Políticas Públicas: Brasil do Crime?

O Brasil entende as causas do crime, 

mas não confia em si mesmo para enfrentá-las.

O ponto central está na normalização do rigor como resposta legítima mesmo entre aqueles que reconhecem o caráter social do crime.

Revista Liberta

7 fev - 2026

Brasil do crime?

A pesquisa recém-divulgada pelo ICL revela um dado que desmonta uma caricatura comum sobre o Brasil contemporâneo. Ao contrário da imagem de uma sociedade movida apenas pelo ódio ou pelo desejo de vingança, a ampla maioria da população reconhece que os assaltos cometidos por jovens armados têm raízes sociais claras. Desigualdade, ausência de oportunidades e abandono estatal aparecem com força na percepção coletiva. Ainda assim, essa compreensão convive com a defesa de punições rigorosas. O paradoxo não está nos números. Está na forma como lidamos com eles.

A ampla maioria dos entrevistados reconhece que há um problema social na origem desses crimes. No entanto, apenas uma parcela menor defende que essa constatação deva orientar respostas predominantemente baseadas em políticas sociais. O grupo majoritário sustenta uma posição ambígua: entende as causas estruturais, mas exige rigor penal. Não se trata de ignorância, nem de incoerência moral. Trata-se de medo.

O Brasil não é um país que desconhece as raízes da violência. É um país que não confia na própria capacidade de enfrentá-las sem recorrer ao castigo como atalho. A punição aparece como uma espécie de garantia emocional em um ambiente marcado pelo medo cotidiano e pela sensação permanente de vulnerabilidade. Mesmo quando se reconhece que a desigualdade empurra jovens para o crime, permanece a desconfiança de que políticas públicas, educação e inclusão sejam capazes de produzir resultados sem a ameaça da força, da prisão ou do endurecimento penal.

Esse medo não é apenas espontâneo. Ele é permanentemente alimentado por discursos políticos que simplificam o problema, por uma cobertura sensacionalista da violência e por uma narrativa pública que associa proteção à repressão. O rigor penal passa a ser apresentado como a única resposta possível diante da insegurança, enquanto soluções estruturais são tratadas como ingênuas, lentas ou desconectadas da chamada vida real. Assim, constrói-se um consenso frágil, mas eficiente: o de que é possível compreender o problema social e, ao mesmo tempo, descartá-lo como horizonte concreto de solução.

Essa desconfiança foi construída na experiência concreta de um país onde o Estado chega tarde, chega mal ou chega apenas para punir. Foi sendo construída na experiência cotidiana de um país em que o Estado falha em proteger, mas nunca falha em punir. Políticas sociais que nunca se consolidaram como política de Estado convivem com um sistema penal expansivo e com um sistema de Justiça seletivo, que opera com pesos diferentes a depender da cor, do território e da renda. A escola falha, o sistema socioeducativo é fragilizado, a justiça é lenta para garantir direitos e veloz para punir corpos específicos. Nesse cenário, a punição passa a ocupar o lugar da esperança.

O dado mais revelador da pesquisa não é a existência de um grupo minoritário que defende respostas violentas ou letais. Esse grupo existe, mas não representa a maioria. O ponto central está na normalização do rigor como resposta legítima mesmo entre aqueles que reconhecem o caráter social do crime. É nesse consenso silencioso que a violência se reproduz, travestida de racionalidade.

A juventude pobre aparece, ao mesmo tempo, como vítima de um sistema injusto e como ameaça a ser contida. Essa ambiguidade sustenta políticas públicas contraditórias e um debate público que raramente enfrenta o problema em sua totalidade. Reconhece-se a desigualdade, mas exige-se punição exemplar. Defende-se a presença do Estado, mas apenas quando ela assume a forma do controle e da coerção.

Essa lógica também se apoia numa premissa raramente explicitada: a de que nem todos estão igualmente sujeitos à punição. O rigor penal se impõe com força sobre alguns, enquanto práticas violentas, ilegais ou predatórias cometidas a partir de posições de privilégio dificilmente são enquadradas como questão de segurança pública. A seletividade não é um desvio do sistema. É parte do seu funcionamento.

