingança já eram assuntos abordados por essas artistas.

Consequentemente, o ouvinte precisa prestar atenção à letra, e não apenas à música ou ao ritmo, para compreender a gravidade, o desespero, a ameaça, os conselhos ou a pura sensualidade e o deleite que muitas vezes são expressos em metáforas ou linguagem popular.

Algumas das mulheres que deixaram os circuitos de shows itinerantes, cabarés e casas noturnas do Sul, Sudoeste e Norte dos Estados Unidos para se tornarem a próxima "rainha do blues" nas gravações possuíam talento e engenhosidade excepcionais, que empregaram para aprimorar suas performances em discos e no palco. Outras eram talentos medianos, embora seus vestidos elegantes, beleza física e capacidade de entreter as tornassem queridas pelo público tanto no Norte quanto no Sul. 

Muitas dessas mulheres foram enviadas em turnês com bandas que incluíam alguns dos músicos mais talentosos da época. Entre eles, artistas estelares como Louis Armstrong, Johnny Dunn, Sidney Bechet, Clarence Williams, Kid Ory, Johnny Dodds, Don Redman, Fletcher Henderson e Thomas Dorsey.

Apollo Theater

Teatro Apollo

' Nove décadas de espetáculos '

O Apollo é um tesouro cultural americano. É uma vibrante organização sem fins lucrativos, enraizada na comunidade do Harlem, que envolve pessoas de toda Nova York, dos Estados Unidos e do mundo. Desde 1934, o Apollo celebra, cria e apresenta trabalhos que priorizam artistas e vozes negras de toda a diáspora africana. Também tem sido um catalisador para a defesa social e cívica. Hoje, o Apollo é a maior instituição de artes cênicas dedicada à cultura e à criatividade negra.

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História

Desde que abriu suas portas em 1914 e introduziu os primeiros concursos da Noite dos Amadores em 1934, o Apollo desempenhou um papel fundamental no surgimento do jazz, swing, bebop, R&B, gospel, blues e soul — todos gêneros musicais tipicamente americanos.

Ella Fitzgerald, Sarah Vaughan, Billie Holiday, Sammy Davis Jr., James Brown, Gladys Knight, Luther Vandross, D'Angelo, Lauryn Hill e inúmeros outros iniciaram sua trajetória rumo ao estrelato no palco do Apollo. Hoje, o Apollo é uma respeitada organização sem fins lucrativos que apresenta concertos, peças teatrais e espetáculos de dança, exibições de filmes, programas educacionais e projetos de extensão comunitária.

O teatro neoclássico, hoje conhecido como Teatro Histórico do Apollo, foi projetado por George Keister e teve como primeiro proprietário Sidney Cohen. Em 1914, Benjamin Hurtig e Harry Seamon obtiveram um contrato de arrendamento de trinta anos para o teatro recém-construído, renomeando-o para Teatro Burlesco Hurtig e Seamon. Assim como muitos teatros americanos da época, os afro-americanos não tinham permissão para frequentá-los como espectadores ou se apresentar.

Em 1933, Fiorello La Guardia, que mais tarde se tornaria prefeito de Nova York, iniciou uma campanha contra o burlesco, e o Hurtig & Seamon's foi um dos muitos teatros que fecharam as portas. Cohen reabriu o prédio como o Teatro Apollo da Rua 125 em 1934, com seu sócio, Morris Sussman, como gerente. Cohen e Sussman mudaram o formato dos espetáculos, transformando-os de burlesco em revistas de variedades, e redirecionaram seus esforços de marketing para a crescente comunidade afro-americana do Harlem.

Frank Schiffman e Leo Brecher assumiram o Apollo em 1935. As famílias Schiffman e Brecher administraram o teatro até o final da década de 1970. O Apollo reabriu brevemente em 1978 sob nova administração, fechando novamente em novembro de 1979. Em 1981, foi adquirido por Percy Sutton, um proeminente advogado, político, executivo de mídia e tecnologia, e um grupo de investidores privados. Sob a gestão de Sutton, o teatro foi equipado com um estúdio de gravação e televisão.

Em 1983, o Apollo recebeu o status de patrimônio histórico estadual e municipal e, em 1992, a Apollo Theater Foundation, Inc. foi estabelecida como uma organização privada sem fins lucrativos para administrar, financiar e supervisionar a programação do Apollo Theater. Hoje, o Apollo, que funciona sob a orientação de um Conselho Diretor, apresenta concertos, artes cênicas, programas educacionais e de extensão comunitária. 

Em 2024, o Apollo expandiu sua presença física, tornando-se o operador e administrador do espaço cultural localizado a poucos metros de distância, dentro do Projeto de Reurbanização do Teatro Victoria. O Apollo Stages at The Victoria oferece uma programação artística, educacional e comunitária vibrante e contínua, que se baseia na herança cultural do Harlem e celebra a enorme fonte de criatividade encontrada em nosso bairro.

@ApolloTheater

Booker T. & The MG's

Booker T. & The MG's

Al Jackson, Booker T. Jones, Donald "Duck" Dunn e Steve Cropper.

Como banda residente da Stax Records em Memphis, Tennessee, Booker T. & the MG’s podem ter sido o fator mais importante para o valor duradouro da música soul daquela gravadora, sem mencionar o soul sulista como um todo. Seus grooves precisos e impecáveis ​​podiam ser ouvidos em sucessos clássicos de Otis Redding, Wilson Pickett, Carla Thomas, Albert King e Sam & Dave, e só por isso já mereceriam sua subsequente entrada para o Hall da Fama do Rock and Roll. Mas além de suas formidáveis ​​habilidades como banda residente, em carreira solo eles foram um dos principais grupos instrumentais da era do rock, gravando clássicos como “Green Onions”, “Time Is Tight” e “Hang 'em High”.

