Histórias do Blues: Chess Records

 Chess Records

' O Som

que mudou a música '

A Casa do Blues Elétrico

A Chess Records foi uma gravadora fundamental de Chicago nas décadas de 1950 e 60, conhecida por sua influência no desenvolvimento do blues, rhythm and blues e dos primórdios do rock and roll. 

Fundada pelos irmãos Chess, Leonard e Phil, a gravadora tornou-se sinônimo do som do blues elétrico e apresentou artistas inovadores como Muddy Waters, Koko Taylor, Howlin' Wolf, Etta James e Chuck Berry.

... a necessidade de um lugar para gravar e divulgar a música e a arte dos artistas de Blues.

Assim como a própria história dos fundadores da gravadora, a trajetória da Chess Records é uma história de oportunidades em novas terras, cruzando barreiras raciais e culturais para criar um rhythm and blues que influenciou ouvintes no mundo todo. O impressionante catálogo de artistas da Chess – e seus fundadores visionários – aprimoraram e transformaram o blues, elevando-o da música folclórica ao gênero popular. Em 2025, a Chess Records celebra seu 75º aniversário.

A Chess Records foi idealizada pelos irmãos Lejzor e Fiszel Czyż, que emigraram da cidade rural de Motal, na Polônia (atual Bielorrússia), para Chicago. Os irmãos seguiram os passos do pai no ramo de bebidas alcoólicas e logo migraram para a administração de casas noturnas; Leonard restaurou um antigo restaurante, transformando-o no Macomba Club, um espaço para música ao vivo que funcionava após o horário comercial e foi inaugurado em 1946.

Localizado no número 3905 da South Cottage Grove, o Macomba era um bom negócio, embora agitado, com armas e facas sendo uma visão comum. Era um lugar onde os músicos podiam entrar e improvisar a noite toda. Não era o blues ou o gospel de suas raízes que preenchia o ar quente e esfumaçado do Macomba, mas sim o jazz bebop. Diz-se que estrelas como Ella Fitzgerald, Louis Armstrong e Dinah Washington passaram por lá para uma sessão noturna.

Após investirem na gravadora local The Aristocrat of Records, os irmãos assumiram o controle total em 1950, renomeando-a para Chess Records e formando um elenco que incluía artistas como Muddy Waters, Etta James, Howlin' Wolf, Koko Taylor, John Lee Hooker e Big Bill Broonzy. A gravadora também lançou "Rocket 88", de Jackie Brenston and His Delta Cats (pseudônimo de uma banda liderada por Ike Turner), considerado um passo crucial no desenvolvimento do rock and roll em meados da década de 1950.

'McKinley Morganfield, conhecido mundialmente como Muddy Waters, foi gravado pela primeira vez pelo folclorista e arquivista Alan Lomax no início dos anos 40, antes de se mudar do interior do Mississippi para Chicago em 1943, na esperança de fazer nome como músico. Trocando seu violão por um modelo elétrico com amplificador – “Ninguém conseguia te ouvir com um violão” – ele finalmente começou a gravar para a Aristocrat Records. Em 1948, emplacou sucessos com “I Can't Be Satisfied” e “I Feel Like Going Home” pela gravadora'

Muddy Waters é talvez o nome mais conhecido associado à Chess Records, mas muitos de seus maiores sucessos foram escritos por um ex-boxeador do Mississippi que conheceu os irmãos Chess no Macomba. Willie Dixon, com cerca de 1,98 m de altura e 113 kg, era uma figura imponente no local e, no início dos anos 50, já trabalhava na Chess. 

Compositor, baixista, produtor e faz-tudo, Dixon escreveu "Hoochie Coochie Man", "I Got My Brand On You" e "I Just Want To Make Love To You" para Muddy Waters, além de "Little Red Rooster" para Howlin' Wolf, "My Babe" para Little Walter e "Pretty Thing" para Bo Diddley. Ele seria uma figura constante na gravadora por muitos anos e sua influência é inegável.

... o som elétrico.

