DiScOs InCrÍvEiS: Jimi Hendrix

JIMI HENDRIX

'Electric Lady Studios '

Electric Lady Studios: A Jimi Hendrix Vision traz as 39 faixas gravadas por Jimi com sua banda – composta pelo baixista Billy Cox e o baterista Mitch Mitchell – no estúdio nos últimos quatro meses de vida do guitarrista. Hendrix estava trabalhando intensamente na criação de “First Rays Of The New Rising Sun”, o ambicioso álbum duplo que sucederia sua obra-prima de 1968, “Electric Ladyland”. Inspirado pelas possibilidades do novo estúdio, a banda Experience construiu faixas clássicas como: “Night Bird Flying”, “Freedom”, “Dolly Dagger”, "Hey Baby (New Rising Sun)" e "Angel".

A Experience Hendrix L.L.C., em parceria com a Legacy Recordings, a divisão de catálogo da Sony Music Entertainment, lançou em 2024 o 'Electric Lady Studios: A Jimi Hendrix Vision', um box com 38 faixas inéditas, que foram gravadas pela "nova" formação do Jimi Hendrix Experience, com Billy Cox no baixo e Mitch Mitchell na bateria, no Electric Lady Studios, entre junho e agosto de 1970, pouco antes da morte prematura do lendário guitarrista no mês seguinte.

O projeto também inclui 20 novas mixagens de som surround 5.1 de todo o álbum “First Rays Of The New Rising Sun”, além de três faixas bônus – “Valleys Of Neptune”, “Pali Gap” e “Lover Man”.

O Blu-ray inclui o documentário aclamado pela crítica, “Electric Lady Studios: A Jimi Hendrix Vision”. O filme narra a criação do estúdio, que surgiu dos escombros de uma boate falida em Manhattan para se tornar uma instalação de gravação de última geração, inspirada pelo desejo de Hendrix de ter um estúdio permanente.

Dirigido por John McDermott e produzido por Janie Hendrix, George Scott e McDermott, o filme apresenta entrevistas exclusivas com Steve Winwood (que se juntou a Hendrix na primeira noite de gravação no novo estúdio), o baixista do Experience, Billy Cox, e membros originais da equipe do Electric Lady, que ajudaram Hendrix a realizar seu sonho. O documentário inclui imagens e fotos inéditas, bem como análises faixa a faixa de clássicos de Hendrix, como “Freedom”, “Angel” e “Dolly Dagger”, feitas pelo engenheiro de gravação Eddie Kramer.

O pacote inclui um livreto extenso, repleto de fotos inéditas, rascunhos manuscritos de músicas por Hendrix e notas detalhadas. O novo lançamento vem na esteira de outro documentário de longa-metragem criado pela mesma equipe: “Music, Money, Madness… Jimi Hendrix Live In Maui”, que foi indicado ao Grammy na categoria de Melhor Filme Musical em 2022.

Liderando o projeto está uma versão inédita de “Angel [Take 7]”. Esta nova versão remixada, mais simples, inclui as performances originais gravadas por Hendrix, Mitchell e Cox em 23 de julho de 1970. Não inclui os elementos de bateria e percussão adicional que Mitch optou por adicionar a essa gravação principal após a morte de Jimi.

O projeto oferece uma visão abrangente do trabalho que Hendrix realizou durante o produtivo verão de 1970. A música vai desde gravações demo em quatro faixas de “Valleys Of Neptune” e “Heaven Has No Sorrow”, arranjos alternativos de novas canções promissoras, como “Come Down Hard On Me” e “Belly Button Window”, até takes extraordinários, ao vivo no estúdio, de “Tune X/In From The Storm”, “Astro Man” e “The Long Medley”, uma exploração espontânea e comovente de 26 minutos de “Beginnings”, “Hey Baby (New Rising Sun)”, “Keep On Groovin’” e “Freedom”. 

Além disso, o box apresenta muitas das mixagens que o guitarrista completou com o engenheiro Eddie Kramer antes de partir para iniciar uma turnê europeia em 30 de agosto no festival Isle Of Wight, na Inglaterra. Hendrix nunca mais retornaria ao Electric Lady Studios. 

