Histórias do Blues: Buddy Guy | Documentário |

Buddy Guy 

The Blues Chase The Blues Away 

| Documentário |

Buddy Guy supera suas origens humildes como meeiro na década de 1940 para se tornar um lendário guitarrista de Blues que influenciaria inúmeros músicos, incluindo Jimi Hendrix e Eric Clapton.

Front Row Music: Construída em torno de artistas lendários e filmagens exclusivas que você não encontrará em nenhum outro lugar, a Front Row Music é o seu destino único para todas as apresentações de música ao vivo. Solos de guitarra de tirar o fôlego que fazem a casa cair? Nós temos tudo o que você precisa! Harmonias em oitavas agudas que fazem a plateia pular? Você encontrará aqui! Somos apaixonados por apresentações ao vivo e pela arte que une fãs do mundo todo por meio de música atemporal e universal.

Beth Hart and Jeff Beck

Beth Hart

Beth Hart and Jeff Beck

I’d Rather Go Blind (Buddy Guy Tribute) 

Kennedy Center Honors - 2012 -

Se você já viu Beth Hart ao vivo ou se aprofundou em sua música, sabe que ela coloca cada grama do seu ser em suas canções. Além de todos esses superpoderes de empatia, ela também precisa de alguém para segurá-la quando cai. Incendiários inspiram; é o que atrai as pessoas. No entanto, parte da constituição dessas personalidades é que elas não usam cintos de segurança. Elas prosperam na liberdade e no espaço ao seu redor. Mas, com isso, vem o perigo; você precisa de um tapete de choque emocional, e eles salvam vidas. É algo que todos nós precisamos em algum momento da vida.

Beth diz sobre a faixa-título: “Esta é uma história real. Tive um momento em que não estava de bom humor, e estava no sofá, chorando muito, e o Scott disse: 'Ei, você precisa de um abraço?'. Eu disse: 'Não tenho mais nada dentro de mim para amar', e ele disse: 'Você ainda me tem'. Eu disse: 'Espere um minuto; já volto'. Desci as escadas e usei essas palavras e como ele as disse. Você diz algo assim, e alguém que você ama responde, mas você ainda me tem. É verdade. Se eu ainda o tenho, ainda tenho tudo.”

Você pode ver isso no vídeo de "You Still Got Me", que apresenta de forma comovente seu amado marido, Scott. Junto com a equipe ao seu redor, eles fornecem essa superfície para ela se apoiar quando precisa. Seus fãs a adoram, e o sentimento é replicado. Você pode ver isso noite após noite em turnê; a adulação que ela recebe e que também retribui, e é por isso que existe um vínculo como poucos outros artistas têm. Essa conexão foi forjada ao longo dos últimos 28 anos lançando músicas nas quais ela carrega seu coração sem remorso – como uma guerreira. Que é exatamente o que ela é.

Não tem problema não estar bem. Não tem problema lutar às vezes, e é preciso uma força enorme para se abrir e ajudar. Estender a mão para alguém segurá-la é força. Isso é algo que todos nós podemos aprender.

Beth diz sobre seu processo de composição: “Eu nunca escrevo pensando que vai virar um álbum ou que vai chegar às pessoas. Quando escrevo, é sempre pela alegria de escrever ou pelo desafio de escrever, para buscar o que está acontecendo. Às vezes, eu vou justamente quando estou triste ou com medo. Se eu dou uma olhada no piano, às vezes ele se revela. Às vezes uma música surge, às vezes não. De qualquer forma, há conforto nisso.”

Beth explica a mensagem contida nas músicas: “Deixo isso para o ouvinte decidir. Pessoalmente, eu sei para que serve agora. Uma das coisas bonitas que adoro em músicas e álbuns é que, com o tempo, esse significado muda. Gosto de manter isso em aberto porque posso aprender muito com isso. Muitas vezes, quando componho uma música, acho que sei o que ela significa para mim naquele momento. Mas um ano se passa, e ela significa algo totalmente diferente.”

Não é preciso procurar muito para encontrar momentos de luz do dia ao longo do álbum. Você pode vê-la na música "Little Heartbreak Girl", que atravessa as nuvens como lanças de esperança e poder. "Little Heartbreak Girl, you're on your own", ela anseia, mas prossegue com "Little heartbreak girl, stronger than stone". Ainda assim, é a letra "You're gonna conquer the world" (Você vai conquistar o mundo), espalhada por toda a música, que se destaca no topo da montanha, fincando uma bandeira na pedra.

O funk decadente e carregado de groove de "Suga N My Bowl" conta com os dedos de fogo e destreza do mago canhoto e amigo de longa data Eric Gales. Gales diz: "É realmente uma honra fazer parte de algo que tenha a ver com a nossa amiga Beth Hart. Ela entrou em contato conosco, nos contando sobre essa música poderosa que ela estava escrevendo e trabalhando, e ela sentiu que era perfeita para mim. É claro que, quando a ouvi, eu disse: COM CERTEZA!!! Beth, LaDonna e eu somos boas amigas há algum tempo. E nós a amamos. Estou muito honrada por ela ter pensado em mim para participar. É uma música muito poderosa!"