Muddy Waters queria mudar seu som; Leonard resistia. Afinal, não se mexe em time que está ganhando e, embora Leonard respeitasse Muddy, com quem havia construído uma forte e duradoura amizade, eles abordavam a questão de perspectivas diferentes. Muddy queria levar para o estúdio sua baterista, Elga Evans, o pianista Otis Spann, o guitarrista Jimmy Rogers e o precoce gaitista de blues, Little Walter, com quem estava construindo uma ótima sintonia musical em seus shows ao vivo. Um sucesso absoluto nas paradas da Billboard.

Leonard, Muddy Waters, Little Water e Bo Diddley.

Por fim, Waters conseguiu o que queria e trouxe sua banda para o estúdio. E foi em uma das primeiras sessões juntos que a banda se viu com tempo de sobra após o término do trabalho do dia. Eles decidiram aproveitar o tempo livre para gravar uma música instrumental que destacasse a gaita blues de Little Walter. Ao amplificar sua gaita, Little Walter criou um som único, que explorou ainda mais tocando o instrumento mais como um saxofone do que como uma gaita blues tradicional. 

Em 2012, Marshall Chess disse ao Sabotage Times o quão talentoso Walter era: “Miles Davis me disse uma vez que Little Walter era um gênio musical tanto quanto Mozart, e eu concordo. A maneira como ele tocava gaita transformou completamente o blues. Não havia ninguém na Chess mais talentoso do que Little Walter.”

Lançada sob o nome de Little Walter, "Juke" alcançou o topo da parada R&B da Billboard por oito semanas, proporcionando aos irmãos Chess seu maior sucesso até então e consolidando o lugar de Walter na família Chess Records.

Inúmeros artistas consagrados ao longo da história.

Entre os selos derivados da Chess, estavam a Checker, que lançou sucessos de Little Walter, Sonny Boy Williamson e Bo Diddley; e a Argo/Cadet, um lar para artistas de jazz e R&B como Etta James, Ramsey Lewis e Ahmad Jamal. O próprio catálogo da Chess contava com Chuck Berry, Buddy Guy, Willie Dixon e uma série de guitarristas de blues.

Do outro lado do atlântico, esses artistas inspirariam uma geração de jovens músicos britânicos a interpretar o blues à sua maneira. Músicos como: Cyril Davies, Alexis Korner, John Mayall, Eric Clapton e a banda The Rolling Stones, citavam os artistas da Chess como suas maiores influências. Inclusive, os Rolling Stones se inspiraram na música "Rollin' Stone", de Muddy Waters, lançada pela Chess Records em 1950, para criar seu próprio nome. 

Dezenas de artistas e músicos da Chess Records foram incluídos no Hall da Fama do Rock and Roll, e 16 gravações da gravadora estão gravadas para sempre no Hall da Fama do Grammy.

... a importância de Chicago para o sucesso da Chess Records.

Marshall Chess atribuiria mais tarde grande parte do sucesso da gravadora ao fato de a família Chess viver e trabalhar dentro da comunidade negra, em vez de tentar ganhar a vida com ela. Os irmãos se viam como imigrantes – não diferentes dos músicos negros que se mudaram para o norte para escapar das dificuldades do sul, e cujo som evoluiu para algo novo em Chicago: o blues de Chicago.

“Cara, a Chess Records estava cheia de imigrantes. Todos os artistas vinham do Sul, e minha família, da Polônia. Os artistas negros vinham do Mississippi, do Arkansas, subindo a ferrovia Illinois Central de Memphis até Chicago. Nossa família veio da Polônia, de barco até Nova York e depois de trem até Chicago.”

Marshall Chess explicou ao cineasta Marc Levin como o blues de Chicago evoluiu: “O som elétrico nunca teve a chance de se desenvolver no Sul porque esses pequenos bares onde eles tocavam não tinham eletricidade, a maioria deles. Eles chegaram [a Chicago] cantando mais como o Delta Blues, e quando chegaram à cidade grande, onde havia clubes, eles ligaram o equipamento na tomada, eletrificaram tudo – bum!”