As faixas de áudio recém-mixadas incluem todas as 17 faixas do álbum “First Rays of the New Rising Sun” (lançado postumamente em 1997, gravado entre 1968-70), bem como “Pali Gap” de “Rainbow Bridge” (1971, gravado em 1970), “Lover Man” do box “The Jimi Hendrix Experience” (2000, gravado em 1970) e “Valleys of Neptune” de “Valleys of Neptune” (2010, gravado entre 1969-70).

O documentário explica em profundidade que, embora a morte de Jimi Hendrix tenha privado o público de muito potencial musical, o sucesso contínuo de seu estúdio de gravação oferece um legado duradouro além de sua própria música. John Lennon, The Clash, AC/DC, Chic, David Bowie, Stevie Wonder e centenas de outros fizeram gravações no Electric Lady Studios, o que atesta um dos legados duradouros de Jimi em uma indústria que mudou radicalmente ao longo do último meio século.

@ElectricLadyStudios

Jimi Hendrix: Electric Lady Studios

O lendário Electric Lady Studios

Electric Lady Studios: A Jimi Hendrix Vision: é um documentário de longa-metragem que narra a criação do Electric Lady Studios, desde a ruína de uma boate falida em Greenwich Village até se tornar o estúdio de gravação de última geração inspirado pela visão de Jimi Hendrix e o primeiro estúdio de gravação comercial de propriedade de um artista.

O Electric Lady Studios tornou-se o lar criativo de artistas como Stevie Wonder, The Rolling Stones, John Lennon, David Bowie, Beyoncé e algumas das músicas mais celebradas de todos os tempos.

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História

O Electric Lady Studios fica localizado em Nova Yorke, sendo o mais antigo estúdio que ainda funciona na cidade. Localizado no Greenwich Village, ele também está próximo do parque Washington Square Park, onde há uma estátua de Garibaldi e um lindo e gigantesco arco (portão) de entrada. Sempre foi uma referência para artistas e engenheiros de gravação ao longo de sua história. 

A história do estúdio é muito interessante. O local era, na verdade, um nightclub entre 1930 e 1967. Em 1968, Jimi Hendrix e seu manager Michael Jeffery resolveram comprar o então desativado local, que também foi usado pelo guitarrista para algumas jams, pagando um pouco mais de 1 milhão de dólares. Além dele, lendas como B.B. King, Chuck Berry e outros também já tinham se apresentado na boate que tinha o nome de 'The Generation'.

Como Hendrix estava gastando muito com estúdios, ele foi aconselhado por Eddie Kramer e Jim Marron a mudar a ideia original de continuar a operar o negócio como casa de entretenimento e transformar o local em um estúdio profissional. Nasceria então o 'Electric Lady Studios'. Este seria, portanto, o primeiro estúdio de gravação cujo dono era um músico / banda – nem os Beatles ainda tinham. Hendrix insistiu que o estúdio não fosse “comum” e pediu ambientes curvados, coloridos e psicodélicos e, da parte de equipamentos, contando com os inovadores consoles de gravação com 24 canais (24 tracks da Datamix).

A inauguração se deu em 26 de agosto de 1970, com convidados como Eric Clapton, Ron Wood, Patti Smith e Steve Winwood. No dia seguinte, Hendrix gravaria seu último trabalho em estúdio, Slow Blues, quando saiu para turnê em Londres. Infelizmente, cerca de 3 semanas depois, tivemos o falecimento do guitarrista. 

De forma póstuma, o álbum 'Cry Of Love' trouxe muito material gravado e mixado no estúdio antes de sua abertura, com a citada Slow Blues e Belly Button Window, a último dele com vocais. Além disso, há outros materiais póstumos em 'Loose Ends', de 1974 – a faixa Have You Ever Been (To Electric Ladyland) é algo direto e a gravação da primeira e quinta faixa do álbum.

Do lado de dentro, o 'Studio A' continua igual como quando da inauguração e o 'Studio B' ganhou o apelido de Purple Haze. Além deles, há ainda o Studio C, Studio API e a Suite Mix.