A pesquisa do ICL nos coloca diante de um espelho incômodo. Ela mostra que o debate sobre crime e segurança no Brasil não está travado por desconhecimento das causas, mas por um profundo esgotamento da confiança coletiva. Sabemos de onde vem o problema. O que não sabemos, ou já não acreditamos, é como enfrentá-lo sem repetir a resposta que historicamente falhou.

Enquanto políticas públicas forem vistas apenas como instrumentos de punição, e não de proteção, seguiremos presos a esse ciclo. Compreendendo as causas, temendo as consequências e escolhendo, mais uma vez, o rigor como substituto da coragem de mudar as bases do problema.

Jota Marques
Educador popular e comunicador, com trajetória dedicada à formulação e à análise de políticas públicas para infância e juventude. Foi conselheiro tutelar no Rio de Janeiro e atua há quase duas décadas no debate sobre violência, desigualdade e Estado, a partir dos territórios populares. Mora na Cidade de Deus.

Graham Bond

Graham Bond

' O Jazz-Blues de Graham Bond '

Um recém-nascido foi abandonado num orfanato perto de Essex, na Inglaterra. Batizado de Graham, o menino acabou sendo adotado por um casal da região, Edwin e Edith Bond. 

História:

Graham era um prodígio musical. Aos seis anos, tocava piano clássico. Aos 14, havia descoberto o jazz de Charlie Parker e John Coltrane e adotado o saxofone como instrumento preferido. Aos 20, era um dos músicos mais requisitados na cena de jazz de Londres.

O início com o guitarrista John McLaughlin.

Em 1962, depois de alguns anos penando em clubes de jazz, Graham Bond foi convidado para tocar no grupo Blues Incorporated de Alexis Korner. Graham percebeu que o novo hype da cena musical londrina era o rhythm'n'blues de grupos como o John Mayall & The Bluesbreakers, The Yardbirds e The Rolling Stones, e decidiu montar um supergrupo chamado The Graham Bond Organization, com grandes músicos que já conhecia da cena de jazz.

A "cozinha" da The Graham Bond Organization era formada por dois músicos fantásticos, o baterista Ginger Baker e o baixista Jack Bruce; e o guitarrista era o excelente John McLaughlin, que depois tocaria com Miles Davis e formaria a banda experimental de Jazz Fusion Mahavishnu Orchestra. 

J. Bruce, Heckstall-Smith, G. Baker e G. Bond.

Graham Bond cantava e tocava um órgão Hammond. Pouco depois, McLaughlin foi substituído pelo saxofonista Dick Heckstall-Smith. Foi essa formação – Bond, Baker, Bruce e Heckstall-Smith – que fez fama como um dos melhores e mais furiosos grupos do R&B inglês e atraiu a atenção do empresário Robert Stigwood (que, anos depois, mudaria o som dos Bee Gees e os transformaria em astros da discoteca).

Numa época em que grupos como Beatles, Stones e Kinks causavam frenesi entre adolescentes, a Graham Bond Organisation teria concorrência forte para chegar ao sucesso: o som deles era pesado e distorcido, o grupo não tinha guitarrista ou um cantor bonitinho como era o padrão, pelo contrário, o saxofonista era careca e o vocalista era um gordinho com cara de louco. Aliás, ninguém ali batia muito bem: Jack Bruce saiu depois que Ginger Baker o ameaçou com uma faca. Porém, dias depois, os dois debandaram juntos para formar com o guitarrista Eric Clapton a poderosa banda em power trio chamado: Cream.

O fim da GBO, em 1967, veio numa época confusa para Graham, que se viciara em heroína, demonstrava crescentes problemas mentais e estava cada vez mais obcecado com o ocultista inglês Aleister Crowley (1875-1947). Graham tinha certeza que seu verdadeiro pai era Crowley.

Fase de experimentos psicodélicos.

A partir dali, a carreira de Graham degringolou: ele casou com a cantora Diane Stewart, também devota de Crowley, com quem montou a banda Initiation e mergulhou fundo no estudo de magia negra. Uma turnê norte americana levou Graham fazer jams com a banda The Grateful Dead e gravar com Screamin' Jay Hawkins, além de lançar discos esquisitíssimos e geniais em que misturava jazz-rock, experimentações vanguardistas e letras sobre ocultismo.

