Buddy Miles

Buddy Miles

' Multi-instrumentista, multi talentoso '

O multitalentoso baterista, cantor, compositor e produtor Buddy Miles tocou com Mike Bloomfield na banda Electric Flag e com Jimi Hendrix em sua Band of Gypsys. Após tocar com a Electric Flag ao lado do guitarrista Mike Bloomfield, Miles formou sua própria banda em 1968, a Buddy Miles Express. No mesmo ano, ele também tocou no clássico álbum duplo de Jimi Hendrix, Electric Ladyland, lançado em outubro de 1968. Miles foi um dos vários artistas convidados presentes no álbum e tocou bateria em uma longa jam que acabou sendo dividida em duas partes. Ela se tornou “Rainy Dream, Dream Away” e “Still Raining, Still Dreaming”, com “1983... (A Merman I Should Turn to Be)” inserida entre as duas faixas.

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 Band of Gypsys: Hendrix e Miles, 1970.

Band Of Gypsys e a Express:

Buddy Miles e Jimi Hendrix se conheceram em 1964, em um show em Montreal, quando Miles tinha apenas 16 anos e tocava bateria em um dos grupos de R&B com os quais excursionava na adolescência, lista que incluía Wilson Pickett e The Delfonics. 

Em 1967, Hendrix e Miles participaram de uma sessão na casa de Stephen Stills em Malibu. No ano seguinte, também tocaram juntos em Los Angeles e Nova York, antes de Miles participar como convidado na gravação do álbum Electric Ladyland da Jimi Hendrix Experience.

Após o término da banda The Electric Flag, Buddy Miles monta seu primeiro grupo solo, a Budddy Miles Express, e gravam o primeiro álbum chamado: Expressway to Your Skull. Já no segundo álbum, Electric Church, de 1969, Jimi Hendrix participa da produção em algumas faixas. Uma delas foi a magnífica jam de soul-jazz-funk “69 Freedom Special”, título supostamente sugerido pelo próprio Hendrix. A música foi composta em parceria com o guitarrista do Express, Jim McCarty, o baixista Bill Rich e o trompetista Tom Hall.

Após o fim do Express, em 1970, Hendrix e Miles formaram um novo grupo, a Band of Gypsys. A eles se juntou o baixista Billy Cox, amigo de longa data e ex-companheiro de banda de Hendrix. O grupo teve vida curta, gravando apenas um álbum ao vivo juntos, mas suas poucas apresentações ao vivo se tornaram lendárias.

Buddy Miles e Carlos Santana ao vivo, 1972.

Para seu quarto álbum solo de estúdio, We Got To Live Together, gravado em 1970 e lançado no final daquele ano, Miles escreveu a poderosa faixa-título, um verdadeiro hino funk. O LP alcançou a 14ª posição nas paradas de R&B. Durante as gravações, Miles soube da morte de seu amigo e mentor Jimi Hendrix e incluiu uma homenagem a ele nas notas do encarte.

“Alguns de nós o conhecíamos bem e todos nós conhecíamos Jimi e sua música. Sentiremos sua falta com tristeza, mas com admiração jamais esqueceremos o que ele nos deu.”

"We Got To Live Together" contou com a participação de músicos de estúdio de renome, como Andre Lewis no clavinet, Marlo Henderson na guitarra rítmica, David Hull no baixo e Billy McPherson no saxofone tenor. Assim como o restante do álbum, foi coproduzida por Miles e Robin McBride, que era produtor e executivo de A&R da Mercury Records.

"A mensagem atemporal da música nos lembra que o amor vence o ódio e que estamos todos juntos nessa coisa chamada vida"

Carreira e parcerias.

Nascido George Miles em Omaha, Nebraska, em 5 de setembro de 1947, ele começou a tocar bateria aos nove anos e se juntou à banda de jazz de seu pai, The Bebops, com apenas 12 anos. Na adolescência, tocou com vários grupos de jazz e R&B, principalmente como backing vocal de bandas como Ruby & the Romantics, The Ink Spots e The Delfonics.

Em 1966, juntou-se à turnê de Wilson Pickett, então guitarrista de blues-rock Mike Bloomfield. Bloomfield convidou Miles para se juntar à banda, Electric Flag, que estreou no Monterey Pop Festival com Buddy cantando com Jimi Hendrix; Bloomfield saiu em 1968, seguido pelo baixista. Com a seção de metais da Electric Flag a tiracolo, Miles se separou para formar seu próprio grupo, o igualmente eclético Buddy Miles Express. Contratado pela Mercury, o grupo lançou seu álbum de estreia, Expressway to Your Skull, em 1968, com a participação de seu colega do Monterey Pop, Mike Bloomfield. Jimi Hendrix assumiu a produção.