O documentário 'Electric Lady Studios: A Jimi Hendrix Vision', conta com entrevistas exclusivas, imagens e fotos de arquivo inéditas de Jimi Hendrix, além de análises detalhadas de clássicos de Hendrix como "Freedom", "Angel" e "Dolly Dagger" por Eddie Kramer.

Entre muitos nomes que já usaram os espaços e serviços do estúdio, estão: U2, Madonna, John Lennon e Yoko Ono, Bob Dylan, B52s, Aretha Franklin, Elvis Presley, The Black Crowes, The Pretenders, Foo Fighters, Stevie Ray Vaughn, Radiohead, Van Halen e Paul McCartney.

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Canais: Jimi Hendrix

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Histórias do Blues: As Lendas por trás das Canções

As lendas por trás das Canções

O blues é um gênero musical nascido no final do século XIX nas plantações de algodão do Sul dos Estados Unidos. Criado a partir dos cantos de trabalho e tradições orais afro-estadunidense, o estilo se consolidou como a base de quase toda a música popular moderna, como o rock e o jazz.

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Tradições espirituais e mitos foram transmitidos de geração em geração por pessoas escravizadas na evolução de seu sistema de crenças espirituais. Isso se manifestava em encontros clandestinos em bosques, onde realizavam a dança mística do grito circular e desenvolviam os cantos de trabalho que mais tarde evoluíram para os spirituals, o gospel e o blues. Artistas de blues do início do século XX, de Robert Johnson e Lead Belly a Sister Rosetta Tharpe e Muddy Waters, entrelaçaram superstição, folclore, religião e o sobrenatural em suas canções. Com o surgimento das bandas de blues rock na década de 1960, elas abraçaram o mito e o mistério, reinterpretando canções existentes e contribuindo com novas. As canções a seguir demonstram como o blues-rock há muito tempo serve como porta de entrada para os recantos mais misteriosos e enigmáticos da música.

Peter Green & The Fleetwood Mac – Black Magic Woman

"Black Magic Woman" foi escrita por Peter Green, membro fundador e líder original do Fleetwood Mac. Foi gravada em 1968 e lançada em dezembro do mesmo ano em uma coletânea intitulada English Rose . A canção tornou-se um sucesso internacional na voz de Carlos Santana, que a gravou e lançou em seu segundo álbum de estúdio, Abraxas, em 1970. A música foi inspirada na namorada de Green na época, a quem ele chamava de "Magic Mamma" (Mamãe Mágica), e a letra confunde a linha entre o desejo romântico e o perigo espiritual. Ela explora temas como sedução, obsessão e manipulação sobrenatural, utilizando imagens místicas com uma hipnótica melodia em tom menor, enquanto a guitarra de Green explode em acordes estratosféricas.

Robert Johnson – Crossroad Blues

"Cross Road Blues", de Robert Johnson, é uma das gravações mais mitificadas da história da música americana, baseada em uma história inventada que pouco tem a ver com a canção em si. Segundo a lenda, Johnson vendeu sua alma ao diabo em uma encruzilhada no Mississippi em troca de habilidades musicais sobrenaturais. A verdadeira canção fala sobre a frustração de viajar de carona pelo interior do sul dos Estados Unidos ao cair da noite, enquanto os carros continuam passando. A música começa com Johnson de joelhos, implorando não ao diabo, mas a Deus, que o salve. Ele a gravou em um quarto de hotel em San Antonio, em 1936, executando seu intrincado trabalho de guitarra e sua voz assombrosa em um único microfone.

Muddy Waters – Hoochie Choochie Man

"Hoochie Coochie Man" é mais uma canção clássica de blues escrita por Willie Dixon e gravada em 1954 por Muddy Waters pela gravadora Chess Records. A formação da banda é um verdadeiro desfile de estrelas do blues dos anos 50, com Muddy Waters na guitarra e nos vocais principais. Willie Dixon tocava contrabaixo, Little Walter na gaita, Jimmy Rogers na guitarra, Otis Spann no piano e Elgin Edmonds na bateria. É uma versão atualizada de uma "dança sexualmente provocativa" do século XIX, que antecedeu os shows de striptease burlesco do século XX. A canção é um hino ritualístico de bravata sexual e arrogância sobrenatural, com Muddy Waters retratado como uma figura imponente, numa performance repleta de imagens de vodu.