@ChessRecords

Eddie Taylor

Eddie Taylor

' Guitarrista do Blues elétrico de Chicago '

Eddie Taylor, natural de Benoit e arquiteto do blues de Chicago, era renomado por seu trabalho como líder de banda e também como guitarrista de outros artistas. 

Ele era mais conhecido por moldar o som característico de Jimmy Reed, um amigo de infância com quem Taylor se reencontrou em Chicago. A região de Benoit também foi o berço de James DeShay, um pilar da cena blues de St. Louis; James “Peck” Curtis, famoso por seu trabalho no programa de rádio “King Biscuit Time”; e da estrela do soul sulista Nathaniel Kimble.

Taylor (29 de janeiro de 1923 – 25 de dezembro de 1985) é reverenciado como um dos guitarristas mais influentes da história do blues de Chicago, conhecido por sua versatilidade, timing impecável e musicalidade consumada. Quando criança, Taylor foi influenciado por músicos do Delta blues como Charley Patton, Son House, Big Joe Williams e Robert Johnson, mas aprendeu a tocar guitarra com um músico chamado "Popcorn". 

Taylor se apresentava em bares locais em Leland e Clarksdale e ensinou guitarra a Jimmy Reed na cidade vizinha de Meltonia. Na década de 1940, mudou-se para Memphis e depois para Chicago, onde ajudou a pioneirar o novo estilo de blues elétrico da cidade.

Durante as décadas de 1950 e 60, Taylor e Reed colaboraram em dezenas de sessões para criar muitos dos sucessos de Reed para a Vee-Jay Records, incluindo “You Don't Have to Go”, “Baby What You Want Me to Do”, “Honest I Do” e “Ain't That Lovin' You Baby”. Taylor também gravou “Bad Boy”, “Bigtown Playboy” e outros singles para a Vee-Jay como artista solo, seguidos por álbuns para diversas gravadoras. 

Sempre requisitado para sessões de estúdio e apresentações em casas noturnas, Taylor gravou e se apresentou com John Lee Hooker, Elmore James and his Broomdusters, Carey Bell, Sunnyland Slim, Homesick James, Big Walter Horton, Johnny Littlejohn, Snooky Pryor, Floyd Jones e The Aces, entre muitos outros. 

Ele começou a fazer turnês internacionais no final da década de 60 e permaneceu ativo na música até sua morte. Embora nunca tenha sido tão conhecido do público quanto muitos de seus companheiros no blues, Taylor foi tão bem avaliado por críticos, historiadores e músicos que foi eleito para o Hall da Fama do Blues em 1987.

A esposa de Taylor era a cantora de blues Vera Taylor (1943-1999), natural de Dublin, Mississippi, e sobrinha dos músicos de blues Eddie, Jimmy e Willie Burns. Ela frequentemente se apresentava no palco com o marido. Seus filhos, Eddie Jr., Larry, Milton, Tim, Demetria, Brenda e Edna, tornaram-se cantores ou músicos, e Vera, Eddie Jr. e Larry Taylor também gravaram seus próprios discos.

Benoit foi lar de vários outros artistas notáveis, incluindo Nathaniel Kimble, James “Peck” Curtis, James DeShay e Jessie Clay. A música de Benoit também foi destaque no filme de 1956, Baby Doll, que foi filmado na casa Burrus, do período pré-guerra civil, e em outros locais da região. 

No filme, um gaitista canta o clássico do blues “Baby Please Don't Go” e uma mulher em um café canta o tradicional espiritual “I Shall Not Be Moved”. Os créditos do elenco no filme reconheciam os cantores e a maioria dos outros figurantes locais simplesmente como “Algumas pessoas de Benoit, Mississippi”.

Conteúdo © Comissão de Blues do Mississippi.