Os pilares do som de Booker T.: eram Steve Cropper, cujos riffs incisivos e econômicos influenciaram muitos outros guitarristas, e o próprio Booker T. Jones, que fornecia grande parte do groove com suas linhas de órgão etéreas. Em 1960, Jones começou a trabalhar como músico de estúdio para a Stax, onde conheceu Cropper. Cropper havia tocado com os Mar-Keys, famosos pelo sucesso instrumental de 1961 "Last Night", que estabeleceu o protótipo para grande parte do som dos MG's (e, de fato, da soul music de Memphis) com sua combinação de órgão, saxofone e guitarra. Com a adição do baterista Al Jackson e do baixista Lewis Steinberg, eles se tornaram Booker T. & the MG's. Em poucos anos, Steinberg foi substituído permanentemente por Donald "Duck" Dunn, que, assim como Cropper, também havia tocado com os Mar-Keys.

Primeiro e maior sucesso da banda: “Green Onions” (um single que alcançou o terceiro lugar nas paradas em 1962), surgiu por acaso. Enquanto improvisavam no estúdio, esperando em vão por Billy Lee Riley para uma sessão de gravação, eles criaram um clássico instrumental de soul blues em tom menor, caracterizado pelo ritmo vibrante do órgão e pelos solos de guitarra intensos. Nos cinco anos seguintes, teriam dificuldade em repetir o sucesso comercial, embora a qualidade de seus discos permanecesse relativamente alta, e a dependência da Stax em tê-los como banda da casa garantisse uma renda decente.

Álbum "Abbey Road", The Beatles.

Abbey Road: No final dos anos 60, os MG's atingiram o auge com sucessos como "Hip Hug-Her", "Groovin'", "Soul-Limbo", "Hang 'em High" e "Time Is Tight", todos presentes no Top 40 entre 1967 e 1969. Como a presença de músicos pretos e brancos os tornava uma banda birracial, os MG's deram um exemplo, de certa forma subestimado, de como bandas integradas e autossuficientes podiam ter sucesso e de como músicos negros e brancos podiam tocar soul music com influências de funk.

Como acontece com a maioria das bandas de rock instrumental, seus singles continham seu melhor material, e a música da banda é hoje melhor apreciada por meio de coletâneas. Mas seus álbuns estavam longe de ser insignificantes e, ocasionalmente, se aventuravam em territórios ambiciosos (eles fizeram uma versão instrumental completa do álbum Abbey Road dos Beatles, que intitularam McLemore Avenue em homenagem à localização dos estúdios da Stax).

Embora já fossem estrelas consagradas no final da década, o grupo começou a ter dificuldades para trabalhar junto, não tanto por problemas de pessoal, mas por dificuldades logísticas. Cropper frequentemente participava de gravações em Los Angeles, e Jones estava frequentemente ausente de Memphis enquanto concluía seus estudos musicais na Universidade de Indiana. A banda decidiu se separar em 1971, mas estava trabalhando em um álbum de reunião em 1975, quando Al Jackson foi tragicamente assassinado a tiros em sua casa em Memphis por um ladrão. Os membros restantes permaneceram ativos como artistas de gravação e músicos de estúdio nos anos seguintes, com Cropper e Dunn se juntando aos Blues Brothers por um período no final dos anos 70.

Uma das primeiras bandas inter-racial.

O Potato Hole: o MG's voltaram aos holofotes no início de 1992, quando foram a banda da casa de um extravagante tributo a Bob Dylan no Madison Square Garden. Mais importante ainda, em 1993, eles serviram como banda de apoio em uma turnê de Neil Young, que rendeu a ambos (e a Young) ótimas avaliações da crítica. No ano seguinte, lançaram um álbum de retorno, com arranjos no estilo de seus trabalhos clássicos dos anos 60, que provou que suas habilidades instrumentais ainda estavam intactas. 

Como a maioria desses trabalhos, porém, acabou não conseguindo recriar a faísca e a espontaneidade que claramente almejavam. Jones continuou com sua própria produção musical nas décadas seguintes, frequentemente contribuindo com suas habilidades instrumentais para outros artistas e ocasionalmente lançando seus próprios álbuns, como o trabalho solo de 2009, Potato Hole. O baixista Dunn, que participou intermitentemente de festivais e turnês após a virada do milênio, estava em turnê com Cropper e Eddie Floyd no Japão em maio de 2012, quando faleceu enquanto dormia em um hotel de Tóquio.

Koko Taylor

KOKO TAYLOR

"a maior cantora de blues de sua geração"

Como a força da natureza que era, Koko Taylor, vencedora do GRAMMY e indiscutível "Rainha do Blues", estava em uma categoria própria. Com seu estilo exuberante, profundamente emotivo e contagiante, e sua banda incansável, ela sempre fazia os fãs mais relutantes dançarem e os mais quietos pularem de alegria. Quando Taylor faleceu em junho de 2009, o mundo perdeu uma ícone da música.

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Carreira e trajetória artística.