“O Eric Gales é foda, e eu fui muito abençoada”, diz Hart. “Eu não estava lá, pois a música foi enviada para outro estúdio. Ouvi isso da esposa dele, a linda, talentosa e foda, LaDonna. Ele chegou, eles tocaram os primeiros compassos da música, e ele disse, tudo bem, eu entendi, e fez uma tomada, e ele disse, terminei, te vejo mais tarde”, ela ri. “É assim que o Eric Gales é fenomenal. Eu o amo. Eu o adoro e o respeito loucamente.”

"You Still Got Me" é o décimo primeiro álbum de estúdio de Hart, e aqui e agora, ele a encontra trilhando uma trajetória de carreira que já vem caminhando para as estrelas há vários anos e continua decolando. Seus álbuns mais recentes, "A Tribute To Led Zeppelin" (2022) e "War In My Mind" (2019), tornaram-se seus lançamentos de maior sucesso nas paradas do Reino Unido e dos EUA até hoje, além de entrarem no Top 10 na Alemanha e França, Suécia, Bélgica, Suíça, Polônia, Áustria e Holanda.

O álbum explode com o rock eletrizante "Savior With A Razor", com Slash, do Guns n' Roses. Ela rosna a letra: "Desenterre meus ossos ruins do lixo, venda minha alma doente, fique com o dinheiro, beije o pregador, beije minha bunda, eu sou uma fúria, como um salvador, com uma navalha, estou derrubando o diabo." O hino épico, ao estilo de James Bond, troveja com um desafio niilista enquanto os vocais de Beth conduzem o ouvinte através das sombras e atravessam o teto enquanto a guitarra de Slash envolve a história de forma eletrizante.

Falando sobre trabalhar com Beth, Slash diz: “Beth Hart é uma das minhas artistas favoritas para trabalhar. Ela é uma cantora/letrista incrível em muitos aspectos. Mas Beth também é uma amiga sincera e genuína. Ela é incrível.”

“O Slash é um verdadeiro jogador de equipe”, Beth elogia. “Conheci pessoas incríveis neste ramo, que são figurões, e esse cara é o melhor jogador de equipe que já conheci. Ele é simplesmente um cara durão, sem ego nenhum, e entende muito de assuntos delicados. Eu tive muita sorte. Entrei em contato e perguntei: 'Ei, cara, você tem algum interesse?', e ele topou. Ele estava totalmente envolvido, e eu fiquei chocada.”

A bela balada de piano 'Wonderful World' transborda otimismo. "Essa música foi escrita para e sobre minha linda sobrinha", diz ela. "No entanto, com o passar do tempo, percebo que, na verdade, foi escrita para a linhagem das mulheres da minha família. Em toda a linhagem: minha bisavó, minha avó, minha mãe, minhas irmãs, minha sobrinha e sua filha. Então, é a linhagem e como é imperativo para mim ver isso, e que presente finalmente ver isso."

Ela oferece um conto de advertência em "Never Underestimate a Gal", enquanto "Drunk on Valentine", ao estilo de Tom's Waits, é uma balada de bar suave, jazzística e esfumaçada. Sua "música mais pessoal e poderosa do álbum" é a assombrosa obra sociopolítica "Don't Call The Police", uma observação incrivelmente crua, perturbadora, mas essencial, sobre o assassinato de George Floyd – "Fiquei com o coração partido. Como você pode assistir a isso e não ficar com o coração partido por ele, sua família e todos os outros em campo?", explica ela.

Movendo corações e almas em todo o mundo, suas turnês a levaram por todo o mundo, lotando salas em locais icônicos como o Ryman Auditorium de Nashville, o Ziggo Dome de Amsterdã e o Royal Albert Hall de Londres. Com shows esgotados no mundo todo, suas viagens recentes a levaram pelos EUA, Europa e Índia, Marrocos, Austrália e Canadá.

"You Still Got Me" foi gravado em 2023 e produzido por Kevin Shirley no Ocean Way Studios em Nashville, Tennessee – instalado em uma igreja centenária de pedra cinza, em estilo gótico revival, no coração da Music Row. A relação de trabalho de Beth com Kevin Shirley remonta aos seus três álbuns em colaboração com Joe Bonamassa (Don't Explain, Seesaw e Black Coffee) e ao seu álbum de estúdio de 2012, Bang Bang, Boom Boom.