Norman Greenbaum – Spirit in the Sky

A canção de sucesso de Norman Greenbaum, "Spirit in the Sky", apareceu em seu álbum de estreia solo de 1969, também intitulado Spirit in the Sky. 

Ela surgiu no auge da era hippie psicodélica, quando temas religiosos eram cada vez mais expressos na cultura pop. 

Artistas que iam dos Beatles e Bob Dylan a Santana e Johnny Cash incorporaram imagens religiosas e espirituais em suas músicas. A canção é visionária e cria um som que transmite tanto celebração quanto misticismo, misturando guitarra distorcida com palmas.

Donovan – Season of the Witch

Donovan lançou "Season of the Witch" em seu álbum Sunshine Superman em 1966, durante o advento da era hippie da contracultura. A canção apresenta um ritmo hipnótico enquanto explora mitos, paranoia e o sobrenatural através de linhas de guitarra sombrias e um baixo pulsante. A interpretação vocal de Donovan é distante enquanto ele descreve rostos estranhos, suspeitas e forças invisíveis. Foi uma das primeiras contribuições para o blues rock psicodélico, refletindo a ansiedade e a desorientação social e cultural que se desenrolavam na época. Bandas de rock com influências de blues, como Black Sabbath, Cream e Led Zeppelin, usariam imagens semelhantes posteriormente.

The Rolling Stones – Sympathy For the Devil

Quando os Rolling Stones chegaram à América logo após os Beatles, lideraram a invasão do blues rock britânico. Representavam o lado mais sombrio do rock e frequentemente faziam covers de clássicos do blues americano de artistas como Willie Dixon e Jimmy Reed. Em 1968, lançaram seu oitavo álbum de estúdio, Beggars Banquet , que continha "Sympathy for the Devil" e reforçou sua reputação de flertar com o lado sombrio. Poucas músicas no catálogo do blues rock confundem a linha entre mito, história e ameaça como esta. Cantada em primeira pessoa, a faixa apresenta o próprio Lúcifer guiando os ouvintes através de séculos de violência humana, da crucificação de Cristo à Revolução Russa e aos assassinatos de Kennedy, tudo isso em um ritmo hipnótico com percussão tribal e repetidos cânticos "woo-woo".

Jimi Hendrix – Voodoo Child (Slight Return)

"Voodoo Child (Slight Return)" apareceu no terceiro e último álbum do The Jimi Hendrix Experience, Electric Ladyland , lançado em 1968. Após a apresentação de Jimi Hendrix no Monterey Pop Festival em 1967, ele passou a ser visto pela contracultura como o arquétipo de um xamã musical. A canção é a fusão definitiva de blues, misticismo e guitarra elétrica crua e furiosa, transcendendo a imagem do blues do Delta e adentrando o reino cósmico. No festival de música em Monterey no ano de 1968, para delírio do público, Jimi Hendrix sacrificou sua guitarra fender stratocaster em pleno palco tocando fogo nela.

Larry Norman – Why Don't You Look Into Jesus

"Why Don't You Look Into Jesus" foi lançada em 1972 no quarto álbum solo de Larry Norman, Only Visiting This Planet , e abordava a desilusão em torno do sonho hippie em declínio, oferecendo uma alternativa. É uma das colisões mais cruas entre a aspereza do blues rock e o confronto espiritual daquela época. A canção é impulsionada por guitarras estridentes e um piano pulsante, enquanto os vocais crus e urgentes de Norman criam uma série de imagens sombrias que necessitam de salvação, incluindo vício, suicídio e comportamento autodestrutivo. Norman foi incluído no Hall da Fama da Música Gospel em 2001, juntamente com Elvis Presley.