O recém-lançado álbum de maiores sucessos, Crown Jewels — disponível em vinil preto de 140g e em todas as plataformas digitais — reúne 12 das performances mais poderosas, dinâmicas e impactantes de Taylor, todas remasterizadas. Do icônico Wang Dang Doodle à poderosa e inspiradora I'm A Woman, passando pela estridente Hey Bartender, pela emocionante versão ao vivo de I'd Rather Go Blind e pela arrebatadora Ernestine, Taylor prova por que, ao longo de sua carreira de quatro décadas, não teve igual.

De acordo com Bruce Iglauer, fundador e presidente da Alligator Records, Crown Jewels representa Taylor em sua melhor forma. "Koko Taylor, a Rainha do Blues vencedora do GRAMMY, foi membro da família Alligator por 34 anos, desde sua estreia na gravadora em 1975 até sua morte em 2009. Durante esse tempo, ela fez turnês pelo mundo todo, impactando o público com o poder de sua leoa e a profundidade de sua alma. Ela gravou nove álbuns para a Alligator, cada um repleto de suas performances reais e atemporais. Para Crown Jewels, selecionamos e remasterizamos músicas de toda a sua carreira, destacando as favoritas dos fãs mais pedidas – cada uma uma joia."

Além de destacar o inestimável talento vocal de Taylor, Crown Jewels apresenta a paixão musical de diversos músicos lendários, incluindo Buddy Guy, Carey Bell, Sammy Lawhorn, Mighty Joe Young, Vino Louden, Eddie King e o grande guitarrista gospel, primo de Taylor, Criss Johnson.

Koko Taylor foi uma das pouquíssimas mulheres que alcançaram sucesso no mundo do blues, dominado por homens. Ela levou sua música dos pequenos clubes do South Side de Chicago para salas de concerto e grandes festivais ao redor do mundo. Dividiu o palco com todas as grandes estrelas do blues, incluindo Muddy Waters, Howlin' Wolf, B.B. King, Junior Wells e Buddy Guy, bem como ícones do rock e do soul, como Ray Charles, Robert Plant e Jimmy Page. 

Nascida Cora Walton em uma fazenda de meeiros nos arredores de Memphis, Tennessee, em 28 de setembro de 1928, Koko se apaixonou por música ainda jovem. Inicialmente, foi inspirada pela música de Memphis Minnie e Bessie Smith, e posteriormente energizada pela música gospel e pelos DJs de blues da WDIA, B.B. King e Rufus Thomas. Ela começou a cantar blues com seus cinco irmãos e irmãs, acompanhando-se com seus instrumentos caseiros. Em 1952, Koko e seu futuro marido, o falecido Robert "Pops" Taylor, viajaram para Chicago com nada além de, nas palavras de Koko, "trinta e cinco centavos e uma caixa de biscoitos Ritz".

Em Chicago, "Pops" trabalhava para uma empresa de embalagens e Koko fazia faxina. Juntos, frequentavam os clubes de blues da cidade. Encorajada pelo marido, Koko começou a tocar com as principais bandas de blues da cidade e logo se tornou uma artista convidada muito requisitada. Certa noite, em 1962, Koko foi abordada pelo famoso compositor e arranjador Willie Dixon. Impressionado com a performance de Koko, Dixon conseguiu para ela um contrato com a gravadora Chess Records, onde produziu vários singles, dois álbuns e compôs o sucesso de 1965, " Wang Dang Doodle" , que vendeu milhões de cópias e se tornaria uma das canções mais emblemáticas de Taylor.

Após a venda da Chess Records, Taylor encontrou um novo lar na Alligator Records de Chicago e, em 1975, lançou o álbum "I Got What It Takes", indicado ao GRAMMY. Ela gravou mais oito álbuns para a Alligator entre 1978 e 2007 e fez inúmeras participações especiais em álbuns de outros artistas e gravações tributo. Taylor apareceu nos filmes " Coração Selvagem" e "Os Irmãos Cara de Pau 2000". Ela foi destaque no programa "All Things Considered" da NPR, assim como no "Early Edition" da CBS. Apresentou-se no "Late Night With David Letterman", no "Late Night With Conan O'Brien", no "This Morning" da CBS e em inúmeros programas de televisão regionais e internacionais. Ela até apareceu como ela mesma (embora animada como um urso) no premiado programa infantil de televisão "Arthur".

Ao longo de seus mais de 40 anos de carreira, Taylor recebeu todos os prêmios que o mundo do blues tem a oferecer. Em 2004, ela recebeu o NEA National Heritage Fellowship Award, uma das maiores honrarias concedidas a um artista americano. Anteriormente, ela havia recebido o prêmio "Chicago Legend Of The Year" quando a cidade declarou o "Dia de Koko Taylor" em Chicago. Em 1997, ela foi incluída no Hall da Fama da Blues Foundation. Um ano depois, a revista Chicago Magazine a nomeou "Chicagoana do Ano" e, em 1999, Taylor recebeu o prêmio Lifetime Achievement Award da Blues Foundation.

O último álbum de estúdio de Taylor, Old School, de 2007, foi indicado ao GRAMMY. Ao todo, oito de seus nove álbuns lançados pela Alligator Records receberam indicações ao GRAMMY. Ela ganhou um GRAMMY em 1984 por sua participação especial na coletânea Blues Explosion, lançada pela gravadora Atlantic.

Taylor faleceu em 3 de junho de 2009, em sua cidade natal, Chicago. Apenas um mês antes, Taylor havia conquistado seu 29º Prêmio de Música Blues da Blues Foundation, onde também fez sua última apresentação. Tendo recebido mais Prêmios de Música Blues do que qualquer outro artista (homem ou mulher), a Blues Foundation renomeou o prêmio para Artista Feminina de Blues Tradicional como "Prêmio Koko Taylor" em sua homenagem.