De volta à Inglaterra, Bond estava falido e com mais problemas mentais, ele ainda gravou dois discos maravilhosos com o amigo Ginger Baker em seu projeto Air Force. Excelentes discos, especialmente o "2", uma obra-prima absoluta e o mais próximo que a Inglaterra chegou de ter seu Sly and the Family Stone.

Infelizmente, o emprego com Ginger Baker não durou muito. Graham continuou usando heroína e ácido, e sua condição psicológica deteriorou a ponto de amigos o internarem em um manicômio. Em 8 de maio de 1974, Graham Bond andou até a estação de metrô de Finsbury Park, em Londres, e se jogou nos trilhos. Ele tinha só 36 anos.

Graham Bond teve uma carreira discográfica de pouco mais de dez anos, tudo é muito bom, excelente. A quem se interessar em saber mais sobre o artista, existe o livro "Unknown Legends of Rock and Roll" (1998), de Richie Unterberger, lançado há alguns meses em e-book, que traz um capítulo bem completo sobre a carreira de Graham Bond.

Ali Farka Touré

Ali "Farka" Touré

' O blues/folk do Mali '

Ali Farka Touré foi um guitarrista e cantor maliano. A sua música é uma interseção da música tradicional do Mali com o blues e o seu legado deu sentido à vida de muitas pessoas em África.

Breve Biografia:

Ali "Farka" Touré nasceu, em 1939, na vila de Kanau (noroeste do Malí). A mãe apelidou-o de Farka, que significa burro, animal bem considerado na sociedade rural africana pela sua força.

O pai foi alistado no exército francês e morreu enquanto lutava contra os nazistas na IIª Guerra Mundial. E a família mudou-se para Niafunké, cidade deserta nas margens do rio Níger.

Filho do rio, como gostava de se chamar, Ali depressa se interessou pela música e contar historias. Fez o seu primeiro instrumento a partir de uma lata de sardinha com apenas uma corda. Quando era jovem, não frequentou a escola. Foi taxista, motorista de ambulâncias fluviais e mecânico.

Arte da cultura africana.

Em 1966, conheceu o guitarrista guineense, Keita Fodeba. Depois de o ver tocar, jurou que também seria guitarrista.

Em 1968, viajou para a europa, pela primeira vez, para atuar no Festival da Juventude em Sófia (Bulgária), onde comprou a sua primeira guitarra.

Nesse ano, um amigo fê-lo ouvir alguns discos da música afro-americana: o funk de James Brown, a soul/music de Otis Redding e o blues de John Lee Hooker.

 "Quando ouvi os seus blues, a primeira coisa que pensei foi que John Lee Hooker era africano, embora não compreendesse a língua em que ele cantava", recordou Touré com gargalhadas.

Dois anos mais tarde, em Bamako, conseguiu emprego como técnico de som na Rádio Mali. Com a ajuda de Boubacar Traoré, aproveitou as horas livres para gravar as primeiras canções.

A sua música espiritual reunia as tradições sonoras das etnias Songhai, Peul e Tamascheq, cujas ínguas ele sabia desde jovem.

O seu prestígio atravessou as fronteiras da África e chegou a Paris graças à etiqueta "Sonodisc", que lançou os seus primeiros discos. Um deles chegaria até Londres.

Em 1986, Anne Hunt, co-fundadora do editora britânica "World Circuit", viajou para Bamako a fim de localizar o "pai" do blues africano. Com a ajuda de Toumani Diabaté, colocou um anúncio na rádio nacional. Farka viu a mensagem e apareceu na estação de rádio.

Farka, "filho do rio".

Em 1987, visitou Londres, onde atuou e gravou o seu primeiro álbum para a "World Circuit". Desta relação saiu uma das mais importantes discografias da África.

A mítica cidade de Timbuktu serviu de inspiração para o disco que gravou, em 1994, com o guitarrista californiano, Ry Cooder: "Talking Timbuktu".

Em 2000, no auge do sucesso, abandonou os espetáculos para ser Presidente da Câmara de Niafunké ("Primeiro, sou agricultor; depois sou artista", disse.). Estava comprometido com o futuro do seu povo e gastou muito dinheiro na agricultura.

