Ella Fitzgerald: Dica de Álbuns

Seis discos primorosos:

Ella Fitzgerald

Quando o músico tem uma carreira tão extensa como a de Ella Fitzgerald – foram 59 anos em cima dos palcos -, pode ser difícil começar a ouvir seu trabalho.

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Chick Webb with Ella Fitzgerald – Princess of the Savey (1936 – 1939).

“São as primeiras gravações de Ella e seus primeiros sucessos, que de cara arrebataram o público e a crítica. O engraçado é que, nesse começo, ela tentava imitar o estilo de outra cantora, Connee Boswel, de quem era fã desde pequena. Mas é claro que, mesmo sem querer, ela acabou desenvolvendo seu estilo próprio e marcante. Outro fato importante sobre o disco é que, certa vez, a jovem Ella, então com 17 anos, estava caminhando pela rua e ouviu suas músicas tocando em uma loja de discos. Emocionada, ela foi tentar entrar, mas acabou barrada por ser negra”, diz Marques.

Ella sings Gershwin (1950).

“É um disco lindo: Ella cantando as composições do pianista George Gershwin. O disco inteiro é só a voz de Ella acompanhada do piano do Ellis Larkins, um pianista incrível de jazz que faz algo muito difícil: harmoniza-se com a voz da cantora e jamais se sobrepõe a ela. Como este álbum é um dos primeiros, dá para perceber como a voz dela era mais encorpada na juventude do que mais tarde, na velhice, quando se tornou mais fina. Com a maioria das cantoras acontece justamente o contrário, a voz vai engrossando durante a vida”.

Ella and Louis (1956).

“Os dois grandes irmãos do jazz se encontram. Dois gênios do improviso. Na capa, vemos Ella muito verdadeira, tímida e reservada como sempre foi. Ao mesmo tempo, Armstrong está do jeito que o conhecemos: risonho e brincalhão. O LP, além de ter sessões de scat incríveis, é muito divertido, porque os dois são muito eles mesmos durante as canções – então acaba sendo um verdadeiro clássico. É incrível como tanto Armstrong quanto Ella, que sofreram tanto com o problema racial, conseguiam emitir tanta força, beleza e amor em suas músicas”.

Ella in Hollywood (1961).

“Foi gravado ao vivo em Hollywood, com umas 200 pessoas assistindo. Aqui, Ella canta acompanhada de um trio de jazz liderado por Lou Lev, e estava no auge da carreira e da voz. É um desbunde de improvisação: algumas das faixas têm nove minutos de puro improviso dos instrumentos e, claro, de scat [técnica de canto criada por Louis Armstrong]”.

The Complete Ella Fitzgerald Songbooks (1956 -1964).

“Não é exatamente um disco, são oito. Mas não dá para falar de Ella Fitzgerald sem falar de seus songbooks, que eram as coletâneas da cantora interpretando grandes composições de artistas americanos. Os songbooks são verdadeiras lendas, nas quais Ella faz algo bem diferente do bebop, que vinha cantando até então”.

Ella at Duke’s Place (1965).

“Outro encontro de gigantes: a maior voz do jazz e o maior band lider, da maior orquestra de jazz, na minha opinião e de muitos outros. Tem uma energia maravilhosa, memorável, até porque o lado um é romântico e traz músicas mais lentas, e o dois é mais dançante, o que dá um equilíbrio bem legal ao disco, e mostra que Ella era capaz de cantar o que quer que fosse sem colocar a perder sua qualidade vocal”.

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À pedido da Cult, o pesquisador Euclides Marques selecionou os discos que, em sua opinião, são essenciais para compreender a trajetória musical de Ella, nascida há 100 anos. Marques é curador do Vinilcultura, projeto que realiza eventos com o objetivo de popularizar a música em vinil.

@RevistaCult

Ella Fitzgerald

Ella Fitzgerald

' A Dama da Canção '

Apelidada de "A Primeira Dama da Canção", Ella Fitzgerald foi a cantora de jazz mais popular dos Estados Unidos por mais de meio século. Ao longo de sua vida, ela ganhou 13 prêmios Grammy e vendeu mais de 40 milhões de álbuns.

