Paul Kossoff

PAUL KOSSOFF

' um alquimista de timbres '

Existem guitarristas que conseguem tocar mais notas do que Paul Kossoff. Existem guitarristas que conseguem tocar mais rápido, com mais precisão, com maior alcance técnico e maior fluência em diversos gêneros. Nenhum deles, porém, jamais conseguiu fazer com que uma única nota sustentada soasse da mesma forma que Kossoff conseguia.

Ele tinha 20 anos, estava em um palco no Festival da Ilha de Wight diante de cerca de 600.000 pessoas, segurando uma Les Paul que havia sido reduzida à madeira crua — e tocava como um homem com o dobro da sua idade que já havia sobrevivido a algo terrível.

Esse é Paul Kossoff. Um metro e meio de altura, dolorosamente tímido fora do palco, uma força de proporções geológicas quando ligava o instrumento. Enquanto Eric Clapton e Jimmy Page colecionavam capas de revistas, Kossoff fazia algo que nenhum dos dois conseguia replicar completamente: ele fazia cada nota soar como se fosse a última que ele tocaria.

O vibrato. O sustain. A maneira como ele se entregava a um bend e o mantinha ali enquanto os amplificadores Marshall pressurizavam a sala ao seu redor. Angus Young o citou. Joe Bonamassa construiu uma carreira buscando ecos de seu timbre. Gary Rossington, do Lynyrd Skynyrd, disse sem rodeios: “Paul Kossoff foi uma grande influência. Aliás, para qualquer pessoa interessada em guitarra blues pesada naquela época, Paul era uma grande influência.”

Ele morreu aos 25 anos. Deixou para trás alguns discos e um timbre de guitarra que ninguém jamais conseguiu replicar completamente.

Este é o equipamento dele. Esta é a história por trás do som. E é por isso que ele ainda importa.
Contexto: Seis anos de violão clássico, uma noite com Clapton e tudo mudou.

Paul Francis Kossoff nasceu em 14 de setembro de 1950 em Hampstead, Londres, em uma família ligada ao teatro. Seu pai, David Kossoff, era um ator britânico renomado. A família era culta, intelectual e provavelmente não esperava produzir um dos guitarristas de blues-rock mais autênticos que a Inglaterra já viu.

Aos nove anos, Kossoff começou a ter aulas de violão clássico com Blanche Monroe. Estudou por seis anos — até os quinze — desenvolvendo a base técnica de controle dos dedos, disciplina de fraseado e consciência tonal que mais tarde se tornariam a espinha dorsal de seu estilo elétrico. Essa formação clássica não é mera nota de rodapé. Ela explica a precisão de seu vibrato, a economia na escolha das notas e a maneira como cada frase soa completa e ponderada, em vez de improvisada e descuidada.

Em dezembro de 1965, tudo mudou. Kossoff assistiu a um show de Eric Clapton com os John Mayall's Bluesbreakers no The Refectory, em Golders Green, noroeste de Londres. Ele tinha 15 anos. O que ouviu naquela noite transformou completamente sua mente. Saiu de lá querendo uma Gibson Les Paul — a mesma guitarra que Clapton estava tocando — e logo começou a trabalhar na loja de música Selmer's, na Charing Cross Road, juntando dinheiro para comprar a original.

Sua primeira Gibson foi uma Les Paul Junior de 1957 na cor TV Yellow — a mais barata que ele conseguiu encontrar. Depois veio uma Les Paul Custom de 1954 com dois captadores P-90, supostamente pertencente ao próprio Clapton. Kossoff passava horas debruçado sobre ela, transcrevendo riffs de blues, estudando cada bend, slide e vibrato que conseguia encontrar em gravações.

Em 1966, ele formou a banda de blues Black Cat Bones, que começou a se apresentar nos clubes de Londres. A banda fazia shows de abertura para o Fleetwood Mac regularmente, e Kossoff passava horas improvisando com Peter Green — outro guitarrista cuja economia e profundidade emocional deixariam uma marca permanente em sua abordagem. Na plateia de um show do Black Cat Bones, o baterista Simon Kirke ouviu algo que estava procurando e abordou Kossoff no bar depois.

Em abril de 1968, Kossoff e Kirke juntaram-se ao vocalista Paul Rodgers e ao baixista Andy Fraser para formar o Free. Kossoff tinha 17 anos. Ele tocava guitarra elétrica havia apenas dois anos. Mas soava como se fizesse isso há vinte.