Shirley a chama de "Diamante. Uma contradição viva". Ele continua: "Ela é áspera e dura no fundo – brilhante, sofisticada e polida na apresentação. Beth é uma das musicistas mais formidáveis ​​com quem já trabalhei. Imensamente talentosa e talentosa. Acho que este álbum mostra todas as facetas da joia gigante que é Beth Hart. Faixas afiadas como a lâmina de uma espada de samurai, baladas suaves e sensuais e mensagens emocionais tocantes tornaram a gravação deste álbum uma das mais especiais que já fiz. Você tem que amá-la. Não há ninguém como ela, e ela é a melhor."

“Sou sempre muito controladora e protetora com as músicas”, diz Beth. “Uma das coisas que o Kevin me disse foi: ‘Você precisa ter certeza de que isso vai ser muito divertido. Divirta-se. Deixe rolar. Não seja tão protetora com essas músicas, como uma mãe urso.’ Eu realmente tive que refletir sobre isso, mas deixei rolar e, graças a Deus, consegui. O Kevin é foda. Ele também tinha uma banda ótima. Fenomenal.”

Existe uma conexão eletrizante entre Beth e seus fãs, quase incomparável. Sua capacidade de tocar as pessoas com sua música e palavras que tocam direto no coração significa que ela vive cada palavra que canta, e os fãs se apegam a cada palavra, vivendo-a com ela. "You Still Got Me" oferece aos fãs a chance de abraçá-la e confortá-la enquanto ela continua a navegar em sua jornada com graça e coragem.

Todos nós temos o nosso "Eu" quando ela canta "You still got me" – um ente querido, um amigo, um animal de estimação, um lugar, uma memória, uma música... mesmo em seus momentos de fragilidade, Beth Hart continua a inspirar. Ela enterra a mão fundo e expõe suas emoções para que todos possamos nos ver como um espelho, lembrando-nos de que você pode se sentir mal, mas sua força interior é muito mais poderosa.

Hart, multipremiada e indicada ao Grammy, é reconhecida como uma das vozes mais talentosas de sua geração; ela tocou de acordo com suas próprias regras. Ela colaborou com lendas e ícones, viajou o mundo, liderou as paradas de blues da Billboard seis vezes, conquistou disco de platina duplo e teve uma série de álbuns no Top 10 das paradas em toda a Europa, no Top 30 das paradas oficiais da Billboard nos EUA, ultrapassando 600 milhões de streamings, número que continua crescendo.

Beth Hart é uma potência em todos os sentidos da palavra, e... ela é uma BADASS gigantesca!

https://www.bethhart.com/

JIMI HENDRIX - MUITO ALÉM DO MITO

JIMI HENDRIX: 

O XAMÃ

https://www.jimihendrix.com/

A Experience Hendrix LLC e a Legacy Recordings, uma divisão da Sony Music Entertainment, lançaram Songs For Groovy Children: The Fillmore East Concerts, de Jimi Hendrix, em CD e digital, seguido de um lançamento em vinil em 13 de dezembro. Esta coletânea reúne os quatro shows históricos de estreia do lendário guitarrista em sua sequência original de apresentações. O conjunto de 5 CDs ou 8 vinis apresenta mais de duas dúzias de faixas nunca antes lançadas comercialmente ou que foram prensadas e remixadas recentemente.

Ao longo de quatro anos extraordinários, Jimi Hendrix deixou sua marca indelével na música popular com uma velocidade de tirar o fôlego. Comparados aos seus triunfos no Monterey Pop e em Woodstock, os lendários shows de Hendrix em Fillmore East ilustraram uma reviravolta crucial em uma carreira radiante e repleta de possibilidades indefinidas.

O impacto revolucionário que Jimi Hendrix, Billy Cox e Buddy Miles tiveram sobre os limites e definições do rock, R&B e funk pode ser atribuído a quatro shows ao longo de duas noites cativantes. Essas apresentações foram celebradas pela primeira vez por Band of Gypsys, que apresentou seis músicas dos dois shows de 1º de janeiro de 1970, incluindo "Machine Gun", a peça central dramática do álbum. Lançado em abril de 1970, Band of Gypsys desafiou e surpreendeu o grande público de Jimi Hendrix com seus arranjos extensos e sua vibrante mistura de rock e soul.

Em junho de 1969, no auge da fama, o The Jimi Hendrix Experience encerrou um capítulo musical. Antes que a onda de choque se acalmasse, Hendrix reuniu um novo e expandido conjunto para se apresentar em Woodstock em agosto. Um novo capítulo foi inaugurado quando Hendrix apresentou o Gypsy Sun and Rainbows. O grande conjunto incluía o amigo de longa data de Jimi, Billy Cox, no baixo, com quem ele se tornara amigo quando ambos serviam na 101ª Divisão Aerotransportada em Fort Campbell, Kentucky, em 1962. Essa formação de Woodstock teve vida curta; de suas cinzas, um novo trio surgiu em outubro, que Hendrix apelidou de Band of Gypsys, composto por Hendrix, Cox e o baterista do Electric Flag, Buddy Miles, que também contribuiria ocasionalmente nos vocais principais. Hendrix foi inspirado por sua colaboração com Cox e Miles, e essa renovação criativa impulsionou o desenvolvimento de um novo material promissor, como "Power Of Soul", "Burning Desire" e a extraordinária "Machine Gun".