Sua voz era flexível, de grande alcance, precisa e atemporal. Ela conseguia cantar baladas sensuais, jazz suave e imitar todos os instrumentos de uma orquestra. Trabalhou com todos os grandes nomes do jazz, de Duke Ellington, Count Basie e Nat King Cole a Frank Sinatra, Dizzy Gillespie e Benny Goodman.

Ela se apresentou nos melhores locais do mundo todo, sempre lotando. Seu público era tão diverso quanto sua extensão vocal. Era composto por pessoas ricas e pobres, de todas as raças, religiões e nacionalidades. Aliás, muitas delas tinham apenas um fator em comum: todas a amavam.

Humilde, mas feliz começo.

Ella Jane Fitzgerald nasceu em Newport News, Virgínia, em 25 de abril de 1917. Seu pai, William, e sua mãe, Temperance (Tempie), se separaram logo após seu nascimento. Juntos, Tempie e Ella foram para Yonkers, Nova York, onde eventualmente foram morar com Joseph Da Silva, namorado de longa data de Tempie. A meia-irmã de Ella, Frances, nasceu em 1923 e logo começou a se referir a Joe como seu padrasto.

Teatro Apollo, a casa dos artistas negros diante da segregação.

Para sustentar a família, Joe cavava valas e trabalhava como motorista em tempo parcial, enquanto Tempie trabalhava em uma lavanderia e fazia alguns serviços de bufê. Ocasionalmente, Ella também aceitava pequenos trabalhos para contribuir com dinheiro. Talvez ingênua em relação às circunstâncias, Ella trabalhava como mensageira para apostadores locais, recolhendo suas apostas e entregando o dinheiro.

O apartamento delas ficava em um bairro misto, onde Ella fazia amigos facilmente. Ela se considerava mais moleca e frequentemente participava dos jogos de beisebol da vizinhança. Além dos esportes, ela gostava de dançar e cantar com as amigas, e em algumas noites elas pegavam o trem para o Harlem e assistiam a apresentações no Teatro Apollo.

Uma fase difícil.

Em 1932, Tempie morreu devido aos ferimentos graves sofridos em um acidente de carro. Ella ficou muito abalada com a perda. Depois de ficar um curto período com Joe, a irmã de Tempie, Virginia, levou Ella para casa. Pouco tempo depois, Joe sofreu um ataque cardíaco e morreu, e sua irmãzinha, Frances, se juntou a eles.

Incapaz de se adaptar às novas circunstâncias, Ella tornou-se cada vez mais infeliz e entrou em um período difícil de sua vida. Suas notas caíram drasticamente e ela faltava às aulas com frequência. Depois de se envolver com a polícia, foi detida e enviada para um reformatório. Viver lá era ainda mais insuportável, pois sofria espancamentos nas mãos de seus cuidadores.

Por fim, Ella escapou do reformatório. Aos 15 anos, se viu sem dinheiro e sozinha durante a Grande Depressão e lutou para sobreviver.

Nunca de reclamar, Ella refletiu mais tarde sobre seus anos mais difíceis com gratidão por como eles a ajudaram a amadurecer. Ela usou as lembranças desses tempos para ajudar a reunir emoções para as apresentações e sentiu-se mais grata por seu sucesso porque sabia o que era lutar na vida.

Em 1934, o nome de Ella foi sorteado semanalmente no Apollo e ela ganhou a oportunidade de competir na Noite dos Amadores. Ella foi ao teatro naquela noite com a intenção de dançar, mas quando as frenéticas Irmãs Edwards encerraram o espetáculo principal, Ella mudou de ideia. "Elas eram as irmãs que mais dançavam", disse Ella, e sentiu que sua apresentação não se compararia à delas.

Já no palco, sob vaias e murmúrios de "O que ela vai fazer?" da plateia barulhenta, uma Ella assustada e desgrenhada tomou a decisão de última hora de cantar. Ela pediu à banda que tocasse "Judy", de Hoagy Carmichael, uma música que conhecia bem, pois a interpretação de Connee Boswell era uma das favoritas de Tempie. Ella rapidamente acalmou a plateia, e ao final da música, eles pediam um bis. Ela atendeu ao pedido e cantou o lado B do disco das Boswell Sisters, "The Object of My Affections".