Ali "Farka" Touré morreu a 7 de março de 2006. A sua música é uma intersecção da música tradicional do Mali com o blues. O seu legado deu sentido à vida de muitas pessoas na África.

Texto por: António José André. 

(@Esquerda)
07 de março 2022

Betty Davis

Betty Davis

' Pioneira do Funk '

Linda, sensual e com uma voz única, Betty Davis é uma das figuras mais influentes da história do funk. Nomes hoje consagrados como Red Hot Chili Peppers, Prince, The Roots, Rick James, Outkast, Erykah Badu e Macy Gray apresentam inegável influência da música repleta de personalidade e sensualidade da cantora, e não soariam como soam hoje caso Betty Davis não tivesse existido.

História

Nascida em 26 de julho de 1945 na cidade de Durham, no estado norte-americano da Carolina do Norte, Betty Mabry (seu sobrenome de batismo) mudou-se para Nova York no início da década de 60 e lá começou a trabalhar como modelo, realizando editoriais para revistas como Seventeen, Ebony e Glamour. O trabalho como modelo a projetou no cenário de celebridades da Big Apple, e a partir de 1966 Betty passou a frequentar as festas mais disputadas da cidade. Foi nesses eventos badalados que a bela modelo topou com artistas do porte de Sly Stone, Jimi Hendrix e Miles Davis, encontros que mudaram a sua vida para sempre.

A afinidade com Hendrix e Miles foi quase instantânea. Logo transformou-se em grande amiga do primeiro, fazendo parte do seu círculo íntimo. Em relação a Miles, a amizade evoluiu para um tórrido romance e os dois acabaram se casando em setembro de 1968. Com o casamento, Betty alterou o seu sobrenome para Davis, enquanto Miles mergulhou em uma das fases mais criativas e inovadoras de sua longa carreira.

O impacto do relacionamento entre Miles e Betty pode ser sentido com bastante evidência na trajetória do mítico trompetista. O álbum Filles de Kilimanjaro, lançado em 29 de janeiro de 1969, traz uma foto de Betty Davis na capa, além de uma faixa chamada "Mademoiselle Mabry (Miss Mabry)", gravada no mesmo mês do casamento dos dois e dedicada à cantora. 

Em sua autobiografia, Miles Davis credita a Betty, sua segunda esposa, a semente fundamental que o levou a explorar novos caminhos musicais no final dos anos sessenta, apresentando-o ao rock psicodélico da Jimi Hendrix Experience e ao funk inovador de Sly & Family Stone. A influência da música de Hendrix e de Stone na obra de Miles pode ser sentida em toda a sua plenitude no fantástico álbum duplo Bitches Brew, lançado em abril de 1970. Nesse disco, Miles Davis reinventou sua música, fundindo o jazz ao rock e ao funk em um trabalho que é considerado por muitos como o responsável pela criação de um novo gênero, o Jazz-fusion.

O trompetista Miles Davis.

Betty Davis também influenciou o visual de Miles no período em que esteve casa com o músico. Seu cabelereiro e seu estilista transformaram-se também no cabelereiro e no estilista de Miles, renovando a imagem e o figurino do trompetista, que passou a desfilar com um visual que refletia as inovações sonoras que estava produzindo naqueles anos, contrastando com o modo de vestir sóbrio e elegante dos tempos de Kind of Blue, de 1959.

O casamento chegou ao fim devido aos boatos e às desconfianças de Miles a respeito de um provável caso de Betty com Jimi Hendrix, affair esse sempre negado pela cantora. O fato é que Miles e Hendrix haviam se aproximado bastante e alimentavam a ideia de gravar juntos, plano esse que não se concretizou devido à morte precoce do genial guitarrista, em 28 de setembro de 1970.

Com a separação, Betty Davis mudou-se para Londres, onde retomou a sua carreira de modelo. Os anos ao lado de Miles fizeram com que Betty, que sempre gostou de música, se interessasse ainda mais pela coisa, e ela começou a compor algumas canções ainda na Inglaterra. De volta aos Estados Unidos, rumou para Los Angeles com a intenção de gravar um álbum ao lado do guitarrista Carlos Santana, mas isso acabou não acontecendo. A cantora, então, reuniu um grupo de talentosos músicos de funk da costa oeste e, com a ajuda de feras como Neal Schon (na época na banda de Santana), Larry Graham, Sylvester e as Pointer Sisters, registrou as canções que iriam fazer parte de seu primeiro álbum.