Paul Rodgers, que ouviu Kossoff tocar pela primeira vez em um clube de blues em Finsbury Park, descreveu a experiência com precisão: “Ele trouxe o violão e fizemos uma jam session — uma jam de tirar o fôlego. Tocamos 'Stormy Monday Blues', B.B. King e algumas outras músicas, e foi como se o tempo tivesse parado. Quando saímos do palco, eu disse a ele: 'Cara, precisamos formar uma banda.'”

O vibrato — a assinatura inconfundível.

Esse é o mistério central de sua forma de tocar, e tudo começa com o vibrato.

O vibrato de Kossoff é uma das técnicas mais discutidas e menos imitadas na história da guitarra rock. É rápido — excepcionalmente rápido para um guitarrista de sua época, cuja maioria preferia um vibrato amplo e lento, na tradição de B.B. King. Mas também é controlado: não um tremor nervoso ou uma oscilação aleatória, mas uma oscilação deliberada e ritmicamente precisa que adiciona uma qualidade vocal, quase chorosa, às notas sustentadas.

Ele usava o dedo indicador para o vibrato, complementando-o com o anelar para maior força e controle. Em suas próprias palavras: “Eu faço o trinado com o indicador, o médio e o anelar, e o bend principalmente com o mínimo. Uso o indicador para o vibrato.” Essa não é a abordagem padrão do blues (que normalmente usa o anelar para o vibrato enquanto o indicador pressiona a corda). É uma técnica que ele desenvolveu, refinada ao longo de anos de prática deliberada, e que produz uma qualidade de movimento distintamente diferente — mais rápida, mais precisa, mais incisiva.

Simon Kirke descreveu isso simplesmente como a capacidade de "chorar cada nota". Essa é uma descrição tão precisa quanto qualquer análise técnica.

Nota sobre o tom: Seu vibrato nunca foi mero enfeite. Era o conteúdo emocional da frase, transmitido através da técnica física.

Guitarras: Burst, Customizadas e aquela que mudou de mãos com Clapton.

A história dos equipamentos de Kossoff é enganosamente simples à primeira vista — Les Paul, Marshall, e pronto — mas por trás desse resumo de três palavras reside uma história surpreendentemente detalhada de guitarras específicas com histórias específicas, escolhas de amplificadores que variaram mais do que a mitologia sugere, e um músico obcecado por vibrato que trabalhou mais no timbre do que a maioria das pessoas imagina.

As primeiras guitarras: Construindo rumo a  explosão.

Antes das famosas Les Pauls, houve uma série de instrumentos que contam a história de um adolescente trilhando seu caminho até a guitarra que o definiria. Primeiro, uma guitarra elétrica Eko 500 barata — sua primeira guitarra, com o que ele descreveu como um "acabamento dourado sem graça". Depois, a Les Paul Junior amarela, comprada após meses de economias do emprego na Selmer's. Em seguida, a Les Paul Custom de 1954 com captadores P-90 — supostamente pertencente a Clapton — que ele tocou durante seus anos com o Black Cat Bones e nos primeiros dias do Free.

A Custom apresentava um captador single-coil P-90 na ponte e um P-90 Alnico "clássico" na posição do braço. Não era o som de humbucker que ele buscava — ainda pendia mais para o lado do jazz no espectro tonal — mas o levou aos shows e o ensinou sobre a arquitetura da guitarra enquanto ele juntava dinheiro para algo melhor.

A “Kossoff Burst” — A Gibson Les Paul Standard de 1959.

Na primavera de 1969, Kossoff adquiriu uma Gibson Les Paul Standard sunburst de 1959. As circunstâncias exatas da aquisição não são claras — provavelmente uma troca, considerando suas finanças limitadas na época — mas o que aconteceu em seguida com aquela guitarra é uma das histórias de instrumentos mais documentadas e mitificadas da história do rock britânico.

Em algum momento no início de sua posse, Kossoff — ou possivelmente um proprietário anterior — removeu o acabamento sunburst do tampo de maple até expor a madeira crua e aplicou uma camada transparente. O resultado foi o que ficou conhecido como "Stripped Top" ou "Kossoff Burst" — uma Les Paul Standard com acabamento natural que exibia o tampo de maple figurado em toda a sua glória. A parte traseira conservava vestígios do acabamento marrom, e resíduos de laca vermelha na cavidade dos controles indicam que a guitarra originalmente tinha um acabamento sunburst.