Fora do palco e longe das pessoas que conhecia bem, Ella era tímida e reservada. Ela se sentia insegura com sua aparência e, por um tempo, chegou a duvidar de suas habilidades. No palco, porém, Ella se surpreendeu ao descobrir que não sentia medo algum. Ela se sentia em casa sob os holofotes.

“Assim que subi ao palco, senti a aceitação e o carinho do meu público”, disse Ella. “Eu sabia que queria cantar para as pessoas pelo resto da minha vida.”

Naquela noite, a banda contava com o saxofonista e arranjador Benny Carter. Impressionado com o talento natural dela, ele começou a apresentar Ella a pessoas que poderiam ajudá-la a lançar sua carreira. Nesse processo, ele e Ella se tornaram amigos para a vida toda, trabalhando juntos com frequência.

Incentivada por fãs entusiasmados, Ella começou a participar — e a vencer — todos os concursos de talentos que encontrava. Em janeiro de 1935, ganhou a oportunidade de se apresentar por uma semana com a banda de Tiny Bradshaw no Harlem Opera House. Foi lá que Ella conheceu o baterista e líder da banda, Chick Webb. Embora sua voz o tenha impressionado, Chick já havia contratado o cantor Charlie Linton para a banda. Ele ofereceu a Ella a oportunidade de fazer um teste com a banda quando eles tocassem em um baile na Universidade de Yale.

"Se as crianças gostarem dela", disse Chick, "ela fica". Apesar do público exigente, Ella fez um enorme sucesso e Chick a contratou para viajar com a banda por US$ 12,50 por semana.

Em meados de 1936, Ella fez sua primeira gravação. "Love and Kisses" foi lançada pela gravadora Decca, com sucesso moderado. Nessa época, ela já se apresentava com a banda de Chick no prestigiado Savoy Ballroom do Harlem, muitas vezes chamado de "O Salão de Baile Mais Famoso do Mundo".

Pouco depois, Ella começou a cantar uma versão da música "(If You Can't Sing It) You Have to Swing It". Nessa época, a era das grandes bandas de swing estava mudando, e o foco se voltava mais para o bebop. Ella explorou o novo estilo, muitas vezes usando sua voz para assumir o papel de mais um instrumento de sopro na banda. "You Have to Swing It" foi uma das primeiras vezes em que ela começou a experimentar o scat singing, e sua improvisação e vocalização encantaram os fãs. Ao longo de sua carreira, Ella dominaria o scat singing, transformando-o em uma forma de arte.

Em 1938, aos 21 anos, Ella gravou uma versão divertida da cantiga infantil "A-Tisket, A-Tasket". O álbum vendeu 1 milhão de cópias, alcançou o primeiro lugar e permaneceu nas paradas de sucesso por 17 semanas. De repente, Ella Fitzgerald estava famosa.

Encontrando seu próprio caminho.

Em 16 de junho de 1939, Ella lamentou a perda de seu mentor, Chick Webb. Na ausência dele, a banda foi renomeada para "Ella Fitzgerald and Her Famous Band" e ela assumiu a árdua tarefa de líder da banda.

Talvez em busca de estabilidade e proteção, Ella casou-se com Benny Kornegay, um estivador local que a cortejava. Ao descobrir que Kornegay tinha antecedentes criminais, Ella percebeu que o relacionamento fora um erro e anulou o casamento.

Durante uma turnê com a banda de Dizzy Gillespie em 1946, Ella se apaixonou pelo baixista Ray Brown. Os dois se casaram e, eventualmente, adotaram um filho, a quem deram o nome de Ray Jr.

Na época, Ray trabalhava para o produtor e empresário Norman Granz na turnê "Jazz at the Philharmonic". Norman percebeu que Ella tinha o que era preciso para se tornar uma estrela internacional e a convenceu a assinar contrato com ele. Foi o início de uma relação profissional e de amizade que duraria a vida toda.