Black Sabbath – The Wizard

"The Wizard" apareceu no álbum de estreia homônimo do Black Sabbath, Black Sabbath, gravado em 1969 e lançado em 1970. A música foi escrita pelo baixista Geezer Butler, que explicou em uma entrevista que "The Wizard" foi inspirada no personagem Gandalf, de O Senhor dos Anéis, de J.R.R. Tolkien. Do riff de gaita assombroso de Ozzy Osbourne ao timbre encorpado e pesado da guitarra de Tony Iommi, apoiados pela bateria impetuosa de Bill Ward e pelas linhas de baixo marcantes de Butler, a faixa captura a química crua e vibrante da banda em seu melhor momento. É um dos primeiros exemplos da maneira como o blues rock estava sendo reinterpretado com um som mais pesado e agressivo que viria a ser conhecido como heavy metal.

Nirvana – Where Did You Sleep Last Night

"Where Did You Sleep Last Night" é uma versão cover de uma música de Lead Belly originalmente intitulada "In the Pines", lançada em 1946. A canção é uma melodia folclórica americana tradicional originária do sul dos Apalaches. O Nirvana a apresentou durante sua participação no MTV Unplugged em novembro de 1993, apenas cinco meses antes do suicídio de Kurt Cobain. O Nirvana entregou uma versão crua e melancólica, centrada em temas como traição, morte e isolamento espiritual, que refletia o estado de espírito sombrio de Cobain na época.

Histórias do Blues: JiMi HeNdRiX

JiMi HeNdRiX

STAR SPANGLED BANNER 

Jimi Hendrix em Woodstock: 

O hino de uma geração!

Canal Negritude em Letras

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O dia em que Jimi Hendrix reiventou o hino norte americano !!

A apresentação de "Star Spangled Banner" por Jimi Hendrix em Woodstock foi um ponto de virada na história do movimento de contracultura. Como um resumo de uma das eras mais voláteis da história do país, sua adaptação do hino nacional entrou para o nosso léxico cultural como talvez a pedra de toque musical mais poderosa da época, um zeitgeist de expressividade.

Galvanizado por lutas conflitantes entre os poderes que sancionavam (entre outras coisas) a guerra no Vietnã e aqueles que defendiam modos alternativos de ser, “SSB” pode, em certo sentido, ser visto como o ápice da visão artística de Hendrix, bem como um dos pontos altos de sua conquista técnica insuperável.

Quando Hendrix e sua banda subiram ao palco em Woodstock em 18 de agosto de 1969, as circunstâncias alteraram a natureza da apresentação pretendida. Originalmente agendada para encerrar o festival na noite anterior, a programação já havia, a essa altura, seguido o caminho das cercas que outrora cercavam a fazenda de Max Yasgur. Seriam cerca de dez horas depois da data originalmente programada para tocar que Hendrix finalmente se apresentaria em uma manhã chuvosa de segunda-feira, diante de um público que havia diminuído de um pico de fim de semana estimado em 400.000 para uma escassez comparativa de 30.000. A essa altura, o recinto do festival era um deserto de lama e escombros. Com frio, fome e sem as comodidades mais básicas, aqueles que esperaram pela apresentação de Hendrix se tornariam testemunhas de um dos momentos cruciais dos tumultuados anos 60.

O grupo reunido no palco com Hendrix foi uma aparição única de um conjunto expandido que Hendrix chamou de Gypsy Sun & Rainbows e contou com nomes como Mitch Mitchell na bateria, Billy Cox no baixo, Larry Lee na guitarra base, Juma Sultan e Jerry Velez na percussão e Hendrix liderando o caminho com guitarra e vocais.

E embora a apresentação tenha sido irregular, dadas as condições em que foram forçados a tocar, o set foi louvavelmente forte. A falta de organização levou Hendrix a se concentrar principalmente em jams mais longas, e sua execução foi caracteristicamente excelente.

Newsletter de Jimi Hendrix

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Apesar de sua posterior canonização, de acordo com Jerry Morrison, um provocador da indústria musical amigo de Michael Jeffrey, "Star Spangled Banner" quase não foi tocada. Em entrevista ao jornalista Jerry Hopkins, Morrison relembrou: "Houve uma discussão entre mim e Mike Jeffrey (então empresário de Hendrix) sobre se Jimi deveria ou não tocar "Star Spangled Banner". Mike disse que não. Isso já havia causado um tumulto em Dallas, e ele disse que as coisas já estavam ruins o suficiente ali, sem que piorassem. Eu discordei. Como Jimi seria o último ato, pensei que ele tinha que tocar o hino nacional. Não importava. Quando Mike saiu de casa, eu disse a Jimi para ir em frente."