Esta é a guitarra vista no Festival da Ilha de Wight em 30 de agosto de 1970, onde o Free se apresentou para um público estimado entre 600.000 e 700.000 pessoas, ao lado de bandas como The Who e Jimi Hendrix. É quase certo que seja a guitarra ouvida em “All Right Now”. E seus captadores PAF — com resistência de 8,52 kΩ no braço e 7,43 kΩ na ponte, com raros ímãs de Alnico III — são uma parte significativa do motivo pelo qual esse timbre soa da maneira que soa. Aberto, dinâmico, harmonicamente complexo e responsivo ao mais leve toque de vibrato.

A história da guitarra torna-se trágica a partir de 1974. À medida que o vício em drogas de Kossoff se intensificava, ele foi forçado a vender instrumentos para sustentar o seu vício. A Kossoff Burst foi vendida a um homem chamado Mike Gooch por £500 em setembro de 1974 — com os trastes tão desgastados que o pai de Gooch o repreendeu severamente por gastar tanto dinheiro numa guitarra tão velha. Kossoff tentou, sem sucesso, comprá-la de volta em 1975. Ele morreu em 1976 sem a ter recuperado.

Em 2012, a Gibson recriou a guitarra como uma edição limitada da Paul Kossoff 1959 Les Paul Standard, utilizando sua própria análise do instrumento original — incluindo os captadores Alnico III PAF — para capturar a ressonância e o caráter tonal específicos que a tornaram lendária.

Nota sobre o timbre: A remoção da camada de verniz original não é apenas estética. A alteração na ressonância da madeira a tornou mais aberta, mais responsiva, mais vibrante. O melhor timbre de Kossoff pode ter sido, em parte, acidental.

O “Darkburst” de 1958 — The Clapton Trade.

Por volta de julho ou agosto de 1969 — enquanto o Blind Faith estava em sua fatídica turnê pelos EUA — Kossoff trocou sua Les Paul Custom de 1954 com Eric Clapton por uma Les Paul Standard de 1958 com acabamento dark sunburst. O modelo exato da guitarra que Clapton recebeu é debatido desde então: Clapton mais tarde deu uma Les Paul Custom de três captadores para Albert Lee por volta de 1979, mas nunca foi comprovado conclusivamente se era a Custom de Kossoff ou um instrumento diferente.

O que fica claro é que o acabamento darkburst de 1958 tornou-se parte do arsenal de Les Pauls de Kossoff durante a era de "Fire and Water and Highway", adicionando mais um toque do timbre PAF do final dos anos 50 à sua paleta de estúdio. As Les Pauls darkburst de 1958 tendem a ter um caráter ligeiramente mais quente e escuro do que as flame tops mais brilhantes de 1959 — diferentes graus de ímãs Alnico, diferentes tensões dos fios no enrolamento dos captadores, variações sutis que se somam a uma sonoridade perceptivelmente diferente.

A Les Paul "Stripped Top" — A guitarra da Ilha de Wight.

Separada da Kossoff Burst acima — ou possivelmente a mesma guitarra, dependendo da versão que você consultar — existe a Les Paul com acabamento natural simplificado que Kossoff tocou na Ilha de Wight e usou na apresentação de "All Right Now" no programa Top of the Pops. 

Seu ano exato de fabricação (1958, 1959 ou 1960) permanece incerto devido à perda do número de série durante um processo de restauração. Kossoff vendeu esta guitarra em setembro de 1974 por £500 para Mike Gooch, que mais tarde a vendeu para Arthur Ramm por £1.000. Seu atual proprietário permanece anônimo.

A “Kossoff Burst” de 1959 — A guitarra quebrada e trocada.

Uma segunda Les Paul Standard de 1959 documentada, que fazia parte da coleção de Kossoff, teve um fim dramático. Ao término do último show do Free em 1972 — a noite em que a banda efetivamente se separou — Kossoff jogou a guitarra para o alto e se afastou enquanto ela caía, rachando o headstock. Ele então foi até Arthur Ramm, cuja banda Beckett havia sido a banda de abertura, e trocou a Les Paul de 1959 danificada pela Les Paul Goldtop de 1968 de Ramm, que estava no camarim. A Burst quebrada foi consertada pelo luthier londrino Sam Li, mas o conserto infelizmente fez com que o número de série original do headstock fosse perdido.