Suas primeiras apresentações ao vivo foram uma série de quatro concertos no Fillmore East, em Manhattan – dois na véspera de Ano Novo de 1969 e dois no dia de Ano Novo de 1970, cada um gravado profissionalmente. Hendrix havia esgotado os ingressos do Madison Square Garden apenas nove meses antes, mas o Fillmore East foi escolhido como cenário para uma gravação ao vivo. Muito antes de sua fama, Hendrix havia assinado o que pensava ser uma autorização para se apresentar como músico de estúdio em outubro de 1965. Infelizmente, o contrato artístico de uma página redigido pela PPX Industries vinculava seus serviços por um período de três anos. Não disposto a viver de mãos atadas, Hendrix concordou com um acordo legal em 1968, pelo qual a Capitol Records receberia os direitos de distribuição de seu próximo álbum. No outono de 1969, a Capitol e a PPX estavam pressionando fortemente pela entrega do álbum e Hendrix decidiu dar a elas um álbum ao vivo.

Por mais estressante que essa obrigação legal tenha sido para o guitarrista, o resultado final provou ser um triunfo artístico. Fiel à sua imprevisibilidade, Hendrix abriu sua temporada de quatro shows com um repertório magistral de onze músicas, sem nenhuma de suas músicas lançadas comercialmente. Novas canções empolgantes como "Izabella", "Ezy Ryder" e "Burning Desire" empolgaram a casa lotada. Hendrix apimentaria os três shows restantes com regravações turbinadas de sucessos como "Stone Free", "Purple Haze" e "Fire", mas estas foram apresentadas ao lado de uma música devastadora e recém-desenvolvida como "Machine Gun". 

Em sua crítica do segundo show de Ano Novo, o crítico da Down Beat, Chris Albertson, escreveu: "Essa capacidade de utilizar plenamente as possibilidades técnicas de seu instrumento, combinada com sua fértil imaginação musical, o torna um artista excepcional."

No final de janeiro de 1970, a banda já era história, mas a mistura de funk, rock e soul pioneira do trio também se tornou história, causando um profundo impacto na música popular. Entre seus admiradores notáveis ​​estão os pioneiros do funk Parliament-Funkadelic, Curtis Mayfield, os Isley Brothers (com quem o próprio Hendrix já havia tocado) e Bootsy Collins, chegando até o hip-hop. Inúmeros artistas citam o disco como um marco em sua apreciação das habilidades extraordinárias de Jimi Hendrix.

O álbum original de 1970 da Band of Gypsys foi editado e sequenciado a partir de músicas tocadas durante os dois sets de Fillmore em 1º de janeiro de 1970. Coletâneas subsequentes extraíram mais material de cada uma das apresentações, com trechos significativos dessas gravações fenomenais daquelas noites permanecendo inéditos por quase meio século. Recém-mixados e restaurados em sequência, sem edições, os fãs finalmente podem ouvir Hendrix, Cox e Miles detonando em seus sets que desafiaram o gênero, que incluíam músicas inéditas como "Earth Blues" e "Stepping Stone", além de favoritos do Experience, como "Foxey Lady", "Voodoo Child (Slight Return)", "Wild Thing", "Hey Joe" e "Purple Haze". Além disso, novas versões emocionantes de "Stop", de Howard Tate, "Steal Away", de Jimmy Hughes, e uma escaldante "Bleeding Heart", de Elmore James, destacaram o domínio que o trio tinha sobre o blues e o R&B.

O pacote luxuoso está repleto de fotos inéditas de talentos como a fotógrafa Amalie Rothschild, da Fillmore East House, Jan Blom (cujas imagens icônicas e coloridas forneceram a arte original para a Band of Gypsys dos anos 1970), bem como o representante da Marshall Amplifier, Marc Franklin, que teve acesso total ao grupo em seu camarim nos bastidores. O livreto apresenta memórias do baixista Billy Cox e notas do autor/jornalista/cineasta Nelson George. 

Songs For Groovy Children foi produzido por Janie Hendrix, Eddie Kramer e John McDermott – o trio que supervisiona todos os projetos da Experience Hendrix desde 1995. O box foi masterizado pelo engenheiro de som vencedor do Grammy, Bernie Grundman.

Canal: Nuno Mindelis

https://www.youtube.com/@nmindelis

Neste vídeo, Nuno Mindelis fala sobre a genialidade de Hendrix — não como mito distante, mas como artista vivo, inquieto, revolucionário… e muito além da caricatura que às vezes se faz dele. Uma pincelada geral (ainda que apaixonada) sobre esse gênio da guitarra, do som e da estética. Um dia ele ainda merece um vídeo mais profundo aqui no canal. Entre falas, riffs e groove, eu também conto por que, pra Neste vídeo, falo sobre a genialidade de Hendrix — não como mito distante, mas como artista vivo, inquieto, revolucionário… e muito além da caricatura que às vezes se faz dele.