@BluesTrail

DiScOs ÍnCrÍvEiS: Splinter Group In Concert

An Evening With

Peter Green Splinter Group ' In Concert '

2003

Este show gravado na Inglaterra é composto por dois sets. O primeiro é um set acústico minimalista, predominantemente de blues clássico, finalizado com o atemporal clássico do Fleetwood Mac, "Albatross", uma das músicas instrumentais mais populares de todos os tempos. O segundo é um set elétrico eletrizante, combinando faixas de blues, composições originais do Splinter Group e clássicos do Fleetwood Mac, incluindo "Man Of The World", "Black Magic Woman" e "The Green Manalishi".

Peter Green é universalmente reconhecido como um dos maiores guitarristas de blues de todos os tempos. Apenas Eric Clapton, um homem branco tocando blues, pode rivalizar com ele. B.B. King disse certa vez sobre Peter Green: "Ele é o único cara branco que já me fez suar". Green chamou a atenção pela primeira vez como membro do John Mayall's Bluesbreakers no final dos anos 60, onde substituiu Clapton como guitarrista solo. Ele deixou a banda e levou consigo o baterista Mick Fleetwood e o baixista John McVie para formar o Peter Green's Fleetwood Mac. 

Os problemas de Peter Green desde sua saída do Fleetwood Mac no início dos anos 70 são bem documentados. Após alguns anos de ostracismo, ele retornou em meados dos anos 90 sob o nome de Peter Green Splinter Group, que desde então vem se consolidando cada vez mais e permitindo que Green recapturasse a magia de seus primeiros tempos.

Formação da banda contava com: Peter Green – guitarras e vocais, Nigel Watson – guitarras e vocais, Pete Stroud – baixo, Roger Cotton – piano, Larry Tolfree – bateria.

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Nigel Watson e Peter Green.

Track Listing

Acoustic Set:

1. Hitch Hiking Woman

2. Sweet Home Chicago

3. Dead Shrimp Blues

4. Can You Tell Me Why (a.k.a. Legal Fee Blues)

5. Little Queen Of Spades

6. Hell Hound On My Trail

7. Albatross

Electric Set:

1. I Believe My Time Ain't Long

2. Running After You

3. Little Red Rooster

4. Ain't Nothing Gonna Change It

5. Shadow On My Door

6. Must Be A Fool

7. The Stumble

8. Cool Down

9. Man Of The World

10. Dangerous Man

11. Need Your Love So Bad

12. Real World

13. The Green Manalishi (With The Two Prong Crown)

14. Black Magic Woman

15. Look On Yonder Wall

Devon Allman

DEVON ALLMAN

BLUES SUMMIT

A banda apresenta Jimmy Hall, Larry McCray, Sierra Green

com os convidados especiais Christone “Kingfish” Ingram e Robert Randolph.

Nos primeiros 20 anos de sua carreira musical, Devon Allman deixou uma coisa muito clara: ele não fica parado. Como artista e intérprete, está sempre em movimento, ansioso por expandir seus horizontes, sempre à procura de novas fontes de inspiração e novos músicos com quem colaborar. Essa filosofia o impulsionou a criar e seguir em frente continuamente.

É por isso que sua discografia até o momento – embora inclua vários álbuns solo – também apresenta lançamentos com o Honeytribe (com quem estreou em 2006) e o supergrupo de southern rock Royal Southern Brotherhood, além da Allman Betts Band. O currículo é uma obra em construção, mas já faz jus ao legado musical que recebeu de seu falecido pai, Gregg Allman, da lendária The Allman Brothers Band.

Devon Allman viveu imerso no mundo do blues e do rock a vida toda. Filho do lendário Gregg Allman, Devon cresceu cercado pelo rico legado musical da The Allman Brothers Band, grupo que desempenhou um papel fundamental na formação do som do rock e do blues sulista. Essa profunda influência é evidente na trajetória musical de Devon e em sua dedicação à arte.

Como representante da próxima geração da música Allman, Devon continua a inovar e a cativar o público com sua habilidade na guitarra e suas composições envolventes. Suas contribuições artísticas são um testemunho do impacto duradouro do blues como um gênero profundamente pessoal e, ao mesmo tempo, universalmente impactante. Através de suas apresentações e gravações, Devon Allman garante que a música que sempre foi tão importante para sua família continue a prosperar e a inspirar novos públicos.