A Les Paul Custom de 1954 (Black Beauty) — A guitarra de Clapton.

Essa era a guitarra mais valiosa de Kossoff durante seus anos com o Black Cat Bones e os primeiros tempos do Free. Uma Custom pré-humbucker equipada com captadores P-90 — supostamente pertencente a Clapton — ela lhe proporcionava um timbre mordaz, com influências de jazz, que contrastava com o som mais encorpado das Standard sunburst. Ele acabou trocando-a com Clapton pela darkburst de 1958 em 1969.

Outras guitarras na coleção de Kossoff

Gibson ES-335 (braço em bloco, década de 1960) — Usada durante a era Fire and Water para timbres específicos em camadas; contribui com o caráter quente de guitarra semiacústica audível em certas faixas do álbum Free.

Gibson Les Paul Custom (meados da década de 1950, três captadores) — Uma Custom preta de três captadores usada separadamente, juntamente com as Bursts, durante as gravações de Tons of Sobs com amplificadores Marshall e Laney.

Fender Stratocaster (Branca, composta) — Um braço de Stratocaster de 1957 em um corpo de 1960 com captadores de 1964 e um escudo verde-menta. Usada no videoclipe de “My Brother Jake” (1970) e na capa de seu álbum solo Back Street Crawler. Esta é provavelmente a guitarra que Dave Murray, do Iron Maiden, comprou posteriormente por £1.400 em 1976 — um fato que diz tudo sobre o calibre dos instrumentos que Kossoff possuía.

Les Paul Burst (1958–1960) — Kossoff possuía e tocava várias 'Bursts ao longo de sua carreira, uma tigerstripe de 1958/59 usada com Black Cat Bones, uma sunburst vermelha brilhante de 1960 (vista no vídeo de “The Stealer”) e outras que passaram por suas mãos à medida que o vício o forçava a vendê-las.

Gibson Hummingbird / Guild Acoustic — Violões usados ​​para compor músicas. Em sua última entrevista para a revista Guitar Player, em 1976, ele mencionou um violão Guild que ganhou dos membros do Back Street Crawler quando estava doente, e que ele considerava o melhor violão que já havia possuído.

Gibson Les Paul Junior (TV Yellow, 1957) — Sua primeira Gibson de verdade, comprada com a economia que fez na Selmer's.

Amplificadores e Gabinetes: Marshalls, Laneys e autorais.

Durante a maior parte da carreira de Free, o amplificador de palco de Kossoff era um Marshall. É sabido que Kossoff e seu pai, David, construíram um de seus gabinetes Marshall sozinhos. David Kossoff, o célebre ator britânico, aparentemente ajudou o filho a construir um gabinete de alto-falante — um detalhe que humaniza consideravelmente ambos.

Nota sobre o timbre: Cabeçote Super Bass, alto-falantes de graves. É mais encorpado, escuro e cheio do que a configuração padrão de guitarra da Marshall. Isso não é por acaso — é a arquitetura do timbre de All Right Now.

PAUL KOSSOFF

Era o Espaço — Menos Como Declaração. 

O Free era um quarteto com dois dos melhores músicos do rock britânico: Andy Fraser (baixo) e Paul Rodgers (vocal). Kossoff compreendeu intuitivamente que seu papel não era preencher todas as frequências disponíveis, mas sim ocupar o espaço deixado pelos outros três e fazer com que esse espaço fosse relevante.

Seus solos são modelos de contenção. Ouça “All Right Now”, “Mr. Big”, “Fire and Water” — as linhas de guitarra são melódicas no sentido de composição, não no sentido de improvisação. Ele não está tocando escalas. Ele está cantando. Cada frase tem um início, desenvolvimento e resolução claros. Ele chega a uma nota, aplica o vibrato, a sustenta por um tempo que parece uma eternidade, e então passa para a próxima.

Essa abordagem ao espaço — deixando espaço entre as frases, permitindo que o amplificador respire, deixando que as notas sustentadas completem seu decaimento natural antes da próxima — cria a qualidade hipnótica e pressurizada que define o melhor material do Free. É fraseado de blues no sentido mais profundo: não rápido, não agitado, não demonstrativo. Simplesmente verdadeiro.