Sob a gestão de Norman, Ella juntou-se à turnê da Filarmônica, trabalhou com Louis Armstrong em vários álbuns e começou a produzir sua famosa série de songbooks. De 1956 a 1964, ela gravou covers de álbuns de outros músicos, incluindo Cole Porter, Duke Ellington, os irmãos Gershwin, Johnny Mercer, Irving Berlin e Rodgers e Hart. A série foi um enorme sucesso, tanto entre os fãs de Ella quanto entre os artistas que ela homenageou.

"Eu nunca soube o quão boas eram nossas músicas até ouvir Ella Fitzgerald cantá-las", comentou Ira Gershwin certa vez.

Ella também começou a aparecer em programas de variedades na televisão. Ela rapidamente se tornou uma das favoritas e convidada frequente em diversos programas, incluindo “The Bing Crosby Show”, “The Dinah Shore Show”, “The Frank Sinatra Show”, “The Ed Sullivan Show”, “The Tonight Show”, “The Nat King Cole Show”, “The Andy Williams Show” e “The Dean Martin Show”.

Devido à agenda de turnês intensa, Ella e Ray ficavam frequentemente longe de casa, o que tensionava o vínculo com o filho. No fim, Ray Jr. e Ella se reconectaram e reconstruíram seu relacionamento.

"Tudo o que posso dizer é que ela me deu tudo o que pôde", disse Ray Jr. mais tarde, "e me amou o máximo que pôde."

Infelizmente, as agendas de trabalho atribuladas também prejudicaram o casamento de Ray e Ella. Os dois se divorciaram em 1952, mas permaneceram bons amigos pelo resto de suas vidas.

Superando a discriminação.

Durante as turnês, era notório que o empresário de Ella tinha uma forte convicção sobre os direitos civis e exigia tratamento igualitário para seus músicos, independentemente da cor da pele. Norman se recusava a aceitar qualquer tipo de discriminação em hotéis, restaurantes ou casas de shows, mesmo quando viajavam para o sul profundo dos Estados Unidos.

Certa vez, durante uma turnê em Dallas com a Orquestra Filarmônica, um esquadrão da polícia, irritado com os princípios de Norman, invadiu os bastidores para importunar os artistas. Eles entraram no camarim de Ella, onde os membros da banda Dizzy Gillespie e Illinois Jacquet estavam jogando dados, e prenderam todos.

"Eles nos levaram para baixo", Ella lembrou mais tarde, "e quando chegamos lá, tiveram a audácia de pedir um autógrafo."

Norman não foi o único disposto a defender Ella. Ela recebeu apoio de inúmeros fãs famosos, incluindo uma fervorosa Marilyn Monroe.

“Devo muito a Marilyn Monroe”, disse Ella mais tarde. “Foi por causa dela que toquei no Mocambo, uma boate muito popular nos anos 50. Ela ligou pessoalmente para o dono do Mocambo e disse que queria que eu fosse contratada imediatamente e que, se ele aceitasse, ela reservaria uma mesa na primeira fila todas as noites. Ela disse a ele – e era verdade, devido ao status de superestrela de Marilyn – que a imprensa ficaria alvoroçada. O dono concordou, e Marilyn estava lá, na primeira fila, todas as noites. A imprensa foi à loucura. Depois disso, nunca mais precisei tocar em um pequeno clube de jazz. Ela era uma mulher incomum – um pouco à frente de seu tempo. E ela não sabia disso.”

Reconhecimento mundial

Apesar dos efeitos negativos em sua saúde, Ella continuou a trabalhar com a mesma intensidade do início de sua carreira. Ela fez turnês pelo mundo todo, às vezes apresentando-se em dois shows por dia em cidades a centenas de quilômetros de distância. Em 1974, Ella passou duas semanas memoráveis ​​se apresentando em Nova York com Frank Sinatra e Count Basie. Cinco anos depois, ainda em plena atividade, ela foi incluída no Hall da Fama da revista Down Beat e recebeu a homenagem do Kennedy Center por suas contínuas contribuições para as artes.