Uma pincelada geral (ainda que apaixonada) sobre esse gênio da guitarra, do som e da estética. Um dia ele ainda merece um vídeo mais profundo mim, Hendrix representa algo que atravessa o tempo — mesmo com tanta tecnologia disponível hoje.

Histórias do Blues: JiMi HeNdRiX

JiMi HeNdRiX

STAR SPANGLED BANNER 

Jimi Hendrix em Woodstock: 

O hino de uma geração!

Canal Negritude em Letras

https://www.youtube.com/@negritudemletras

O dia em que Jimi Hendrix reiventou o hino norte americano !!

A apresentação de "Star Spangled Banner" por Jimi Hendrix em Woodstock foi um ponto de virada na história do movimento de contracultura. Como um resumo de uma das eras mais voláteis da história do país, sua adaptação do hino nacional entrou para o nosso léxico cultural como talvez a pedra de toque musical mais poderosa da época, um zeitgeist de expressividade.

Galvanizado por lutas conflitantes entre os poderes que sancionavam (entre outras coisas) a guerra no Vietnã e aqueles que defendiam modos alternativos de ser, “SSB” pode, em certo sentido, ser visto como o ápice da visão artística de Hendrix, bem como um dos pontos altos de sua conquista técnica insuperável.

Quando Hendrix e sua banda subiram ao palco em Woodstock em 18 de agosto de 1969, as circunstâncias alteraram a natureza da apresentação pretendida. Originalmente agendada para encerrar o festival na noite anterior, a programação já havia, a essa altura, seguido o caminho das cercas que outrora cercavam a fazenda de Max Yasgur. Seriam cerca de dez horas depois da data originalmente programada para tocar que Hendrix finalmente se apresentaria em uma manhã chuvosa de segunda-feira, diante de um público que havia diminuído de um pico de fim de semana estimado em 400.000 para uma escassez comparativa de 30.000. A essa altura, o recinto do festival era um deserto de lama e escombros. Com frio, fome e sem as comodidades mais básicas, aqueles que esperaram pela apresentação de Hendrix se tornariam testemunhas de um dos momentos cruciais dos tumultuados anos 60.

O grupo reunido no palco com Hendrix foi uma aparição única de um conjunto expandido que Hendrix chamou de Gypsy Sun & Rainbows e contou com nomes como Mitch Mitchell na bateria, Billy Cox no baixo, Larry Lee na guitarra base, Juma Sultan e Jerry Velez na percussão e Hendrix liderando o caminho com guitarra e vocais.

E embora a apresentação tenha sido irregular, dadas as condições em que foram forçados a tocar, o set foi louvavelmente forte. A falta de organização levou Hendrix a se concentrar principalmente em jams mais longas, e sua execução foi caracteristicamente excelente.

Newsletter de Jimi Hendrix

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Apesar de sua posterior canonização, de acordo com Jerry Morrison, um provocador da indústria musical amigo de Michael Jeffrey, "Star Spangled Banner" quase não foi tocada. Em entrevista ao jornalista Jerry Hopkins, Morrison relembrou: "Houve uma discussão entre mim e Mike Jeffrey (então empresário de Hendrix) sobre se Jimi deveria ou não tocar "Star Spangled Banner". Mike disse que não. Isso já havia causado um tumulto em Dallas, e ele disse que as coisas já estavam ruins o suficiente ali, sem que piorassem. Eu discordei. Como Jimi seria o último ato, pensei que ele tinha que tocar o hino nacional. Não importava. Quando Mike saiu de casa, eu disse a Jimi para ir em frente."

Hendrix, sem dúvida, teria tocado “Star Spangled Banner” com ou sem a ajuda de Morrison, já que o hino havia se tornado uma constante no repertório de shows do The Jimi Hendrix Experience desde agosto de 1968.

Embora sua introdução à música após uma longa interpretação de "Voodoo Child (Slight Return)" parecesse quase incidental, sua execução ressaltou o fato de que ele tinha plena consciência da importância de ser tocada em meio a um marco cultural como Woodstock. Um modelo de expressionismo condensado, "SSB" foi uma obra que evocou o caos da época de uma maneira assustadora, apocalíptica e, ao mesmo tempo, extremamente libertadora e otimista; como composição, encapsulou perfeitamente as múltiplas forças que colidiram no final da década de 1960. Sua impressionante interpretação daquela época em particular a tornou atemporal o suficiente para ser tão relevante hoje quanto era naquela época.