"Kossoff compreendeu que o silêncio entre as notas não é ausência. É tensão. E é a tensão que dá importância à próxima nota"

Blues Britânico

 Invasão Britânica

do Blues

e o surgimento do Pop/Rock

Conquistando o continente:

No início da década de sessenta era dada a largada para um dos maiores fenômenos da música popular do século XX, a Invasão do Blues na europa. Movimento no qual levou as bandas britânicas de rock tomaram de assalto as rádios e TVs dos estados unidos e espalharem pelo mundo a segunda disseminação global do Rock 'n' Roll. Liderada pelos pioneiros The Beatles, a Invasão Britânica revelou ao mundo bandas famosas que se tornaram lendárias do rock como os The Rolling Stones, The Who e Pink Floyd. 

Os jovens britânicos foram resgatados pelo som cru e visceral advindo do Blues  desenvolvido pelos afro-americanos que atravessaram o oceano atlântico desembarcando na europa no início da década de sessenta. Muddy Waters, John Lee Hooker, Sonny Boy Williamson II e Willie Dixon são alguns dos "bluseiros" que conquistaram a europa através de shows pré-agendados entre 1959 e 1960.

O primeiro momento da invasão:

O mundo não estava esperando, e em 07 de fevereiro de 1964, a banda britânica da cidade de Liverpool, The Beatles, já fazia sucesso na Europa e aportou nos EUA pela primeira vez para uma mini turnê. Sem esperar, os jovens foram virados de cabeça para baixo. Literalmente da noite para o dia, os Beatles se transformaram no maior fenômeno popular de música que aquele país já vira. Milhares de jovens invadiram o Aeroporto Internacional JFK, em Nova York; suas canções monopolizaram as rádios de costa a costa; seus discos atingiram cifras de vendagens jamais vistas; sua primeira aparição na TV norte americana – no programa The Ed Sullivan Show marcou uma audiência recorde com 73 milhões de telespectadores. Foi uma loucura apelidada de "beatlemania"! Além de ser um fenômeno, os The Beatles foram apenas o começo.

Depois do primeiro contato com o quarteto de Liverpool, descobriram que a Grã-Bretanha produzia dezenas de bandas com aquela nova sonoridade, um rock enérgico, levado nas guitarras elétricas e reforçado com vozes fortes e harmônicas. Logo, vários outros grupos ingleses passaram a dividir a atenção do público e da mídia: The Rolling Stones, The Animals, The Kinks, The Hollies, The Dave Clark Five e The Yardbirds chegaram logo em seguida. A Invasão Britânica criou não apenas um fenômeno social, musical e cultural, ela criou o rock que conhecemos hoje. Definiu as bases de um gênero musical que, muito mais do que apenas música, virou um estilo de vida e contra-cultura.

As influências do movimento:

O Rock 'n' Roll desenvolvido nos estados unidos na década de 1950 foi se popularizando, cativando um público cada vez maior; e das pequenas gravadoras independentes saltou para as grandes gravadoras, as rádios nacionais, a TV e o sucesso internacional. Artistas como Bill Harley and His Comets, Elvis Presley, Little Richard, Chuck Berry, Buddy Holly, Jerry Lee Lewis fizeram a transição e viraram ídolos do estilo.

Conquistando a mídia a partir de 1954, o rock se torna um fenômeno mundial em 1956. Tudo isso foi fruto de um grande intercâmbio de gêneros musicais “raiz”, ou seja, populares, que se combinaram nos interiores do país e se popularizaram nos grandes centros urbanos. 

A mistura do Jazz, Blues, Rhythm'n Blues, Country and Western e a música Folk se fundiram entre os pretos e os brancos para consagrarem esse gênero. Porém, tão rápido e intenso eles brilharam, tão logo desapareceram. Em 1959, muitos ícones do rock 'n' roll estavam enfrentando problemas pessoais, e por vários motivos eles simplesmente não estavam conseguindo mais manter o mesmo sucesso nas rádios. Seria o fim do Rock?

Do outro lado do atlântico, na Grã-Bretanha, o rock and roll também fez sucesso a partir de 1956. Mas causou um efeito diferente. A Inglaterra diante das consequências da segunda guerra mundial, ainda sofria com racionamento, pobreza e falta de perspectiva para os mais jovens. O rock era o que eles precisavam. Mas a Grã-Bretanha ainda não tinha um grande aparelho de mídia como o que já existia nos EUA. A TV era controlada pela BBC. O rádio também. A programação radiofônica era restrita ao que o governo julgasse “digno” de ser ouvido. Rock era considerado ofensivo. Não tocava no rádio. Só existiam quatro gravadoras de discos e não havia gravadoras independentes. Os jovens não tinham dinheiro para comprar uma guitarra elétrica, por exemplo, pois teria que importar o instrumento. Então o rock, a princípio, foi um movimento totalmente marginal e subversivo.