DISCOGRAFIA

( Alligator Records )

1975 I Got What It Takes

1978 The Earthshaker

1981 From The Heart Of A Woman

1985 Queen Of The Blues

1987 Live From Chicago - An Audience With The Queen

1990 Jump For Joy

1993 Force Of Nature

2000 Royal Blue

2002 Deluxe Edition

2007 Old School

2025 Crown Jewels

"Koko Taylor é um tesouro nacional. Ela tem uma potência vocal que muitos só podem desejar ter." — Chicago Tribune

"Koko Taylor é o blues... uma deusa rouca e visceral. Pura e imparável força vocal, a todo vapor e que se dane o resto. Existem muitos reis do blues, mas apenas uma rainha. A voz de Koko é capaz de prender o ouvinte contra a parede." — Boston Globe

"Blues estridente, visceral e animado... Taylor canta blues com uma voz rouca e uma intensidade feroz. Música para bater o pé, crua, intensa e maravilhosamente otimista." — People.

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Pinetop Perkins

Pinetop Perkins

" o pianista mais orgânico do Blues "

Apesar da fama mundial, Pinetop nunca foi de se autopromover:

"Eu não toco piano de forma sofisticada, eu apenas toco blues natural"

Com uma carreira que se estendeu até os 90 anos, Joe Willie “Pinetop” Perkins tornou-se um símbolo mundial da tradição do blues de Chicago/Delta. Ele era reconhecido como talvez o último mestre do piano blues do Delta, uma figura amada que se apresentava com uma alegria juvenil incomparável. No entanto, ao contrário de seus contemporâneos Muddy Waters, Otis Spann e Howlin' Wolf, Pinetop quase não recebeu reconhecimento no mundo do blues até a década de 1970. Ele era apenas mais um excelente músico conhecido entre seus pares e os fãs mais dedicados. Ele havia feito turnês com Earl Hooker nos anos 60 e gravado para a Sun Records nos anos 50, mas não era frequentemente mencionado entre os grandes venerados. Ele nunca havia gravado um álbum solo e provavelmente nunca havia se apresentado em um festival de blues. Como as coisas mudaram nos últimos 40 anos de sua vida!

A grande reviravolta na vida de Pinetop aconteceu quando o falecido Muddy Waters o convidou para ocupar o lugar no piano em sua banda, que havia sido ocupado por décadas pelo fantástico Otis Spann. O estilo de Pinetop, mais esparso e delicado que o de Spann, ajudou a criar um novo som para Muddy Waters. Pinetop trouxe para o grupo uma bela mistura de piano do sul profundo dos Estados Unidos pré-Segunda Guerra Mundial e estilos de bandas de blues do pós-guerra.

Pinetop, que nasceu em 7 de julho de 1913, perto de Belzoni, Mississippi, começou a tocar piano na adolescência. A gravação original de Clarence “Pinetop” Smith, de 1928, de " Pinetop's Boogie Woogie", forneceu a Joe Willie Perkins tanto um apelido quanto uma música-tema. Ele também foi inspirado pelos discos de Leroy Carr, Little Brother Montgomery, Roosevelt Sykes e Walter Davis, e pelas apresentações ao vivo de muitos pianistas de bares de beira de estrada locais que nunca gravaram. 

Ele encontrou trabalho regular durante a década de 1930, tocando piano no Delta do Mississippi. A guitarra, no entanto, foi seu primeiro instrumento, e seu primeiro trabalho com uma banda de blues — a de Robert Nighthawk — foi como guitarrista. Suas ambições como guitarrista terminaram na década de 40, quando foi esfaqueado no braço esquerdo. Pinetop disse que o ferimento dificultou muito a execução dos acordes na guitarra, mas seu desempenho no piano foi menos afetado.

Ao se juntar à banda de Nighthawk, Pinetop deixou o Mississippi rumo a Helena, Arkansas, e começou a trabalhar como radialista no programa Bright Star Flour da rádio KFFA. Logo foi atraído por Sonny Boy Williamson para o programa rival King Biscuit Time. Pinetop tocou no King Biscuit Time por cerca de cinco anos, até 1948, com um salário mensal de US$ 30, ganhando a maior parte do seu dinheiro nos shows noturnos da banda no Arkansas e no Mississippi.

Em 1949, Nighthawk recontratou Pinetop para trabalhar com ele em Cairo, Illinois, e no ano seguinte Pinetop entrou em um estúdio de gravação pela primeira vez, tocando piano em uma sessão de Nighthawk em Chicago. Nighthawk, sempre um músico inquieto, seguiu em frente, mas Pinetop continuou tocando em Cairo, uma cidade às margens do rio Mississippi que ostentava uma vida noturna agitada. Por cerca de dois anos, Pinetop liderou uma big band (com acordeão e metais), tocando "aquelas músicas antigas e bregas, coisas do passado" para plateias brancas.

Então, Pinetop voltou ao blues, deixando Cairo para uma viagem ao sul com o principal discípulo de Nighthawk, Earl Hooker. Pinetop, Hooker e Ike Turner (que havia aprendido muito piano ouvindo Pinetop no Mississippi) tocaram juntos por um tempo na Flórida e retornaram ao Mississippi. Earl e Pinetop também pararam em Memphis para gravar para a gravadora Sun de Sam Phillips. Pinetop gravou uma ótima versão de " Pinetop's Boogie Woogie" , que foi relançada pela Arhoolie Records.