Nos últimos anos, o dedicado cantor, guitarrista e compositor tem concentrado sua atenção no Devon Allman Project, realizando turnês incansavelmente e espalhando vibrações envolventes e positivas no lançamento de 2024 intitulado Miami Moon .

O álbum mais recente da banda, Blues Summit, é algo completamente diferente.

Mais uma vez, trata-se de um esforço decididamente colaborativo que vê a banda principal de Allman reforçada por grandes nomes como Christone “Kingfish” Ingram, Larry McCray, Jimmy Hall e Robert Randolph. Desta vez, porém, Allman demonstra uma disposição incomum para compartilhar os holofotes. Ele faz mais do que simplesmente dar destaque aos seus convidados nesta sessão. Em aproximadamente metade das dez faixas do álbum, ele os deixa brilhar. E como a maioria dos seus convidados são grandes nomes do blues, o resultado é um dos álbuns mais blues da carreira de Allman. Como o título sugere: é um Encontro de Blues .

Uma das estrelas deste encontro musical é Jimmy Hall, conhecido por alguns como vocalista e gaitista da banda de southern rock Wet Willie ou por suas colaborações com Jeff Beck. Hall deixa sua marca no disco quase que imediatamente, cantando e tocando com toda a energia na faixa que se torna o tema principal, “Blues Is A Feelin’”. A música é uma celebração grandiosa, vigorosa e ritmicamente pulsante, interpretada por oito músicos que compartilham uma paixão evidente pelo blues. Hall assume os vocais novamente em “Peace To The World”, com influências gospel (e com Robert Randolph adicionando sua característica guitarra pedal steel), e em uma versão descontraída e animada, com palmas e batidas de pé, do clássico de Willie Dixon, “Wang Dang Doodle”.

Em “Hands And Knees”, Larry McCray, nascido no Arkansas, assume o microfone e a guitarra solo, com seus riffs cristalinos e timbre suave demonstrando uma clara influência de B.B. King. “Getting' Greasy With It” é outra composição de McCray muito bem interpretada por Allman e seus companheiros. A faixa funky, quase instrumental, é repleta de metais e tem a cara de Memphis – o que não surpreende, já que conta com a participação da célebre Memphis Horns, presente em três músicas do álbum. 

Embora Blues Summit tenha sido gravado no Sawhorse Studio em St. Louis, a sonoridade frequentemente remete a Memphis, com “Real Love” sendo mais um exemplo; esta balada soul lenta e sensual, composta por Allman, apresenta a cantora de Nova Orleans, Sierra Green, nos vocais.

Sierra Green

Sierra Green, a poderosa vocalista à frente de Sierra Green and The Giants, é conhecida por sua ampla gama vocal e presença de palco marcante. Green construiu uma reputação como uma artista versátil e apaixonada. Sua banda, Giants, é renomada por suas performances energéticas que misturam elementos de funk, soul e R&B clássico, cativando o público com seus ritmos contagiantes e a voz envolvente de Green.

Nascida e criada em Nova Orleans, Sierra Green se inspira na rica herança musical de sua cidade natal, infundindo suas performances com um toque moderno nos sons tradicionais da soul music. Sua voz evoca o espírito de grandes nomes como Aretha Franklin e Etta James, mas ela incorpora com maestria seu próprio estilo único, criando uma experiência musical revigorante e original.

Larry McCray

Larry McCray é um aclamado guitarrista e cantor de blues, conhecido por seu som cheio de alma e sua habilidade emotiva na guitarra. Nascido em Magnolia, Arkansas, e criado em Saginaw, Michigan, McCray conquistou um lugar de destaque na cena musical do blues com sua voz poderosa e seu virtuosismo na guitarra. Surgindo no final da década de 1980, ele rapidamente chamou a atenção por sua mistura de influências do blues contemporâneo, rock e soul.