Fora do mundo das artes, Ella tinha uma profunda preocupação com o bem-estar infantil. Embora esse aspecto de sua vida raramente fosse divulgado, ela frequentemente fazia doações generosas para organizações que atendiam jovens carentes, e a continuidade dessas contribuições era parte da força motriz que a impedia de diminuir o ritmo. Além disso, quando Frances faleceu, Ella sentiu que tinha a responsabilidade adicional de cuidar da família de sua irmã.

Em 1987, o presidente dos Estados Unidos, Ronald Reagan, concedeu a Ella a Medalha Nacional das Artes. Foi um dos momentos mais preciosos para ela. A França seguiu o exemplo alguns anos depois, concedendo-lhe a Comendadora das Artes e das Letras, enquanto Yale, Dartmouth e diversas outras universidades lhe conferiram doutorados honorários.

Fim de uma era.

Em setembro de 1986, Ella foi submetida a uma cirurgia de ponte de safena quíntupla. Os médicos também substituíram uma válvula cardíaca e diagnosticaram diabetes, atribuindo a ela a perda de visão. A imprensa espalhou rumores de que ela nunca mais conseguiria cantar, mas Ella provou que estavam errados. Apesar dos protestos de familiares e amigos, incluindo Norman, Ella retornou aos palcos e seguiu com uma agenda exaustiva.

Na década de 1990, Ella já havia gravado mais de 200 álbuns. Em 1991, ela fez seu último show no renomado Carnegie Hall, em Nova York. Foi a 26ª vez que ela se apresentou lá.

Com o agravamento dos efeitos da diabetes, Ella, de 76 anos, passou a ter graves problemas circulatórios e foi obrigada a amputar ambas as pernas abaixo dos joelhos. Ela nunca se recuperou totalmente da cirurgia e, depois disso, raramente conseguia se apresentar. Durante esse período, Ella gostava de sentar-se no quintal de casa e passar tempo com Ray Jr. e sua neta Alice.

"Só quero sentir o cheiro do ar, ouvir os pássaros e ouvir a risada da Alice", disse ela.

Em 15 de junho de 1996, Ella Fitzgerald faleceu em sua casa em Beverly Hills. Horas depois, homenagens começaram a surgir em todo o mundo. Uma coroa de flores brancas foi colocada ao lado de sua estrela na Calçada da Fama de Hollywood, e um letreiro do lado de fora do teatro Hollywood Bowl anunciava: "Ella, sentiremos sua falta".

Após uma cerimônia memorial privada, o trânsito na rodovia foi interrompido para permitir a passagem do cortejo fúnebre. Ela foi sepultada na seção "Santuário dos Sinos" do Mausoléu da Missão Sunset, no Cemitério Inglewood Park, em Inglewood, Califórnia.

@EllaFitzgerald

O Blues pelas Mulheres.

Aretha Franklin, Etta James,
Bessie Smith e Sister Rosetta Tharpe.

O Blues pelas Mulheres

' O blues e o rock foram feitos pelas mulheres '

Destacamos algumas poucas artistas de blues que contribuíram significativamente para a construção do Blues. 

Desde os primórdios do blues como entretenimento, as mulheres estiveram na vanguarda. Elas foram as primeiras vozes negras a serem ouvidas em discos e, portanto, as primeiras a disseminar a forma de arte dos "doze compassos" pelo país e pelo mundo. 

Lutaram para ocupar os espaços reservados aos homens e pelo direito de se expressarem através da música. Artistas talentosas como Bessie Smith e Ma Rainey abriram caminho para as gerações futuras, plantando as raízes que eventualmente levariam ao R&B, ao blues-rock e ao próprio rock and roll. Suas formas de tocar, suas músicas e suas composições fizeram o blues crescer e florescer. A música das mulheres nesta lista vai mexer com sua alma, balançar seus ossos, embalá-lo em uma doce paz e elevar sua pressão arterial às alturas.

Bessie Smith

Com uma voz rica e expressiva, mais do que capaz de se mover e vibrar, "A Imperatriz do Blues" iniciou sua carreira musical em 1923. Smith é considerada uma das primeiras artistas, de ambos os sexos, a incluir blues em suas apresentações. Sua faixa, " Downhearted Blues", vendeu cerca de 800.000 cópias, um número impressionante, que impulsionou Smith ao estrelato internacional. Mesmo após décadas, podemos ouvir a eficácia atemporal e sublime da voz de Smith. Ao vivo, ela era realmente cativante.