Os sons que Hendrix extraía de sua Fender Strat eram literalmente uma recriação auditiva da guerra. Entre o fogo das metralhadoras, o cair das bombas, a fumaça das chamas de napalm e uma corrente subterrânea angustiante que evocava a polaridade agonizante que dilacerou nosso país e destruiu o Vietnã, Hendrix tratou a música com surpreendente reverência. Sem a pirotecnia, a abordagem de Hendrix às notas principais foi surpreendentemente medíocre – um fato que aumentou a tensão da música quando justaposta aos seus inimitáveis ​​exercícios de distorção. Como uma declaração sobre seus sentimentos em relação à guerra, "Star Spangled Banner" foi um veículo perfeito para a visão complexa de Hendrix de incorporar um trabalho técnico impressionante com ideias completamente novas no feedback.

Uma lembrança da apresentação de "Star Spangled Banner" aparece no livro Crosstown Traffic, de Charles Shaar Murray, sobre Hendrix . Para Shaar Murray, a adaptação do hino nacional feita por Hendrix "é provavelmente a obra de arte mais complexa e poderosa a lidar com a Guerra do Vietnã e seu efeito corruptor e distorcedor sobre gerações sucessivas da psique americana. Um homem com um violão disse mais em três minutos e meio sobre aquela guerra peculiarmente repugnante e suas reverberações do que todos os romances, memórias e filmes juntos".

“Foi uma performance que nenhum outro músico vivo seria capaz de conceber ou executar…”~ Charles Shaar Murray

Murray acrescenta: “Foi uma performance que nenhum outro músico vivo seria capaz de conceber ou executar e uma demonstração gráfica de que a ambição artística de Hendrix havia crescido em proporção — mas em uma direção radicalmente diferente — de sua imensa popularidade”.

Para entender por que nenhum outro músico vivo seria capaz de conceber ou executar esta obra, é necessário observar as reviravoltas irônicas que a vida de Hendrix tomou, já que a gênese de “Star Spangled Banner” é tanto biográfica quanto musical.

Jimi Hendrix no palco da Feira de Arte e Música de Woodstock, agosto de 1969.
Fotos: Allan Koss / © Authentic Hendrix, LLC

Enquanto Hendrix serviu como príncipe herdeiro reinante dos hippies no final dos anos 60, uma breve, mas crucial parte da primeira década foi passada em confins menos glamorosos como membro da 101ª Divisão Aerotransportada, estacionada em Fort Campbell, Kentucky. Em retrospecto, a noção de Hendrix como soldado parece cômica; sua passagem como paraquedista foi crucial para seu desenvolvimento artístico. Anos mais tarde, Hendrix falaria animadamente sobre a descarga de adrenalina de saltar de um avião e cair livremente pelo céu. O terror e a euforia combinados, o enorme som sibilante seguido pela estranha e plácida calma da descida, eram experiências que ele queria recriar em termos musicais. Que ele conseguiu fazer isso muito antes de adaptar "The Star Spangled Banner" é evidente; no entanto, ao fundir essa interpretação sonora com sua versão do hino nacional, ele encontrou um som amplo o suficiente para acomodar o alcance de sua visão e, ao fazê-lo, criou uma das maravilhas musicais da época. Contextualmente, seria difícil imaginar uma união mais unificada de ideias.

Mais mundana, mas não menos relevante, era a atitude de Hendrix em relação à guerra. Embora as pessoas presumam que "Star Spangled Banner" seja desafiadoramente anti-guerra, não é bem assim; tal noção limita o escopo da peça. Amigos frequentemente se surpreendiam com a postura pró-guerra de Hendrix em relação ao Vietnã. Eric Burdon lembrou que, quando Hendrix chegou à Inglaterra, falou fervorosamente sobre a necessidade de os Estados Unidos subjugarem o comunismo chinês antes que ele dominasse o mundo. É importante lembrar que Hendrix esteve em ambos os lados da cerca, vivenciando atitudes em relação à guerra tão diametralmente opostas quanto possível. Não é difícil imaginar Hendrix pensando menos nos hippies reunidos em Woodstock do que em seus velhos amigos da 101ª Divisão Aerotransportada (muitos dos quais foram direto de Fort Campbell para as selvas no exterior para testemunhar o combate em primeira mão) ao interpretar a música. Ao mesmo tempo, Hendrix possuía uma natureza pacifista que certamente contribuía para a objetividade radiante da obra.

Os comentários do próprio Hendrix sobre a apresentação são caracteristicamente contidos. Em conversa com Dick Cavett algumas semanas após Woodstock, ele disse simplesmente: "Sou americano, então toquei. Costumavam me fazer cantar na escola, então foi um flashback", uma declaração que diz mais sobre a modéstia de Hendrix do que sobre a grandiosidade da música.

Jimi Hendrix no palco da Feira de Arte e Música de Woodstock, agosto de 1969.
Fotos: Allan Koss / © Authentic Hendrix, LLC

Posteriormente, "Star Spangled Banner", em virtude de seu inegável poder e conotações culturais, tornou-se uma das peças definidoras da música popular. A interpretação de Hendrix do hino nacional pode ter aberto a porta para outros músicos interpretarem uma canção que antes era considerada proibida.