Na entrada da década de 1960, vai se criando todo um cenário libertador e revolucionário entre os jovens, mas foi preciso chutar a porta para que a música e as artes em geral pudessem ganhar espaço.

Alguns ingleses já extasiados com o recém-descoberto "Blues" afro-americano, com elementos e o swing do Funk de James Brown e a sensualidade da Soul Music de Mavin Gaye e Ray Charles, inicia-se um caldeirão fervilhante de ideias. O estilo estava ficando cada vez mais frenético, pulsante e sensual, era o renascimento do Rock and Roll! Na europa, o rock também bebeu em outras fontes: na música sinfônica europeia; na música popular anglo-saxônica. O Jazz e o Blues já faziam muito sucesso entre os intelectuais; e a combinação do blues rural com sua herança popular deu origem ao Skiffle, um gênero tipicamente inglês: rápido, rústico e rasgante. Essa foi a base fundamental que fez o rock inglês ser diferente do rock americano.

Desbravando o mundo:

Ensaios de roqueiros ingleses como Cliff Richards and the Shadows, por exemplo, no início dos anos 1960, logo vira uma verdadeira cena roqueira capitaneada pelos The Beatles. O quarteto formado em Liverpool, no norte do país, região mais atrasada, provinciana e pobre, precisou de muita insistência e perseverança para romper a barreira imposta pela capital Londres. Mas isso se desfez logo após o retorno da banda na passagem de muito sucesso por Hamburgo, na Alemanha. O lançamento de seu primeiro disco, em 1962, torna-se um grande fenômeno de vendas no país. E não demora para o sucesso escoar pelo resto da europa.

O sucesso dos Beatles chamou a atenção das gravadoras e abriu o caminho para toda uma horda de bandas que estavam esperando para estourar. Num primeiro momento, a própria região de Liverpool providenciou uma enorme gama de artistas, como Garry and the Peacemakers, Billy J. Kramer and the Dakotas, The Fourmost, Cilla Black e The Hollies.

O compacto "I Want to Hold your Hand" chegou ao primeiro lugar das paradas dos EUA e se transformou no maior fenômeno de vendas que o país já vira. Como n.º 1 nas rádios, os Beatles decidiram ir ao país se apresentar. Curiosamente, devido ao pouco tempo, os Beatles agendaram apenas uma mini-turnê, que envolvia apenas dois concertos, no Colliseum de Washington, DC e no Carnegie Hall em Nova York. Três apresentações no programa televisivo de Ed Sullivan também foram agendadas. Um marco histórico.

Em vista o grande sucesso e domínio do rock inglês nas rádios americanas durante o ano de 1964, as gravadoras americanas começaram a investir e bandas de rock começaram a brotar pelo país. Assim, em 1965, surgem bandas como The Beach Boys, The Byrds, Simon & Garfunkel e The Mamas and the Papas acompanhando as tendências.

Até o músico e compositor Bob Dylan, um puritano da música Folk, experimentou o "rock elétrico". Conhecido por suas letras poéticas e politizadas, por canções calmas e acústicas, também foi influenciado por essa invasão e aderiu a guitarra elétrica em certo momento. Criou o chamado "Folk-Rock", que seria a misturas dos dois estilos. Na época, causou um pouco de revolta entre alguns puritanos da música folk, porém ele se transformou mundialmente conhecido.

O Blues domina Londres:

Paralelamente, a capital Londres começara a gestação de uma outra cena musical, mais pautada na influência do Blues e R&B. Figuras muito importantes como os músicos Alexis Korner e Cyril Davies abrem as portas para que artistas "bluseiros" norte americanos entrassem no circuito de bares e festivais na capital londrina. Inclusive, Alexis Korner é considerado o "Pai do Blues Britânico". 

A banda John Mayall & The Bluesbreakers, importantíssima na cena, foi a chamada "Escola de Blues". John Mayall, pouco mais velho que a rapaziada, recrutava jovens músicos e instrumentistas interessados no estilo para tocarem em sua banda. Muitas experimentações foram feitas na banda e muitos músicos ficaram famosos mais tarde como os guitarristas Peter Green, Eric Clapton e Mick Taylor. 