Durante os anos 50, Pinetop se mudou para East St. Louis, Illinois, onde trabalhou com a banda do cantor Johnny O'Neal e outros grupos locais, eventualmente conseguindo um emprego em uma lavanderia e relegando a música a uma atividade de meio período. Mais uma vez, Earl Hooker colocou Pinetop de volta na trilha do blues. Pinetop trabalhou com Earl em Chicago e em algumas viagens pelo Meio-Oeste, e em 1968 acompanhou Earl em um LP da Arhoolie. Seguiram-se sessões com Carey Bell, Willie Williams e outros músicos de blues de Chicago. Por alguns anos, Pinetop também liderou um trio em uma casa de shows na Cidade Velha.

Juntar-se a Muddy Waters em 1969 foi, sem dúvida, o grande momento de sua carreira. Seus anos de turnês e gravações com Muddy trouxeram a Pinetop um reconhecimento sem precedentes. Ele cantava algumas músicas em cada show. Gravou nos álbuns de "retorno" de Muddy pela Columbia/Blue Sky. Sua voz foi destaque no álbum de Woodstock de Muddy. Gravou um álbum para uma gravadora francesa em 1976, mas sua primeira sessão de gravação nos EUA como líder foi para a série Living Chicago Blues da Alligator Records em 1978. 

Pinetop deixou Muddy com outros músicos para formar a Legendary Blues Band, com quem excursionou por vários anos. Em seguida, lançou-se em carreira solo, gravando seu primeiro álbum completo nos EUA em 1988. Desde então, tornou-se um dos músicos de blues mais gravados dos últimos anos. Pinetop foi atração principal em quase todos os grandes festivais e clubes de blues, tocando seus boogie-woogies e dedilhando as teclas do piano com seu blues sutil e lento. Ele trouxe quase um século de experiência no blues, uma voz doce e melódica e uma presença pessoal calorosa e irresistível para sua música. Em 2011, pouco antes de sua morte, ele ganhou um Grammy de Melhor Álbum de Blues Tradicional por Joined At The Hip, um álbum gravado em parceria com seu amigo de longa data, Willie "Big Eyes" Smith. Joe Willie "Pinetop" Perkins faleceu feliz e em paz em 22 de março de 2011 em Austin, Texas.

DISCOGRAFIA:

1977 - Pinetop Is Just Top (Black & Blue, relançado pela Evidence como "Boogie Woogie King")

1978 - Living Chicago Blues, Vol. 2 (Alligator)

1988 - After Hours (Blind Pig)

1992 - On Top (Deluge)

1993 - Portrait Of A Delta Bluesman (Omega)

1993 - Pinetop's Boogie Woogie (Texas Music Group)

1995 - Live Top (Deluge)

1995 - With The Blue Ice Band (Earwig)

1995 - Got My Mojo Working (Blues Legends)

1997 - Born In The Delta (Telarc)

1998 - Down In Mississippi (HMG)

1998 - Legends (Telarc) (com Hubert Sumlin)

1999 - Live at 85 (Shanachie)

2000 - Back On Top (Telarc)

2000 - Live At Antone's, Vol. 1 (Antone's)

2003 - Heritage Of The Blues (Hightone)

2004 - Ladies' Man (MC)

2007 - Pinetop Perkins on the 88s (Vizztone)

2008 - Pinetop Perkins and Friends (2008)

2010 - Joined At The Hip (Telarc)

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BLUES: Alligator Records

Alligator Records

História da Gravadora 

Alligator

“Desde o momento em que entrei no Florence's Lounge, camadas de guitarra elétrica distorcida preencheram o ambiente. Eu podia ouvir o som inconfundível de aço contra aço enquanto um slide deslizava pelas cordas. A bateria pulsava em um ritmo shuffle tão contagiante e essencial que até eu conseguia dançar ao som dele… Quando Hound Dog se inclinou para o microfone e cantou o blues com sua voz aguda e rouca… era impossível tirar os olhos dele… Naquela tarde, me apaixonei por Hound Dog Taylor & The HouseRockers.”

--Bruce Iglauer, de "Mordido pelo Blues: A História da Alligator Records"

Em 1971, Bruce Iglauer, um fã de blues de 23 anos, gastou suas parcas economias para gravar e lançar um disco de sua banda favorita de blues de Chicago, Hound Dog Taylor & The HouseRockers. O novo álbum precisava de uma gravadora, então ele criou a Alligator Records para lançar o LP. 

Koko Taylor

Hoje, a Alligator possui um catálogo com mais de 350 títulos, muitos dos quais são clássicos renomados, premiados e consagrados do gênero. Álbuns que definiram a carreira de artistas lendários como Hound Dog Taylor, Koko Taylor, Son Seals, Albert Collins, Johnny Winter, Professor Longhair, Lonnie Brooks, Luther Allison e Michael “Iron Man” Burks dividem o catálogo com lançamentos de ícones atuais do blues e da música de raízes como Elvin Bishop, Charlie Musselwhite, Guitar Shorty, Billy Boy Arnold e Mavis Staples. Discos de estrelas mundialmente renomadas da atualidade, como Shemekia Copeland, Lil' Ed & The Blues Imperials, Rick Estrin & The Nightcats, Marcia Ball, Billy Branch, Tinsley Ellis, Joe Louis Walker, Tommy Castro & The Painkillers, Curtis Salgado e Roomful Of Blues, bem como álbuns de novos talentos, incluindo Christone “Kingfish” Ingram, Nick Moss, Toronzo Cannon e Selwyn Birchwood, demonstram claramente a visão abrangente e inovadora da Alligator.