Hendrix, sem dúvida, teria tocado “Star Spangled Banner” com ou sem a ajuda de Morrison, já que o hino havia se tornado uma constante no repertório de shows do The Jimi Hendrix Experience desde agosto de 1968.

Embora sua introdução à música após uma longa interpretação de "Voodoo Child (Slight Return)" parecesse quase incidental, sua execução ressaltou o fato de que ele tinha plena consciência da importância de ser tocada em meio a um marco cultural como Woodstock. Um modelo de expressionismo condensado, "SSB" foi uma obra que evocou o caos da época de uma maneira assustadora, apocalíptica e, ao mesmo tempo, extremamente libertadora e otimista; como composição, encapsulou perfeitamente as múltiplas forças que colidiram no final da década de 1960. Sua impressionante interpretação daquela época em particular a tornou atemporal o suficiente para ser tão relevante hoje quanto era naquela época.

Os sons que Hendrix extraía de sua Fender Strat eram literalmente uma recriação auditiva da guerra. Entre o fogo das metralhadoras, o cair das bombas, a fumaça das chamas de napalm e uma corrente subterrânea angustiante que evocava a polaridade agonizante que dilacerou nosso país e destruiu o Vietnã, Hendrix tratou a música com surpreendente reverência. Sem a pirotecnia, a abordagem de Hendrix às notas principais foi surpreendentemente medíocre – um fato que aumentou a tensão da música quando justaposta aos seus inimitáveis ​​exercícios de distorção. Como uma declaração sobre seus sentimentos em relação à guerra, "Star Spangled Banner" foi um veículo perfeito para a visão complexa de Hendrix de incorporar um trabalho técnico impressionante com ideias completamente novas no feedback.

Uma lembrança da apresentação de "Star Spangled Banner" aparece no livro Crosstown Traffic, de Charles Shaar Murray, sobre Hendrix . Para Shaar Murray, a adaptação do hino nacional feita por Hendrix "é provavelmente a obra de arte mais complexa e poderosa a lidar com a Guerra do Vietnã e seu efeito corruptor e distorcedor sobre gerações sucessivas da psique americana. Um homem com um violão disse mais em três minutos e meio sobre aquela guerra peculiarmente repugnante e suas reverberações do que todos os romances, memórias e filmes juntos".

“Foi uma performance que nenhum outro músico vivo seria capaz de conceber ou executar…”~ Charles Shaar Murray

Murray acrescenta: “Foi uma performance que nenhum outro músico vivo seria capaz de conceber ou executar e uma demonstração gráfica de que a ambição artística de Hendrix havia crescido em proporção — mas em uma direção radicalmente diferente — de sua imensa popularidade”.

Para entender por que nenhum outro músico vivo seria capaz de conceber ou executar esta obra, é necessário observar as reviravoltas irônicas que a vida de Hendrix tomou, já que a gênese de “Star Spangled Banner” é tanto biográfica quanto musical.

Jimi Hendrix no palco da Feira de Arte e Música de Woodstock, agosto de 1969.
Fotos: Allan Koss / © Authentic Hendrix, LLC

Enquanto Hendrix serviu como príncipe herdeiro reinante dos hippies no final dos anos 60, uma breve, mas crucial parte da primeira década foi passada em confins menos glamorosos como membro da 101ª Divisão Aerotransportada, estacionada em Fort Campbell, Kentucky. Em retrospecto, a noção de Hendrix como soldado parece cômica; sua passagem como paraquedista foi crucial para seu desenvolvimento artístico. Anos mais tarde, Hendrix falaria animadamente sobre a descarga de adrenalina de saltar de um avião e cair livremente pelo céu. O terror e a euforia combinados, o enorme som sibilante seguido pela estranha e plácida calma da descida, eram experiências que ele queria recriar em termos musicais. Que ele conseguiu fazer isso muito antes de adaptar "The Star Spangled Banner" é evidente; no entanto, ao fundir essa interpretação sonora com sua versão do hino nacional, ele encontrou um som amplo o suficiente para acomodar o alcance de sua visão e, ao fazê-lo, criou uma das maravilhas musicais da época. Contextualmente, seria difícil imaginar uma união mais unificada de ideias.