Lançado em 1973, Betty Davis, o disco, é um clássico incontestável do funk setentista. A principal característica do play é a alquimia perfeita entre grooves cheios de balanço e guitarras pesadas, como fica claro na faixa de abertura, a antológica "If I´m Luck I Might Get Picked Up". A voz de Betty varia entre momentos mais raivosos e gritados (como na já citada faixa que abre o disco) e outros mais sensuais e sussurrados, como em "Anti-Love Song". Outros destaques são "Walkin´ Up the Road", "Your Man, My Man", "Steppin´ in Her I Miller Shoes" (que fala sobre uma jovem garota vinda do interior com grandes sonhos, mas que acaba sendo vítima da indústria do entretenimento - segundo a própria Betty, a música fala de Devon Wilson, que namorou Jimi Hendrix no período em que o guitarrista e Betty eram grandes amigos. Wilson também foi homenageada por Hendrix na canção "Angel") e "Game is My Middle Name".

O álbum gerou reações contraditórias na imprensa. Ao mesmo tempo em que elogiavam os dotes vocais de Betty e o talento dos músicos de sua banda, os críticos reclamavam das letras sugestivas, repletas de insinuações sexuais, e da própria postura de Betty Davis, sexualmente explícita. Estamos falando de uma cantora negra no início dos anos setenta nos Estados Unidos, falando abertamente de sexo.

Capa do segundo álbum.

Em 1974 chegou às lojas o seu segundo álbum, com o provocativo título de They Say I´m Different, embalado em uma capa onde Betty está vestida com um figurino que remete à mitologia egípcia. Menos rock e mais funk que a estreia, They Say I´m Different abre com a sensualíssima "Shoo-B-Doop and Cop Him", recheada pelos vocais manhosos da cantora. 

Esse segundo disco mantém a consistência do trabalho de Betty Davis e apresenta várias faixas de destaque, como a já citada "Shoo-B-Doop and Cop Him", "He Was a Big Freak", a sensacional "Don´t Call Her No Tramp", "70´s Blues", a balada "Special People" e a poderosa faixa-título.

Foi lançado apenas um single para o play, da faixa "Git in There", e a boa repercussão do álbum, aliada às performáticas apresentações ao vivo de Betty, fizeram seu nome crescer bastante entre os aficcionados pelo funk e pela então nascente cultura da dança, que levava multidões de jovens aos clubes noturnos de Nova York naquela primeira metade dos anos setenta e que culminaria, alguns anos mais tarde, com o surgimento da disco music.

O impacto positivo fez com que Betty Davis fosse contratada pela Island Records, deixando a Just Sunshine, gravadora que havia lançado seus dois primeiros discos. A estreia da cantora em uma major ocorreu com o lançamento de Nasty Gal, em 1975. O álbum mantém as características marcantes dos dois primeiros trabalhos, acrescentando marcantes tintas psicodélicas ao funk rock sensual de Betty. A capa explorava mais uma vez seu sex appeal, e o conteúdo do disco deixava isso ainda mais evidente.

Ao mesmo tempo em que caía na graça de DJs e da juventude mais mente aberta, Betty Davis sofria críticas e boicotes por parte de grupos religiosos conservadores, que não gostavam nada de sua atitude abertamente sexual e de suas performances provocativas em cima dos palcos. Betty gravou em 1976 seu quarto álbum, Crashin´ from Passion, mas o trabalho não chegou a ser lançado. Desanimada, a cantora retirou-se da cena musical.

Betty Davis em sua carreira de modelo.

Com o passar dos anos os discos de Betty Davis foram redescobertos por colecionadores de todo o mundo, e um culto em torno da cantora começou a surgir. Foram vários relançamentos remasterizados e incluem extensos encartes com muitas informações. Um fato interessante é que Crashin´ from Passion, considerado por uma grande parcela dos críticos e pelos próprios músicos que o gravaram como o melhor trabalho da carreira de Betty, não viu a luz do dia por longos 33 anos, já que foi gravado em 1976 e lançado apenas em 2009.