A história da Alligator Records e a história do blues contemporâneo estão intrinsecamente ligadas. Iglauer, natural de Cincinnati, se apaixonou pelo blues pela primeira vez em 1966. Uma apresentação ao vivo do grande Mississippi Fred McDowell o impactou profundamente. “Foi como se ele tivesse me agarrado pela gola, me sacudido e falado diretamente comigo”, relembra. Após esse show, Iglauer, então estudante da Universidade Lawrence em Appleton, Wisconsin, mergulhou no blues. Em 1968, fez sua primeira peregrinação a Chicago para vivenciar a efervescente cena do blues da cidade. 

Sua primeira parada foi a famosa Jazz Record Mart, onde conheceu o proprietário Bob Koester, também dono da prestigiada gravadora de blues e jazz Delmark Records. Com Koester como guia, Iglauer começou a visitar Chicago regularmente para ver Buddy Guy, Junior Wells, Otis Rush, JB Hutto, Carey Bell e muitos outros ícones do blues nos clubes de blues das zonas sul e oeste da cidade.

Koester ficou impressionado com a paixão de Iglauer pela música e com a promoção que ele fez de um show esgotado de Luther Allison em Lawrence, em 1969. Quando Iglauer se mudou definitivamente para Chicago no início de 1970, Koester o contratou como auxiliar de expedição, ganhando US$ 30 por semana. Quase todas as noites, Iglauer frequentava os bares das zonas sul e oeste de Chicago, fascinado pelos músicos de blues que se apresentavam em seu próprio território. Ele acompanhava Koester ao estúdio em todas as sessões da Delmark, onde assistia a grandes nomes do blues, como Junior Wells, Roosevelt Sykes e Robert Lockwood Jr., criarem álbuns clássicos do gênero. 

Albert Collins, Robert Cray e Johnny Copeland

Durante esse período, Iglauer passou incontáveis ​​domingos no Florence's Lounge, na zona sul de Chicago, onde se apaixonou pela música de Hound Dog Taylor & The HouseRockers. Ele ficou fascinado pelo blues energético e cru do Hound Dog, com seu slide guitar característico, e estava convencido de que, se gravasse um álbum do Hound Dog Taylor, sua paixão pela banda e sua visão de promoção poderiam levar essa música incrivelmente divertida e profundamente emotiva a um público totalmente novo de compradores de discos mais jovens como ele.

Embora tenha insistido com Koester para que gravasse o Hound Dog para a Delmark, Koester recusou. Determinado a gravar sua banda favorita, Iglauer juntou o pouco dinheiro que tinha e foi para o estúdio com o Hound Dog em 1971, gravando por duas noites diretamente em duas pistas, mixando o álbum enquanto gravava. Com o dinheiro que lhe restava, prensou 1000 álbuns e os carregou no porta-malas de seu Dodge Dart. 

O novo formato de rádio da época era chamado de "rock progressivo de forma livre", e Iglauer dirigiu mais de 6.400 quilômetros, parando em todas as estações de rádio desse formato. Ele ofereceu uma cópia de seu novo LP aos DJs, compartilhando seu entusiasmo pelo Hound Dog Taylor & The HouseRockers. E na maioria das vezes, eles tocavam o disco ali mesmo, na hora. Com a significativa execução nas rádios, Iglauer conseguiu distribuidores para o álbum na maioria dos principais mercados do país.

Com seu árduo trabalho dando frutos na forma de execuções em rádios nacionais e com vendas suficientes para manter a gravadora funcionando, Iglauer percebeu que tinha uma série de novas tarefas. Por necessidade, ele rapidamente se tornou não apenas a gravadora, mas também agente de shows, assessor de imprensa, empresário, motorista, roadie e conselheiro de Taylor e da banda. O disco se tornou um enorme sucesso (para os padrões do blues), vendendo mais de 100.000 cópias somente nos EUA. Ele continua a ter um grande impacto tanto nos fãs quanto nos artistas. O fundador e guitarrista do Black Keys, Dan Auerbach – que toca uma das guitarras de Hound Dog no novo álbum do Black Keys, Delta Kream, com lançamento previsto para maio de 2021 – afirma: “Sei com certeza que não estaria neste ramo se Bruce não tivesse lançado os dois primeiros discos do Hound Dog Taylor. A paixão que Bruce capturou nesses discos é o lugar mágico que busco sempre que estou no meu estúdio.”

Iglauer administrava a Alligator de seu pequeno apartamento, repleto de pilhas de caixas de discos e uma mesa de expedição ao lado da cama. Durante anos, cada disco precisava financiar o próximo, o que significava que a Alligator lançava cerca de um disco por ano. Felizmente, esses discos continuaram a impressionar fãs e críticos e a vender o suficiente para manter a gravadora funcionando. Após o sucesso da Alligator com Hound Dog Taylor e, posteriormente, com álbuns de Son Seals, Big Walter Horton e Fenton Robinson, a gravadora recebeu um grande impulso quando iniciou sua longa parceria com a Rainha do Blues, Koko Taylor. Taylor havia sido um sucesso na Chess Records com sua versão de Wang Dang Doodle, de Willie Dixon. "Bruce me ajudou tanto quanto eu o ajudei", lembrou Taylor. "Era uma empresa muito pequena na época, mas foi a melhor coisa que me aconteceu. Minha carreira só começou quando entrei para a Alligator." Seu álbum de estreia pela Alligator, I Got What It Takes, de 1975, rendeu à gravadora sua primeira indicação ao Grammy.