Hoje, o hino nacional é tocado em estádios e escolas por todos os EUA, e cada apresentação está sujeita à interpretação do próprio músico, sendo, na maioria das vezes, fortemente inspirada pela adaptação de Hendrix. Stevie Ray Vaughan certa vez interpretou a versão de Hendrix antes Posteriormente, "Star Spangled Banner", em virtude de seu inegável poder e conotações culturais, tornou-se uma das peças definidoras da música popular. A interpretação de Hendrix do hino nacional pode ter aberto a porta para outros músicos interpretarem uma canção que antes era considerada proibida.

Hoje, o hino nacional é tocado em estádios e escolas por todos os EUA, e cada apresentação está sujeita à interpre de um jogo de beisebol, e o U2 a incluiu em sua turnê "Rattle And Hum" e conta com uma série de outros artistas.

Em entrevista a David Fricke, da Rolling Stone, o guitarrista Vernon Reid, do Living Colour, aponta seus dois solos de guitarra favoritos de Jimi Hendrix – “Star Spangled Banner” (Woodstock) e “Machine Gun” ( Band Of Gypsys ), explicando: “Woodstock foi o fim da era hippie. E Hendrix era o homem no ápice. Era como se ele estivesse no topo da montanha. Esse solo é o discurso de Martin Luther King em “I Had A Dream” na guitarra: “Posso não chegar lá com você, mas vi a montanha.”

Mais do que isso, "Star Spangled Banner" é uma obra-prima interpretativa cuja majestade de tirar o fôlego é indicativa da visão inigualável de seu criador. Ao espelhar uma época que parecia enorme para formas de expressão ainda menos restritivas, Hendrix não apenas validou sua visão, como também esclareceu e expandiu a nossa.

DiScOs InCrÍvEiS: Buddy Guy & Junior Wells

Buddy Guy & Junior Wells

Play The Blues 

- 1972 -

O blues é talvez uma das coisas mais íntimas que um ser humano pode sofrer. No entanto, tocar blues, e assim expressar os sentimentos e estados de espírito mais íntimos de um homem, é provavelmente a tarefa mais importante da música negra. Com Buddy Guy e Junior Wells, temos dois discípulos do mundo do blues que expressam seu blues pessoal com profunda proficiência instrumental. O talentoso e autodidata guitarrista Buddy Guy ficou em 23º lugar na lista da revista Rolling Stones dos "100 Maiores Guitarristas de Todos os Tempos" e foi diversas vezes premiado com um dos cobiçados prêmios Grammy. Junior Wells ingressou na "academia" de Muddy Waters aos 18 anos e tocava gaita de blues com enorme paixão e virtuosismo.

Nesta gravação, os músicos condensam sua execução de rock sobre uma linha de baixo seca para criar um estilo funk que lembra um mantra ("A Man Of Many Words"), passando com passos rápidos para um som esguio e estridente no bandolim com uma construção de blues de 12 compassos e criando um groove terroso ("T-Bone Shuffle"). Em seguida, a dupla trabalha perseverantemente em um acorde implacável ("A Poor Man's Plea"), apenas para retornar a duas faixas que pulsam vigorosamente com uma batida rápida e irregular ("This Old Fool"). A banda cuidadosamente selecionada, entre eles o coprodutor Eric Clapton, eternizado na guitarra base e no braço, e o roqueiro vodu Dr. John, que ocasionalmente contribui com sua magia no teclado, fazem deste álbum uma experiência sonora verdadeiramente colecionável.

Banda:

Junior Wells - ( vocals, harmonica)

Buddy Guy - (vocals, lead guitar, rhythm guitar)

Eric Clapton - (rhythm guitar, bottleneck guitar)

A.C. Reed - (tenor sax)

Mike Utley - (piano, organ)

Leroy Stewart - (bass)

Roosevelt Shaw - (drum

Dr. John - (piano on A1, A4 & B1)

Carl Radle - (bass on A1)

Jim Gordon - (drums on A1)

J. Geils rhythm - (guitar on B2 & B5)

Magic Dick - ( harmonicaon B2 & B5")

Seth Justman - (piano on B2 & B5)

Danny Klein - ( bass on B2 & B5)

Stephen Bladd - (drums on B2 & B5)

Lado A:

1. A Man Of Many Words

2. My Baby Left Me (She Left Me A Mule To Ride)

3. Come On In This House / Have Mercy Baby

4. T - Bone Shuffle

5. A Poor Man's Plea

Lado B:

1. Messin' With The Kid

2. This Old Fool

3. I Don't Know

4. Bad Bad Whiskey

5. Honeydripper

Recording: October 1970 at Criteria Studios, Miami (FL).