Betty Davis é, indiscutivelmente, uma das artistas mais influentes surgidas nos anos 1960 e 1970. Figura fundamental na transformação estética e sonora de Miles Davis, mutação essa que gerou obras-primas como In a Silent Way, Bitches Brew e Tribute to Jack Johnson, possui também uma ótima, apesar de curta, carreira solo, com discos sensacionais que merecem ser descobertos por toda e qualquer pessoa que gosta de música. Se você é uma delas, mergulhe agora mesmo em seus discos e descubra um universo repleto de balanço, groove e muita sensualidade.

Johnny Winter

Johnny Winter

' O tornado do Texas '

"Eu simplesmente gosto mais de blues do que de rock 'n' roll"

"Eu espero ser lembrado como um bom músico de blues"

"Acho que o blues estará sempre por aí... é preciso apenas uma pessoa para conscientizar as pessoas sobre o blues"

"Eu amo tocar guitarra"

"Eu posso não ser o melhor guitarrista do mundo, 

mas toco com meu coração e alma".

“ Energia incomparável e vibrante... violão acústico maravilhoso... blues visceral e intenso” – Blues & Rhythm

“Guitarra blues-rock texana cortante e extravagante” – New York Times

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John Dawson Winter III nasceu em 23 de fevereiro de 1944 no Texas. Ele foi uma lenda da música americana. Desde sua primeira aparição nas páginas da Rolling Stone em 1968, Johnny personificou o herói da guitarra blues-rock, ardente e extravagante. Entre 1968 e 1980, ele gravou quinze álbuns que definiram o gênero blues-rock, desde a potência bruta de “Rock and Roll Hoochie Koo” até a sutileza do blues acústico do Delta. Apesar do enorme sucesso, Johnny queria retornar às raízes do blues, de onde sua música rock brotou.

Em 1984, ele assinou com a Alligator Records, onde gravou os discos de blues puro que sempre sonhou em fazer. Seus três lançamentos pela Alligator, aclamados pela crítica, dois dos quais receberam indicações ao Grammy, solidificaram a reputação de Johnny como um dos maiores artistas de blues do mundo. 

A trajetória de Johnny começou quando ele tinha apenas quatorze anos. Ele e seu irmão Edgar Winter, um multi-instrumentista virtuoso, formaram o Johnny and the Jammers em sua cidade natal, Beaumont, no Texas. Com seu blues energético, o Johnny and the Jammers se tornaram um fenômeno local, vencendo concursos de talentos e eventualmente conseguindo um contrato de gravação com a gravadora Dart. 

Seu primeiro single, “Schoolboy Blues”, foi lançado quando Johnny tinha apenas quinze anos. Após a dissolução da banda, e com exceção de uma breve temporada em Chicago no início dos anos 60, Johnny tornou-se presença constante nos estúdios de gravação de Houston e Beaumont, gravando dezenas de músicas como líder e músico acompanhante. Quando não estava no estúdio, ele tocava em clubes ou participava de shows com artistas de blues em turnê, como B.B. King e Bobby "Blue" Bland, conquistando uma reputação no circuito de shows para o público negro.

No início de 1968, Johnny, agora morando em Austin, Texas, formou um trio com Tommy Shannon no baixo (que mais tarde tocou com o Double Trouble de Stevie Ray Vaughan) e Uncle John Turner na bateria. Em sua busca por shows, o trio foi rejeitado por dezenas de casas de shows, a maioria das quais simplesmente não estava disposta a contratar uma banda de blues pesado. Mas, finalmente, conseguiram uma vaga no Vulcan Gas Company, em Austin.

Estavam atraindo um bom público, mas a única opção de gravação que tinham era com Bill Josey, um empresário local que os gravou com um equipamento portátil, essas fitas apareceriam mais tarde na Imperial Records e lançado como um álbum chamado: The Progressive Blues Experiment.

Desanimado, Johnny arrumou as malas e foi para a Inglaterra. "Tínhamos acabado de gravar as faixas que a Imperial Records lançaria mais tarde em um álbum", lembrou ele. "Eu tinha ido para a Inglaterra e tive a ideia de levar a banda inteira para lá. Quando voltei, havia saído um artigo sobre mim na Rolling Stone, e todas as grandes gravadoras estavam me ligando".