Johnny Winter

A Alligator contratou seu primeiro funcionário em 1975, e Iglauer mudou-se com sua gravadora para uma casa decadente de três quartos no lado norte de Chicago, onde também morava. Os LPs ficavam guardados no porão e as fitas cassete na cozinha. Mesmo assim, a gravadora já estava fazendo sucesso nacional. A Rolling Stone chamou a série Living Chicago Blues, indicada ao Grammy em 1978, de “a coleção definitiva do blues moderno”. Entre os artistas estavam Jimmy Johnson, Eddie Shaw, Carey Bell, Magic Slim e Pinetop Perkins, que se tornaram ícones do blues. Outro artista que participou da série, Lonnie Brooks, gravaria sete álbuns completos para a Alligator e se tornaria uma das estrelas da gravadora. 

O jovem Billy Branch, que também participou da série Living Chicago Blues, é hoje um dos gaitistas de blues mais conhecidos e gravados do mundo. Em 2019, ele finalmente lançou seu primeiro álbum completo pela Alligator, após inúmeras participações em gravações de outros artistas.

Em 1978, o guitarrista Albert Collins juntou-se à família Alligator. Collins foi o primeiro artista de fora de Chicago a assinar com a Alligator e o primeiro a chegar à gravadora com grande reputação e alta visibilidade. "Por causa de Albert Collins", lembra Iglauer, "a mídia percebeu que a Alligator, com apenas 16 álbuns em seu catálogo, havia se tornado uma grande gravadora de blues". Ao todo, seis gravações da Alligator receberam indicações ao Grammy entre 1975 e 1978, representando quase metade dos discos lançados pela gravadora. Dentro da comunidade musical, a Alligator havia desenvolvido uma reputação como uma gravadora independente agressiva e profissional.

Em 1982, a gravadora ganhou seu primeiro Grammy com o lançamento de "I'm Here!", do pioneiro do zydeco Clifton Chenier. Dois anos depois, a Alligator contratou o lendário guitarrista Johnny Winter. Winter era mais conhecido como astro do rock, mas procurou a Alligator para retornar às suas raízes no blues. Embora Koko Taylor e Albert Collins fossem bem conhecidos entre os fãs de blues, Winter foi o primeiro artista da Alligator a alcançar reconhecimento nas rádios de rock. O sucesso de Winter atraiu os ícones da guitarra blues-rock Roy Buchanan e Lonnie Mack, que trouxeram seu amigo Stevie Ray Vaughan para produzir e tocar em seu álbum de estreia pela Alligator. Esses artistas renomados deram à gravadora um novo patamar de credibilidade junto às rádios, à imprensa e ao varejo. O sucesso continuou com o lançamento de "Showdown!", a colaboração extremamente popular entre os guitarristas Albert Collins, Robert Cray e Johnny Copeland. O álbum ganhou um Grammy, recebeu ampla cobertura da imprensa e das rádios e se tornou o título mais vendido do catálogo da Alligator.

Shemekia Copeland

Em 1985, chegou a hora de transferir a sede da gravadora da casa de Iglauer para um prédio comercial decadente, onde a Alligator opera até hoje. Com apenas sete funcionários em tempo integral, a Alligator investia pesado em promoção, com seus próprios departamentos de rádio, publicidade e marketing. Acordos internacionais de licenciamento e distribuição levaram os lançamentos da Alligator a dezenas de países,  incluindo Canadá, Japão, Austrália, Brasil, Argentina e toda a Europa.

Durante a década de 1990, o elenco da Alligator cresceu e passou a incluir a jovem sensação do canto Shemekia Copeland, o dinâmico mestre da guitarra Luther Allison e o pioneiro do blues Corey Harris, cujos lançamentos mantiveram a Alligator na vanguarda do mundo da música roots. Ícones do blues como Elvin Bishop e James Cotton, a dupla acústica Cephas & Wiggins, o trio feminino Saffire—The Uppity Blues Women, o renomado guitarrista tradicional Steady Rollin' Bob Margolin, o virtuoso do slide australiano Dave Hole e o inovador grupo nova-iorquino Michael Hill's Blues Mob conquistaram fãs de todos os estilos de blues e o crescente público da música americana.

O século XXI trouxe uma série de novos desafios – desde a perda de vendas físicas devido à pirataria musical online até o fechamento de milhares de lojas de discos e o advento do streaming de música. A Alligator respondeu comprometendo-se a promover cada show de cada artista, independentemente da data de lançamento do seu álbum mais recente (política que a gravadora mantém até hoje). A equipe da Alligator buscava e conseguia entrevistas, participações em programas de televisão e visitas a estações de rádio, além de fornecer materiais promocionais para as casas de shows, contribuindo para o sucesso de cada apresentação. Para a Alligator, cada parada da turnê se transformava em uma loja dedicada ao artista, que ficava feliz em conhecer os fãs, autografar álbuns e tirar fotos. Essa ampla divulgação de gravações e a intensa promoção de shows ao vivo ajudaram a aumentar a visibilidade mundial dos artistas, expandir sua base de fãs e, consequentemente, vender mais música.