O talento e a dedicação de Larry McCray à sua arte lhe renderam amplo reconhecimento e uma legião de fãs fiéis. Notavelmente, McCray foi o primeiro artista a gravar a canção “Soul Shine”, composta pelo lendário músico Warren Haynes. A música, presente no álbum “Delta Hurricane” de McCray, lançado em 1993, demonstra sua capacidade de transmitir emoções profundas tanto por meio de sua voz quanto de seu trabalho com a guitarra, e se tornou uma de suas composições mais marcantes. Com uma carreira que abrange mais de três décadas, Larry McCray permanece uma força vital na música blues contemporânea.

Jimmy Hall

Jimmy Hall, a voz marcante por trás da icônica banda de rock sulista Wet Willie, deixou uma marca indelével no mundo da música com sua mistura singular de blues, rock e R&B. Nascido em Mobile, Alabama, a paixão de Hall pela música era evidente desde jovem, o que o levou a formar o Wet Willie no final da década de 1960. A banda rapidamente ganhou popularidade por suas vibrantes apresentações ao vivo e sucessos que chegaram ao topo das paradas, como "Keep On Smilin'".

Conhecido por sua gaita vibrante e sua voz poderosa e emotiva, as contribuições de Hall para a música vão além de seu trabalho com o Wet Willie. Suas colaborações com artistas lendários como Jeff Beck demonstram ainda mais sua versatilidade e profundo impacto nos gêneros blues e rock. A presença de palco dinâmica de Hall e sua profunda conexão com o som do sul dos Estados Unidos continuam a inspirar novas gerações de músicos e lhe rendem uma reputação merecida como uma verdadeira lenda em sua área. Com uma carreira que abrange décadas, Jimmy Hall permanece uma figura querida no mundo da música, celebrado tanto por sua inovação musical quanto por sua expressividade comovente.

@DevonAllman

Kadavar

Kadavar

A primeira coisa que se nota no power trio alemão Kadavar é o seu visual e sonoridade "setentista". O vocalista Christoph “Lupus” Lindemann, o baixista Simon “Dragon” Bouteloup e o baterista Christoph “Tiger” Bartlet, chamaram atenção pela imponência e forte presença de palco. Vestidos com calças skinny e jaquetas de couro, o trio parece ter vindo direto do túnel do tempo do hard rock. A segunda coisa que se percebe, no entanto, é que a primeira impressão está errada! Apesar da cara de malvados e intimidadores, os integrantes são extremamente simpáticos.

O Kadavar nasceu dentro de um contexto interessante. Christoph “Lupus” Lindemann passou a juventude na Alemanha Oriental, nascido à sombra do Muro de Berlim, em uma pequena cidade perto da fronteira entre as duas Alemanhas. Quando o Muro caiu, ainda em sua infância, as coisas aos poucos foram mudando. Seu pai, um marceneiro, comprou-lhe um violão e, assim que atingiu a maioridade, Lindemann saiu de casa e se mudou para Berlim.

O baterista Christoph “Tiger” Bartlet, que já conhecia o baixista Simon “Dragon” Bouteloup, conhecido no álbum de estreia apenas como Mammut, haviam tocado juntos em uma banda de rock francesa chamada: Aqua Nebula Oscillator. "Tiger" era um verdadeiro conhecedor de música, desde cedo ouvia muitos discos dos Beatles, pois cresceu sob a influência da enorme coleção de seus pais. Num acaso, Lindemann e Bartlet se conheceram em Belim, que prontamente criaram um laço musical e começaram a compor juntos.

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' História da banda e cronologia '

Em 2010, o baterista Christoph "Tiger" e o guitarrista Philipp começaram a tocar juntos. Eles se tornaram uma banda quando Christoph "Lupus" entrou como baixista e vocalista. Lupus decidiu mudar para guitarra, permitindo Mammut mudar para o baixo. Suas primeiras gravações, foram uma junção de duas músicas gravadas em um disco pirata, que fora lançado em 25 de agosto de 2011 com as faixas "Forgotten Past" e "Black Sun".