Outras bandas também se formaram, pelo menos no início, para tocar o "Blues Raiz" afro-americano, e, assim, desenvolverem mais profundamente o blues britânico. The Rolling Stones, The Animals, The Yardbirds, The Pretty Things, The Manfred Mann são alguns exemplos de bandas "blues" que estouraram nas paradas entre 1963 - 1965. 

A sonoridade dessas bandas era bastante diferente do rock and roll dos anos cinquenta, e se transformou na principal referência para todo o rock que veio a seguir. Por isso, o rock tal qual o conhecemos hoje – com as bandas que ouvimos atualmente – é  fruto da Invasão Britânica.

O segundo momento da invasão: 

Apesar da qualidade sonora até ali criada, os britânicos continuaram a elevar o Blues-Rock após 1965. Bandas como The Yardbirds, The Who, The Spencer Davis Group, The Small Faces e Jeff Beck Group do virtuoso guitarrista Jeff Beck, fazem uma fusão excelente para o rock mais comercial. Já bandas como: Free, The Graham Bond Organization, Chicken Shack, Peter Green’s Fleetwood Mac e Savoy Brown, elevam a qualidade do "Blues Inglês".

Os The Rolling Stones mostravam uma imagem rebelde, um rock mais sujo no sentido sonoro, muita sensualidade interpretada pelo vocalista Mick Jagger, e emplacou sucessos como The Last Time, I Can’t Get No Satisfaction e Get Off of My Cloud. Os Yardbirds colocavam a guitarra no centro do palco, primeiro com Eric Clapton, depois com seu substituto, Jeff Beck, popularizando os efeitos de distorção e feedback, e depois Jimmy Page, fundador da banda Led Zeppelin mais tarde.

O The Who fazia um som poderoso de guitarra, baixo e bateria. Performance inquieta e intensa, volume no talo e letras provocativas como na música My Generation, "prefiro morrer jovem à envelhecer". A banda foi a primeira a quebrar os instrumentos nos shows, Pete Towshend foi o primeiro músico a destruir sua guitarra no palco, tudo era simbolgia de insatisfação e rebeldia juvenil.

Nos EUA, no berço do blues elétrico, Chicago, a banda The Paul Butterfield Blues Band do gaitista Paul Butterfield, assinou contrato com a Elektra Records depois de adicionar o guitarrista Michael Bloomfield. Seu álbum homônimo foi lançado em 1965. Depois de várias mudanças na formação e no estilo musical da banda, Paul iniciou uma carreira solo nos anos setenta.

Outra banda muito importante no blues norte americano, o Canned Heat, de Los Angeles,  inovou na sua criação em 1965, na época era uma das poucas bandas de blues formadas apenas por brancos, muita originalidade tanto em covers de blues quanto nas composições próprias. As músicas são baseadas em artistas clássicos de blues, como Robert Johnson, John Lee Hooker, Skip James, entre muitos outros.

O resultado da combustão musical e a chegada da "Cultura Hippie":

Apesar das diferenças culturais e estéticas, a Invasão Britânica e o estilo americano começaram a se fundir em 1966 para formar o chamado Psicodelismo, a estética marcada pelas cores abundantes, a música experimental, a apologia de liberdade às drogas e o nascimento do movimento hippie. A importância de artistas como Janis Joplin, Jefferson Airplane, Vanilla Fudge, Iron Butterfly e The Doors mostram a qualidade americana nesse estilo. E grandes nomes do Psicodelismo da Grã-Bretanha são Moody Blues, Pink Floyd, Cream e Traffic. Sem falar na adesão de artistas “veteranos” como os Rolling Stones e Beatles.

Algumas bandas como os americanos The Beach Boys com o álbum “Pet Sounds” de 1966 precursor do estilo, The Rolling Stones com “Their Satanic Majesties Request” de 1967 e The Beatles com o álbum Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band de 1967 entraram de cabeça na música psicodélica e demonstram o poder sonoro da lisergia.

A chegada do virtuosismo:

A maior revolução e inovação da guitarra e consequentemente todos os instrumentos e equipamentos da época vieram de um americano chamado Jimi Hendrix. Após emigrar para a Inglaterra em 1966 e formar uma banda britânica, a “The Jimi Hendrix Experience”, vira um fenômeno mundial entre músicos e críticos da indústria. Jimi Hendrix revolucionou a sonoridade e o modo de tocar guitarra, abriu as portas para o som mais pesado que viria na próxima década misturando todos os estilos. Depois dele nada seria a mesma coisa.