Mais mundana, mas não menos relevante, era a atitude de Hendrix em relação à guerra. Embora as pessoas presumam que "Star Spangled Banner" seja desafiadoramente anti-guerra, não é bem assim; tal noção limita o escopo da peça. Amigos frequentemente se surpreendiam com a postura pró-guerra de Hendrix em relação ao Vietnã. Eric Burdon lembrou que, quando Hendrix chegou à Inglaterra, falou fervorosamente sobre a necessidade de os Estados Unidos subjugarem o comunismo chinês antes que ele dominasse o mundo. É importante lembrar que Hendrix esteve em ambos os lados da cerca, vivenciando atitudes em relação à guerra tão diametralmente opostas quanto possível. Não é difícil imaginar Hendrix pensando menos nos hippies reunidos em Woodstock do que em seus velhos amigos da 101ª Divisão Aerotransportada (muitos dos quais foram direto de Fort Campbell para as selvas no exterior para testemunhar o combate em primeira mão) ao interpretar a música. Ao mesmo tempo, Hendrix possuía uma natureza pacifista que certamente contribuía para a objetividade radiante da obra.

Os comentários do próprio Hendrix sobre a apresentação são caracteristicamente contidos. Em conversa com Dick Cavett algumas semanas após Woodstock, ele disse simplesmente: "Sou americano, então toquei. Costumavam me fazer cantar na escola, então foi um flashback", uma declaração que diz mais sobre a modéstia de Hendrix do que sobre a grandiosidade da música.

Jimi Hendrix no palco da Feira de Arte e Música de Woodstock, agosto de 1969.
Fotos: Allan Koss / © Authentic Hendrix, LLC

Posteriormente, "Star Spangled Banner", em virtude de seu inegável poder e conotações culturais, tornou-se uma das peças definidoras da música popular. A interpretação de Hendrix do hino nacional pode ter aberto a porta para outros músicos interpretarem uma canção que antes era considerada proibida.

Hoje, o hino nacional é tocado em estádios e escolas por todos os EUA, e cada apresentação está sujeita à interpretação do próprio músico, sendo, na maioria das vezes, fortemente inspirada pela adaptação de Hendrix. Stevie Ray Vaughan certa vez interpretou a versão de Hendrix antes Posteriormente, "Star Spangled Banner", em virtude de seu inegável poder e conotações culturais, tornou-se uma das peças definidoras da música popular. A interpretação de Hendrix do hino nacional pode ter aberto a porta para outros músicos interpretarem uma canção que antes era considerada proibida.

Hoje, o hino nacional é tocado em estádios e escolas por todos os EUA, e cada apresentação está sujeita à interpre de um jogo de beisebol, e o U2 a incluiu em sua turnê "Rattle And Hum" e conta com uma série de outros artistas.

Em entrevista a David Fricke, da Rolling Stone, o guitarrista Vernon Reid, do Living Colour, aponta seus dois solos de guitarra favoritos de Jimi Hendrix – “Star Spangled Banner” (Woodstock) e “Machine Gun” ( Band Of Gypsys ), explicando: “Woodstock foi o fim da era hippie. E Hendrix era o homem no ápice. Era como se ele estivesse no topo da montanha. Esse solo é o discurso de Martin Luther King em “I Had A Dream” na guitarra: “Posso não chegar lá com você, mas vi a montanha.”

Mais do que isso, "Star Spangled Banner" é uma obra-prima interpretativa cuja majestade de tirar o fôlego é indicativa da visão inigualável de seu criador. Ao espelhar uma época que parecia enorme para formas de expressão ainda menos restritivas, Hendrix não apenas validou sua visão, como também esclareceu e expandiu a nossa.