Bessie Smith faleceu com apenas 43 anos, após sofrer ferimentos graves em um acidente automobilístico. O amante de Bessie, Richard Morgan (tio do lendário jazzista Lionel Hampton), estava ao volante na ocasião. A assistência precária e demorada à cantora dificultou muito seu atendimento, pois naquela época o envio de ambulâncias para pessoas negras era muito restrita.

Ma Rainey

Rainey teve destaque na primeira onda de artistas de blues, embora, na verdade, já se apresentasse desde o início do século XX. Com seu som cru e profundamente tocante, a "Mãe do Blues" estabeleceu o modelo para os vocalistas de blues, influenciando muitos outros que viriam.

Suas gravações sobreviventes são um amplo testemunho de seu talento. Ouça "See-See Rider" (posteriormente regravada por Elvis Presley) e você poderá ouvir os gemidos, os lamentos e a efusão de emoção nua que são uma marca registrada do gênero. Rainey trabalhou e gravou com, entre outros, o grande Louis Armstrong. Assim como Bessie Smith, Rainey era notória por sua vida pessoal agitada. Ela morreu de ataque cardíaco em 1939, aos 53 anos.

Memphis Minnie

Memphis Minnie de nome artístico escolhido por um executivo da Columbia Records de Lizzie Douglas, foi uma guitarrista, cantora e compositora de blues que iniciou sua carreira profissional no final da década de 1920. Suas gravações são muito apreciadas além de inovadoras técnicas de guitarra blues daquela época. 

Minnie não foi a primeira mulher a tocar guitarra, mas, por algum motivo, ela é uma exceção notável, já que a maioria das cantoras não gravou com esse instrumento. De qualquer forma, Minnie tem merecidamente um lugar garantido no grande panteão do blues.

Ouça a versão dela de "When the Levee Breaks", tempo depois, um grande sucesso do Led Zeppelin. A faixa é um deleite constante. A interpretação de Minnie é brilhante, espirituosa e fascinante. Melódica e percussiva, seu excelente trabalho de guitarra é igualmente acompanhado por seus vocais fortes e profundos.

Sister Rosetta Tharpe

Fortemente influenciada pelo gospel, mas inegavelmente apaixonada pelo blues, a cantora e guitarrista Sister Rosetta Tharpe lançou seus primeiros discos pela Decca Records no final da década de 1930. Como guitarrista, ela certamente deve ter sido uma grande influência para a geração seguinte de roqueiros. Seu estilo vibrante, vibrante e exuberante permanece irresistível. Ouça "This Little Light of Mine". Aqui, Tharpe demonstra a paixão pelo gospel, colorida por um blues profundo.

Na verdade, foi sua incursão no blues puro, no início da década de 1950, que levou a uma queda acentuada na popularidade de Tharpe. Fãs de longa data e puristas do gospel ficaram horrorizados, mas Tharpe continuou com a música que amava, tanto gospel quanto blues, misturando os dois com eficácia. Para um deleite extra, não deixe de desenterrar imagens de Tharpe se apresentando ao vivo em Manchester, Inglaterra, em 1964, na chuva, em uma estação de trem, diante de uma multidão apaixonada e agradecida. Isso nunca deixa de aquecer meu coração. Tenho certeza de que aquecerá o seu.

Billie Holiday

A influência de Billie Holiday é incalculável. Ela foi a primeira a trazer o ethos altamente pessoal e "vivo" do blues puro para o reino da canção popular. Ela gravou seu primeiro disco em 1933, mas foram suas faixas gravadas na década de 1940 que lhe permitiram realmente brilhar. 