Por sua vez, Miles tocou no álbum Electric Ladyland de Jimi Hendrix e, posteriormente, participou de uma jam session com vários artistas que resultou no álbum Fathers and Sons de Muddy Waters. Hendrix também produziu o álbum seguinte do Miles Express, Electric Church, de 1969, e dissolveu sua banda de apoio, The Experience, ainda naquele ano; pouco depois, Hendrix, Miles e o baixista Billy Cox formaram o Band of Gypsys, uma das primeiras bandas de rock formadas exclusivamente por músicos negros.

Com uma sonoridade mais voltada para o blues e o funk do que os trabalhos anteriores de Hendrix, o Band of Gypsys não durou muito tempo em sua formação original; Miles saiu em 1970, sendo substituído pelo volta do baterista do The Experience, Mitch Mitchell, mas não antes de seu talento excepcional ser demonstrado no único álbum do grupo, o ao vivo Band of Gypsys. 

Após acompanhar John McLaughlin em Devotion, de 1970, Miles retornou ao papel de líder da banda e gravou seu álbum mais popular no ano de 1971, "Them Changes", que permaneceu nas paradas por mais de um ano, e a faixa-título se tornou a música de assinatura de Miles. De dezembro de 1971 a abril de 1972, Miles fez uma turnê com Carlos Santana, que resultou no álbum ao vivo "Carlos Santana & Buddy Miles! Live!", lançado pela CBS. Gravado dentro de um vulcão inativo no Havaí, o álbum vendeu muito bem, chegando ao Top 10.

Miles gravou mais alguns álbuns para a CBS, participou de uma breve reunião do Electric Flag em 1974 e, em 1975, mudou-se para a Casablanca Records para gravar dois LPs. Além de um álbum único para a Atlantic em 1981, "Sneak Attack", Miles manteve um perfil discreto na década seguinte, em parte para lidar com problemas pessoais.

Miles retornou em 1986 como a voz principal de uma campanha publicitária na TV com uvas-passas animadas em massinha cantando "I Heard It Through the Grapevine", os anúncios se provaram tão populares que uma franquia musical infantil foi criada. Assim, Miles tornou-se o vocalista principal dos California Raisins, participando de dois álbuns (principalmente covers de R&B) e um especial de Natal. Buddy Miles voltou a tocar com seu velho amigo Carlos Santana como vocalista principal do Santana durante parte do final dos anos 80, e retomou sua carreira em estúdio no ano de 1987 com o álbum Freedom. 

No início dos anos 90, Miles tocou com Bootsy Collins, tanto em carreira solo quanto como membro da banda Hardware, e em 1994, formou uma nova versão do The Express e gravou Hell and Back para a Rykodisc. Em 1997, Miles lançou o álbum Away From Home, pela Hip-O. Buddy Miles fez turnês constantes durante os anos 90 e, posteriormente, formou uma banda de blues mais tradicional chamada Blues Berries com o guitarrista Rocky Athas; o primeiro álbum da banda, Blues Berries, foi lançado pela Ruf em 2002.

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Eddie Hazel

Eddie Hazel

"Embora tenha havido guitarristas tecnicamente mais virtuosos nas fileiras do exército de guitarristas do P-Funk, Eddie Hazel é considerado pela maioria o maior guitarrista a ter feito parte do Funk Mob. Por quê? Por causa de sua habilidade única de reinventar uma música funk, sempre tocando padrões belamente emotivos e inesperados que desafiavam qualquer noção de normalidade"

(G. Clinton)

História

Edward Earl Hazel, nascido em 10 de abril de 1950 no Brooklyn, ele cresceu em Plainfield, Nova Jersey, onde cantava na igreja antes de se juntar à banda local de R&B, The Boyce Brothers. Ele aprendeu a tocar sozinho depois que seu irmão lhe deu um violão de presente de Natal, quando sua família ainda morava no Brooklyn.

Sua mãe, Grace Cook, mudou-se com a família para Plainfield (embora continuasse a trabalhar no Brooklyn) porque sentia que o Brooklyn estava se tornando um lugar inseguro para criar seus filhos. Ironicamente, Plainfield também abrigava um emaranhado de conjuntos habitacionais infestados de drogas, dos quais poucos moradores (incluindo Eddie) conseguiram escapar.