Johnny logo assinou com a gravadora Columbia em um contrato milionário bastante divulgado. Embora os valores exatos nunca tenham sido revelados, o contrato de Johnny era considerado o mais lucrativo já firmado até então. Ele foi aclamado pela imprensa nacional como o candidato americano a recuperar a coroa de "rei da guitarra" dos britânicos Eric Clapton, Jimmy Page e Jeff Beck.

Johnny gravou quatro álbuns clássicos com a Columbia, cada lançamento se afastando do blues tradicional e se aproximando do rock propriamente dito. Entre eles, o essencial marco do hard rock, Johnny Winter And..., seu álbum mais vendido de todos os tempos.

Em meados da década de 1970, Johnny era o artista de rock de arena número 1 em público nos Estados Unidos. Em 1974, ele começou a gravar para a Blue Sky, uma gravadora distribuída pela CBS e fundada por seu empresário, Steve Paul. Johnny não apenas lançou quatro álbuns solo pela Blue Sky, como também produziu vários álbuns de Muddy Waters, dando à lenda do blues a oportunidade de gravar para uma grande gravadora.

Dois desses álbuns, Hard Again e o sucessor, I'm Ready, ganharam prêmios Grammy. "Trabalhar com Muddy Waters me fez sentir que as pessoas finalmente estavam percebendo que eu não estava fingindo e que realmente sabia tocar blues", disse Johnny. "Senti que me estabeleci."

Após um hiato de quatro anos sem gravar, Johnny se juntou à família da Alligator Records em 1984. Seu desejo de gravar apenas blues autêntico tornou a parceria perfeita. Quando Johnny lançou Guitar Slinger, o álbum foi amplamente aclamado como o seu melhor (e mais bluesy) trabalho até então; entrou para as paradas da Billboard e da Cashbox, além de receber uma indicação ao Grammy.

No ano seguinte, Johnny lançou Serious Business. O álbum explosivo rendeu a Johnny sua segunda indicação ao Grammy com a Alligator. 3rd Degree, seu último lançamento pela Alligator, saiu em 1986. O álbum contou com vários convidados especiais e uma variedade de estilos de blues. Os integrantes originais do Johnny Winter Trio, Tommy Shannon e Uncle John Turner, assim como Mac "Dr. John Rebennack fez participações especiais.

Johnny também gravou duas faixas solo acústicas na guitarra National Steel (a primeira vez que tocou a National em estúdio desde 1977). O álbum de 2015, lançado apenas em vinil, " It's My Life, Baby – The Best Of The Alligator Records Years", reúne oito faixas clássicas desses lançamentos, apresentando uma performance brilhante e marcante após a outra.

Enquanto estava na Alligator, Johnny vivia seu sonho artístico, gravando apenas blues puro. Surpreendentemente, seus álbuns pela Alligator conquistaram espaço nas rádios de rock, e o videoclipe da música "Don't Take Advantage of Me" foi exibido na então jovem MTV por mais de seis meses. Mas, independentemente do sucesso comercial que os álbuns de Johnny pela Alligator alcançaram, eles nunca comprometeram sua fidelidade às suas raízes.

Após seus três lançamentos pela Alligator Records, a equipe de Johnny o convenceu de que ele precisava retornar ao blues-rock mais comercial e ao mundo das grandes gravadoras. Winter nunca parou de fazer turnês e gravar, embora estivesse enfrentando problemas de saúde crescentes. Ele lançou vários álbuns ao vivo e de estúdio aclamados pela crítica, mantendo-se tão requisitado como sempre.

Embora tenha continuado a levar alegria aos fãs ao redor do mundo com seus shows ao vivo e gravações, Johnny Winter nunca mais gravou com a inspiração de estar contratado por uma gravadora de blues e com o acompanhamento de verdadeiros músicos de blues de Chicago. 

It's My Life, Baby – The Best Of The Alligator Records Years encantará fãs antigos e novos, e os lembrará do intenso amor de Johnny pela tradição do blues e de seu desejo de levar o blues mais profundo e autêntico ao público mais amplo possível.

Winter faleceu em 16 de julho de 2014, durante uma turnê na Suíça. Pouco depois de sua morte, seu último álbum de estúdio, Step Back , foi lançado.

@Aligator