A Alligator lançou álbuns aclamados de estrelas do selo, incluindo Koko Taylor, Tinsley Ellis e Lil' Ed & The Blues Imperials, bem como álbuns de artistas que se juntaram à família Alligator após o sucesso em outras gravadoras, como Tommy Castro, Guitar Shorty, JJ Grey & Mofro, Roomful Of Blues, Coco Montoya, Joe Louis Walker, Anders Osborne, Marcia Ball e The Holmes Brothers. Em 2004, a carreira da ícone do soul/gospel Mavis Staples foi revitalizada com seu álbum pela Alligator, Have A Little Faith. Segundo Staples, “Bruce me apoiou ao máximo, sempre disposto a oferecer sua visão e experiência. Ele tem sido um verdadeiro amigo do blues e da música independente”.

Com o apoio contínuo da Alligator, os artistas do selo viram seu público crescer cada vez mais. As gravações da gravadora receberam um total de 48 indicações ao Grammy e três prêmios Grammy. Seus artistas e suas músicas acumulam mais de 150 prêmios Blues Music Awards (a maior honraria da comunidade do blues) e mais de 70 prêmios Living Blues Awards (concedidos pela revista Living Blues). Os artistas da Alligator já apareceram no rádio, na televisão e em filmes. Eles se apresentaram em clubes, salas de concerto e festivais do mundo todo. De acordo com Shemekia Copeland, “A Alligator Records tem sido um pilar do mundo do blues por cinco décadas. Como artista da Alligator, sou verdadeiramente grata pelo que Bruce e a Alligator Records fizeram por mim e por este gênero.”

Desde sua fundação, a Alligator sempre esteve atenta às novas tecnologias, garantindo que a música da gravadora seja o mais acessível possível. Nas décadas de 1970 e 1980, a empresa produziu LPs, compactos, cassetes e fitas de 8 pistas. Em meados da década de 1980, a Alligator foi a primeira gravadora de blues a produzir CDs e, na década de 1990, esteve entre as primeiras a ter seu próprio site (www.alligator.com) e comercializar seu catálogo pela internet. Os fãs podem acessar facilmente informações completas sobre os artistas e atualizações de turnês, downloads gratuitos e a possibilidade de comprar músicas e outros produtos relacionados ao blues. 

Dr John

Atualmente, notícias da gravadora, resenhas de álbuns, lembretes sobre próximas aparições na TV e no rádio e apresentações online, bem como informações sobre turnês, podem ser encontradas em toda a extensão das redes sociais, do Facebook ao Twitter, do Instagram ao YouTube e muito mais. A Alligator também trabalha em estreita colaboração com quase todos os serviços de download e streaming, disponibilizando milhares de faixas da Alligator para audição ou compra instantânea online.

Ao longo de sua história, a Alligator funcionou não apenas como uma empresa, mas também como uma família unida. Os laços entre a equipe e os artistas são pessoais e profundos. Artistas em turnê que se apresentam em Chicago costumam visitar o escritório para conversar com Iglauer e a equipe. Músicos ligam para Iglauer a qualquer hora para discutir suas próximas sessões de gravação ou testar novas músicas por telefone. Tudo, exceto a gravação em si, acontece na sede da Alligator. Os funcionários, com uma mentalidade empreendedora e independente, trabalham em todo o mundo a partir de escritórios que antes eram quartos, cozinhas e salas de estar de apartamentos.

Por meio de seu trabalho incansável, os 14 funcionários veteranos – muitos dos quais estão na gravadora há mais de 25 anos – realizam campanhas promocionais e de publicidade de nível de grande gravadora, alcançando resultados que rivalizam com os de qualquer corporação com grandes recursos financeiros. Os departamentos de publicidade e rádio da Alligator estão constantemente trabalhando por telefone e internet, publicando matérias e gerando espaço nas rádios. Ao longo dos anos, os artistas da Alligator se apresentaram na televisão e no rádio nacionais, participando de programas como Late Night With Conan O'Brien, The Tonight Show, The Late Show With David Letterman, Austin City Limits, The CBS Saturday Early Show, PBS NewsHour e NPR's Morning Edition, All Things Considered, Weekend Edition, Fresh Air, E-Town, Mountain Stage, Woodsongs e na SiriusXM Radio, entre muitos outros. 

Publicidade, vendas internacionais, mídias sociais, licenciamento, publicação, inserções em filmes e televisão e design também são realizados internamente. Além disso, a empresa de vendas por correspondência da Alligator, que oferece serviço completo, está localizada em uma antiga loja de móveis, a poucos quarteirões do prédio principal.

Mesmo ultrapassando a marca de meio século, a Alligator Records continua dedicada a encontrar e contratar jovens artistas com talento e visão para criar um novo blues que dialo

gue com o público de hoje e de amanhã. A gravadora ajudou a trazer artistas como Selwyn Birchwood, Toronzo Cannon, The Nick Moss Band Featuring Dennis Gruenling e The Cash Box Kings para o centro das atenções da cena blues moderna. Em 2019, a Alligator lançou o álbum de estreia do fenômeno da guitarra Christone “Kingfish” Ingram. Com apenas 22 anos, Kingfish já é aclamado como uma nova superestrela do blues.

Desde o lançamento do primeiro disco de Hound Dog Taylor, a Alligator Records se tornou a gravadora de blues de maior sucesso no mundo. E a história da Alligator ainda está se desenrolando. Desde os primórdios, quando gravava apenas talentos de Chicago, passando pela atração de músicos nacionais e internacionais, até o compromisso da gravadora em nutrir as novas gerações de artistas de blues e música de raiz, a Alligator, assim como o próprio blues, continua a inovar, mantendo-se fiel às suas raízes genuínas do rock de Chicago.