Foi em Plainfield que Eddie forjou sua amizade para a vida toda com Billy 'Bass' Nelson, o baixista original do Funkadelic. Nelson diz: “Eddie e eu tínhamos uma sonoridade parecida desde o início. Ele me ensinou tudo o que sei sobre música; tínhamos uma conexão tão forte que transcende as palavras. Não consigo descrever a dor que sinto por ele não estar mais aqui. Toquei com alguns verdadeiros gênios da guitarra ao longo dos anos, mas ninguém se comparava ao Eddie”.

Billy incentivou Eddie a se juntar ao Funkadelic em 1969, eventualmente convencendo o líder do grupo, George Clinton, a persuadir a mãe de Eddie a permitir que ele entrasse para a banda e saísse em turnê. O álbum de estreia autointitulado do Funkadelic foi lançado pela Westbound Records no início de 1970 e contou com a participação de Eddie em músicas como "I'll Bet Ya" e "Qualify & Satisfy". A fusão única de blues, acid rock e funk de Eddie está presente em todo o álbum.

Eddie também tem participação marcante no álbum de 1971 do Funkadelic, Free Your Mind and Your Ass Will Follow . A faixa-título apresenta Eddie em uma forma incrível, que se mantém ao longo de todo o álbum. No entanto, foi o álbum Maggot Brain, também de 1971 , que se provou a obra-prima de Eddie.

Eles tocaram “Maggot Brain” no funeral de Eddie Hazel na véspera de Ano Novo de 1992 em Plainfield, Nova Jersey. Foi uma despedida à altura de um verdadeiro herói da guitarra. Mais do que qualquer outra música do repertório do P-Funk, o comovente hino em tom menor estará para sempre associado a Eddie Hazel.

A música foi criada quando George Clinton pediu a Eddie que pensasse na coisa mais triste que conseguisse imaginar (a morte de sua mãe) e a tocasse em sua guitarra. O resultado foi um solo de guitarra de 10 minutos gravado em uma única tomada, que, na minha opinião, é a melhor peça de guitarra elétrica já gravada. Eddie leva o ouvinte por todas as emoções conhecidas, do medo à luxúria, do prazer à dor, da serenidade à raiva, do amor ao ódio, transformando-as em uma das performances mais comoventes e dilacerantes já gravadas.

A influência de Eddie no Funkadelic começou a diminuir a partir desse ponto devido a problemas excessivos com drogas e álcool e disputas financeiras com Clinton. Ele foi enviado para a prisão de Lampoc após uma agressão com os dentes em um avião, onde supostamente mordeu uma aeromoça enquanto estava sob efeito de Angel Dust. No entanto, ele retornou com força total para o álbum de 1974, Standing on the Verge of Getting it On . Ele coescreveu todas as músicas do álbum (os créditos de composição são dados à sua mãe, Grace Cook) e está em ótima forma na guitarra.

Eddie deixou o P-Funk em 1974 para trabalhar como guitarrista/compositor na Motown, notavelmente tocando nos álbuns dos Temptations ( A Song For You , 1975, e Wings of Love , 1976) e atuando como diretor musical de Bonnie Pointer e Chairmen Of The Board antes de retornar ao P-Funk no início dos anos 80. No entanto, ele lançou um álbum solo, Game, Dames & Guitar Thangs , em 1978 pela Atlantic Records, que contou com a participação de todo o P-Funk Mob. O álbum permanece fora de catálogo e é um item de colecionador muito procurado.

Sem dinheiro e sem teto no último ano de sua vida, Eddie voltou a morar na casa de sua mãe em Plainfield. Ele sofria de problemas estomacais crônicos há anos e, por fim, sucumbiu a uma hemorragia interna e insuficiência hepática em 23 de dezembro de 1992.

Ironicamente, ele havia começado recentemente a planejar vários projetos, incluindo uma apresentação em power trio com os ex-membros do Band of Gypsys, Billy Cox e Buddy Miles, bem como uma reunião da formação original do Funkadelic.

Com seu virtuosismo desafiando a opressão e as convenções, Eddie Hazel estabeleceu um padrão a ser seguido por todos, não apenas pelos guitarristas negros.

Capa do álbum solo de 1977.

Reflexões sobre Eddie.