A integridade artística de Holiday é inquestionável, e ela deixou uma marca indelével em uma série de canções inesquecíveis e profundamente tocantes. "Strange Fruit" ainda causa arrepios. Desde a introdução com instrumentos de sopro mexicanos sobre acordes menores pesados, a interpretação de Holiday permanece uma declaração poderosa e ousada. "God Bless The Child", embora mais leve no tom, demonstra ainda mais a capacidade inata de Holiday de se conectar e se conectar. A fragilidade nua e crua que torna sua voz tão cativante infelizmente se estendeu à sua vida pessoal. Billie Holiday morreu em 1959 devido a complicações decorrentes aos anos de abuso de álcool e drogas.

Etta James

Nascida em 1938, a carreira de Etta James durou seis décadas, durante as quais ela se consolidou sem esforço como a principal expoente da canção de blues. O ex-vice-presidente, produtor e crítico da Atlantic Records, Jerry Wexler (uma força poderosa na música popular nos anos 50 e 60), chamou James de "a maior de todas as cantoras de blues modernas". Seria grosseiro discordar. 

O celebrado álbum de estreia de James, At Last! de 1961 , regularmente aparece nas listas dos melhores em praticamente qualquer publicação que você possa encontrar, e com razão. At Last! continua sendo um dos poucos discos verdadeiramente atemporais. É blues para os anjos, cantado por uma alma brilhante presa à terra, olhando para as nuvens e além.

Seu último álbum, The Dreamer , foi lançado poucas semanas antes de sua morte em 2012. Do começo ao fim, Etta James deixou um legado impressionante.

Aretha Franklin

O gospel-blues-soul de Aretha Franklin começou uma chama no final dos anos 1950, que se manteve brilhante e ofuscante durante os anos 1960 e 1970. Ela lançou seu primeiro álbum com apenas quatorze anos (o de 1956, apropriadamente intitulado "The Gospel Soul of Aretha Franklin "). Mesmo essas primeiras gravações são uma força a ser reconhecida. Ouça "There Is A Fountain Filled With Blood" daquele repertório e você ouvirá o extraordinário poder e equilíbrio que Franklin possuía, mesmo naquela época.

Avançando para o álbum Lady Soul de 1968 , você ouvirá a mesma força imparável exaltando um soul sensacionalista, impregnado de blues, cuja arte e refinamento deixarão você de queixo caído. A voz de Franklin, sem dúvida, ainda é incomparável em termos de fogo e força.

Ella Fitzgerald

Assim como as gravações cativantes de Billie Holiday com o saxofonista Lester Young, Ella Fitzgerald será para sempre lembrada por seus duetos mágicos com Louis Armstrong, embora suas conquistas sejam muito mais do que isso. 

Nascida em 1917, o timbre vocal e a pureza de apresentação de Fitzgerald, juntamente com seu impecável senso de swing e seu incrível canto scat, lhe renderam treze prêmios Grammy ao longo de uma impressionante carreira de cinquenta anos.

Ouça seu álbum de 1963 "These Are The Blues", e você certamente se encantará com o canto perfeito e comovente de Fitzgerald. Ela oferece uma performance tão profunda que você poderia se perder para sempre em um belo mundo sobrenatural de canções suaves e sempre envolventes.

Big Mama Thornton

Com sua entrega ameaçadora, rosnada e impactante, a cantora de blues Willie Mae "Big Mama" Thornton, nascida em 1926, ajudou a transformar o rock em rock 'n' roll. Sua versão de "Hound Dog", quatro anos antes da de Elvis Presley, é uma gravação marcante para qualquer padrão. Se você ainda não ouviu este single notável, recomendo que dedique três minutos do seu tempo. 

Este é o blues-rock em sua melhor forma, cheio de imponência e energia. Como muitos nesta lista, Thornton começou no gospel, antes que o blues se consolidasse. Embora Willie Mae não tenha desfrutado do sucesso que seu talento sem dúvida garantia, as gravações que ela deixou para trás são prova de seu talento duradouro.

Ruth Brown

A cantora de blues e R&B Ruth Brown fez tanto sucesso durante a década de 1950 que rendeu à Atlantic Records o epíteto de "the house of blues Ruth ". Os vocais sedutores, porém ásperos e fortes de Brown impulsionaram singles maravilhosos como o número de jazz e blues "I Know" e o clássico de R&B/blues "5-10-15 Hours" , aclamados pela crítica e pelo público.

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