Em julho de 2012, já com algumas canções elaboradas, o Kadavar lança seu álbum de estreia chamado: "Kadavar", gravado pelo selo This Charming Man Records e Tee Pee Records em formatos de CD e LP.

Devido a problemas de visto, uma turnê planejada EUA não poderia ser realizada, embora a banda tenha se apresentado em 15 de março de 2013 no South by Southwest em Austin, Texas. Ainda em Texas, a banda gravou vários vídeos de si mesma, que mais tarde fora usado para montar o videoclipe da música "Come Back Life".

Em julho de 2013, Mammut saiu da banda (por motivos pessoais) sendo substituído por Simon “Dragon” Bouteloup, vindo da banda The Oath. Depois de várias performances ao vivo, Dragon foi finalmente anunciado como membro oficial.

O segundo álbum da banda, Abra Kadavar, foi lançado em 12 de abril de 2013 pela Nuclear Blast, estreando em 42º nas paradas germânicas.

No início de 2014, Kadavar começou uma turnê com a banda australiana de estilo musical similar, Wolfmother. Em julho de 2014, Wolfmother aproveitou a companhia dos colegas e gravou algumas músicas no estúdio de Kadavar. Em 6 de Junho de 2014, Kadavar realizou seu primeiro álbum ao vivo chamado de Live in Antwerp.

Em junho de 2015, o Kadavar anunciou seu terceiro álbum intitulado Berlin, divulgando em sua fan page e nas redes sociais. Lançado em 21 de agosto pela Nuclear Blast, o álbum incluiu um cover da música "Reich der Träume", da cantora alemã Nico, como faixa bônus. O álbum entrou em muitas paradas em diversos países, atingindo o 18º lugar nas paradas germânicas e 40º lugar nas da Bélgica.

Em 2015, o baterista Bartelt coescreveu a música "Wedding" com Andrew Stockdale. Ela foi lançada em 19 de fevereiro de 2016 como faixa bônus do quarto álbum do Wolfmother, Victorious. O quarto álbum do Kadavar, Rough Times, foi lançado em 29 de setembro de 2017. O disco têm uma bateria poderosa e muitos riffs com distorção, notadamente ótimas influências de Led Zeppelin e Black Sabbath.

Seu quinto álbum, For the Dead Travel Fast , foi lançado em 11 de outubro de 2019. Nesse álbum a banda deixa suas letras e composições bem pesadas. As melhores são a – quase – balada “Dancing With Me Dead”, “Evil Forces” com um ótimo solo de guitarra no final e “Poison”, que é inspirada no poeta gótico alemão Gottfried August Bürger. A lenta e arrastada “Long Forgotten Song” com seus mais de sete minutos (é a mais longa do disco), vale ouvir com muita atenção.

Em sua própria gravadora, Robotor Records, Kadavar lançou um single com o Lucifer em 19 de março de 2021, para o qual contribuíram com um cover de " The Green Manalishi (With the Two Prong Crown) " do Fleetwood Mac. Em março de 2023, Kadavar anunciou que Jascha Kreft, do Odd Couple, havia se juntado oficialmente à banda na guitarra e no teclado.

Em 2025, a banda lança dois ótimos álbuns num espaço de seis meses. O primeiro "I Just Want To Be A Sound", um disco pela liberdade, transformação e presença. Linhas mais focadas no puro rock, com momentos pop misturados com paisagens sonoras cinematográficas. Reinventando-se sempre a banda entrega um som que soa livre, capturando o espírito de uma banda em pleno vôo criativo.

O segundo "Kids Abondoning Destiny Among Vanity and Ruim", é um álbum pesado e de hard rock, onde os elementos vibrantes do álbum anterior se transformaram em uma jornada musical sombria e melancólica que atinge seu ápice no final explosivo. Com “Kids Abandoning Destiny Among Vanity and Ruin”, o Kadavar adicionou mais uma joia à sua discografia, expandindo sua abordagem musical sem perder a essência de sua própria identidade. Uma coisa é certa: a qualidade se mantém do início ao fim.