O psicodelismo, para alguns músicos e bandas, apontaria para um futuro estilo que chegaria. Encantaria as pessoass com as viagens sonoras, capas coloridas e muita experimentação instrumental misturando várias vertentes. Esse estilo seria conhecido em breve por "Rock Progressivo", que seria representado por bandas pioneiras do estilo como: Pink Floyd, The Soft Machine, Jethro Tull, Yes, Atomic Rooster, King Crimson e Emerson, Lake & Palmer.

Importante destacar que todos esses estilos e rumos do rock estavam explodindo por toda a Europa, nos apresentando artistas e bandas fantásticas por inúmeros países.

Os novos rumos:

A década de 1960 foram muito dinâmicos e intensos. Muitas bandas produziram muito e duraram pouco. Outras mudaram ou adaptaram-se em outros estilos. Pioneiros como The Animals, The Yardbirds e The Hollies mal sobreviveram até a ano de 1967, encerrando as atividades ou desaparecendo da grande mídia. Alguns artistas ficaram  muito famosos e conseguiram sucesso em vários projetos diferentes ou tiveram grande sucesso em suas carreiras solos. 

Vale destacar aqui a banda pioneira do estilo chamado Blues-Rock, no formato "Power Trio", (banda de sonoridade pesada com apenas três músicos: guitarra-baixo-bateria), o Cream. Ao final dessa banda em 1969, por exemplo, os três grandes músicos fazem outros projetos e carreiras solos brilhantes. Jack Bruce (vocalista e baixista), Eric Clapton (guitarrista) e Ginger Baker (baterista), formaram depois outras bandas com muito destaque e depois álbuns solos maravilhosos.

Outras bandas sobreviveram à passagem do tempo – Beatles, Stones e The Who por exemplo, já produziam uma sonoridade totalmente diferente, madura e ousada com os álbuns White Album e Abbey Road dos Beatles; Beggars Banquet e Let it Bleed dos Rolling Stones e a primeira "Ópera Rock" lançada pelo The Who, o álbum "Tommy". 

Foi a era dos grandes festivais e que rendeu o lendário festival de Woodstock em 1969, com mais de 400 mil espectadores revelou ao mundo artistas como Joe Cocker, Crosby Stills Nash & Young, Santana além de contar com as apresentações de Jimi Hendrix, Janis Joplin e The Who. A américa continuou a produzir excelentes bandas folks e de rock psicodélico como The Band, Creedene Clearwater Revival e Grateful Dead.

As bandas britânicas mudam o rumo novamente:

O surgimento de uma nova sonoridade blues-rock, com fortes riffs de guitarra e muito mais pesados, chamados depois de Hard Rock, transformaram mais uma vez o rock and roll. Esse novo som já vinha sendo lapidado ao longo dos anos por bandas como Cream, The Jimi Hendrix Experience, Ten Years After e Jeff Beck Group, porém, foi a partir do primeiro e segundo disco da banda Led Zeppelin lançados em 1969 que o novo gênero estava fundado.

A partir de 1970, bandas como Deep Purple, Uriah Heep, Black Sabbath, Wishbone Ash, Budgie e Nazareth consolidam o hard rock. 

A partir desse momento viriam ainda muitas e muitas páginas da história do Rock e da música Pop. Inúmeros estilos, sub gêneros e vertentes surgiram e surgem até hoje. Outras cuturas e artes musicais estão sempre se fundindo e criando novas sonoridades. Rock com Reggae, o Reggae com Jazz, o Jazz com o Samba, o Samba com Erudito ... 

"sem a mistura de raízes culturais, a música não seria magnífica e complexa"

O legado:

A importância da Invasão Britânica sequer pode ser medida, pois ela definiu os caminhos do rock e da música pop na atualidade. É uma referência para muitas bandas e artistas do gênero. David Bowie, Elton John e até Michael Jackson rei da música pop surgiram desse legado. A inversão do polo artístico musical global trouxe uma mudança radical à música do século XX e o surgimento de um dos momentos mais importantes da história da música, com a revelação de artistas que estão entranhados no DNA musical das gerações posteriores. 

E tudo isso explodiu em 1963 após a invasão de um quarteto vindo de Liverpool ... 

Long Live Rock!