Biografia

Buddy Guy (nascido em 30 de julho de 1936, Lettsworth, Louisiana, EUA) é um músico de Blues americano conhecido por seus riffs de guitarra elétrica e vocais apaixonados. 

Ele foi um artista prolífico do final da década de 1950 até os dias de hoje, e sua popularidade ressurgiu a partir da década de 1990 e continua gravando álbuns sensacionais sempre renovando e inovando o Blues Elétrico.

Buddy Guy fez sua própria guitarra aos 13 anos e aprendeu a tocar sozinho tentando reproduzir os sons de bluesmen's que ouvia no rádio como John Lee Hooker, Willie Dixon e Muddy Waters. Começou a tocar em clubes como Baton Rouge, Lousiana. Ainda adolescente, em 1957, mudou-se para Chicago. Lá, foi descoberto por alguns grandes nomes do blues. 

Muddy Waters foi quem mais ajudou a encontrar trabalho no 708 Club, onde conheceu outros lendários bluesmen, incluindo B.B. King e Willie Dixon. Entre 1960 - 1967, ele gravou vários sucessos para a gravadora Chess Records, incluindo “Leave My Girl Alone” e “Stone Crazy”. Ele também trabalhou como músico acompanhante de artistas como Howlin' Wolf, Little Water e Koko Taylor. Nas décadas de 1970 e 1980, Guy continuou a gravar e se apresentar frequentemente com o gaitista de blues Junior Wells, mas foi vítima da crescente popularidade do Blues-Rock. 

Foi nesse período que bandas que continuaram a divulgar o Blues pelo mundo como Eric Clapton, Jeff Beck, Steve Ray Vaughan e Keith Richarrds, reconhecendo suas dívidas com seus mestres, que Buddy Guy e outros bluesmen's tiveram seu reconhecimento merecido.

Ele fez vários álbuns vencedores do Grammy na década de 1990, incluindo Damn Right, I've Got the Blues (1991), Feels Like Rain (1993) e Slippin' In (1994). Em 2003, Guy lançou sua primeira gravação de blues acústico, Blues Singer, e ganhou Grammys adicionais por seus álbuns Living Proof (2010), Born to Play Guitar (2015) e The Blues Is Alive and Well (2018). Ele foi introduzido no Hall da Fama do Blues em 1985 e no Hall da Fama do Rock and Roll em 2005. Além disso, Guy foi homenageado em 2003 com a Medalha Nacional de Artes. Em 2012, foi homenageado pelo Kennedy Center e, em 2015, recebeu um Grammy pelo conjunto da obra.

Além de seu trabalho como músico, Guy é dono de dois renomados Clubes de Blues em Chicago: o Bar Checkerboard Lounge (1972–85) e desde 1989 "As Lendas do Buddy Guy". Em 2012, ele publicou a autobiografia "When I Left Home: My Story" (escrita com David Ritz).

Junior Wells (nascido em 9 de dezembro de 1934, Memphis, Tennessee, EUA — falecido em 15 de janeiro de 1998, Chicago, Illinois, EUA) foi um cantor e gaitista de Blues americano e um dos músicos que apresentaram o blues elétrico de Chicago ao público internacional. 

A partir de 1965, ele foi um dos mais populares intérpretes de blues. Filho de um meeiro do Arkansas, Wells mudou-se com a mãe para Chicago em 1946. Aos 18 anos, Wells substituiu Little Walter como gaitista na melhor banda de blues da cidade, liderada por Muddy Waters e liderou sua primeira sessão de gravação. 

Junior Wells alcançou o sucesso como artista de Chicago. Ele lançou um disco de sucesso no início dos anos 1960, "Messin' with the Kid", e teve um contrato prolongado na boate Theresa's, em Chicago. Em 1965, gravou um dos primeiros álbuns de blues de Chicago, o popular "Hoodoo Man Blues", acompanhado pelo guitarrista Buddy Guy. No ano seguinte, Wells e Guy fizeram uma turnê pela Europa. A dupla gravou inúmeras músicas e participou de muitas turnês nas décadas de 1960 e 1970, incluindo como banda de abertura dos The Rolling Stones.

Wells era conhecido por suas roupas elegantes e seu jeito imponente e enérgico, tanto em suas muitas apresentações com Guy quanto com as bandas que liderou sozinho. Ele selecionou seu repertório entre os bluesmen's experientes, incluindo os gaitistas Junior Parker e o primeiro Sonny Boy (John Lee) Williamson, que o influenciaram no início. 

Tanto sua voz quanto suas execuções na Harmonica eram singularmente dramáticos e intensos, pontuados por gritos, gemidos sexuais e comentários humorísticos. O álbum de 1996 de Wells, Come On in This House, ganhou o prêmio WC Handy Blues. Antes de adoecer ele apareceu no filme Blues Brothers 2000, infelizmente dias antes de sua morte. Seu álbum de 1997, Live at Buddy Guy's Legends, foi indicado ao Grammy.