Frequentemente comparado ao grande Jimi Hendrix, Eddie nunca alcançou o mesmo nível de fama e admiração pública que Jimi, sofrendo por vezes o mesmo estigma que outros grandes guitarristas negros, como Ernie Isley, sendo rotulado como um mero imitador de Hendrix. Como ele disse à revista Guitar Player: “Eu ouvia muito Jimi. Era impressionante como nossos estilos eram parecidos, mas era isso que eu sentia. Eu queria fazer da guitarra uma extensão do meu canto. Meu estilo é realmente como o de um vocalista solo tocando guitarra.”

Apesar do ambiente em que cresceu, acredito que, como muitas pessoas verdadeiramente talentosas, a personalidade de Eddie continha um elemento de autodestruição. Essa história se aplica a muitos artistas brilhantes, como o próprio Jimi Hendrix, Stevie Ray Vaughan, Jim Morrison e tantos outros. É quase como uma negação de seus próprios talentos.

Da mesma forma, a marca do verdadeiro gênio estava impressa na forma de tocar de Eddie por sua inconsistência. Como todos os grandes mestres, o nível de ambição e inventividade em sua maneira de tocar produzia resultados variados. Tocar com esse nível de intensidade gerava momentos de puro gênio inatingível, ao mesmo tempo que alguns perfeccionistas da música às vezes se incomodam com as notas desafinadas de todos os grandes como Jimi Hendrix e Eddie. Talvez o que essas pessoas não percebam é que tocar no limite é o que diferencia esses artistas. Inovação envolve correr riscos. Competência técnica tem pouco a ver com emoção e paixão ao tocar um instrumento. Eddie tocava e cantava com tanta emoção que muitas vezes era ridicularizado por outros membros da banda por chorar durante as gravações em estúdio.

Pappo's Blues

Pappo's Blues 

' Blues-rock argentino '

Pappo's Blues foi uma banda argentina de blues liderada por Pappo (Norberto Napolitano), a qual teve diversas formações entre 1970 e 1999, gravando nove álbuns de estúdio.

A banda surgiu em 1970, após a passagem de Norberto pelas bandas Los Abuelos de la Nada e Los Gatos. Inicialmente era um power trio, com Pappo na guitarra e voz, David Lébon no baixo e Black Amaya na bateria.
A banda teve várias mudanças durante os anos. Com Lébon e Amaya gravaram o primeiro disco homônimo em 1971. Ao término da gravação, Amaya saiu e foi para a banda La Pesada e Lébon foi tocar bateria para a banda Color Humano.

No segundo disco, chamado "Vol. 2" lançado em 1972, Black Amaya volta para a banda e Luis Gambolini entra na bateria, com Carlos Pignatta assumindo o baixo. Já para o terceiro disco, chamado "Vol. 3", a gravação contou com Héctor "Pomo" Lorenzo, ex-Abuleosde la Nada, na bateria e "Machi" Rufino no baixo e backing vocal. Esses dois últimos deixaram a banda para formar juntos o "el Flaco" Spinetta a banda Invisible.

Para gravar o quarto disco, "Vol. 4", gravado no final de 1973, Pappo chama de volta David Lébon (mas na guitarra) e Black Amaya na bateria, com Alejandro Medina assumindo o baixo. Isa Portugheis toca percussão no álbum. Para o quinto disco, "Triángulo", editado em 1974, Pappo recruta o baixista Eduardo Beaudoux ("Fanta") e o baterista Eduardo Garbagnatti, criando um dos discos mais experimentais e obscuros de sua carreira, com sonoridade que se aproxima do progressivo e do heavy metal. Neste mesmo álbum, alternadamente chamado de Vol 5., "Nacho" Smilari (ex-Vox Dei), e Leon Gieco participam nas vozes, como consta na contracapa.

Após o lançamento deste álbum, Pappo viaja para a Europa, deixando de lado a banda indefinidamente neste espaço de tempo, quando a gravadora (Music Hall) decide lançar um disco composto de fitas descartadas por "el Carpo', ele vê nascer o álbum "Vol. 6" de 1975, outro álbum pesado com menos de 30 minutos, com canções de blues-rock rápidas e ácidas. Pappo não participou da edição desse álbum.

Ao retornar à Argentina, entre 1977 e 1978, a banda juntou-se com "Conejo" Jolivet (de Los Dulces), na guitarra, Julio Candia no baixo e Marcelo Pucci na bateria. Compraram um ônibus e iniciaram uma turnê pela Costa Atlântica, tocaram em Necochea sem precisar ensaiar, visto o conhecimento dos integrantes pela música de Pappo. Tocaram em Rafael Castillo para um conhecido empresário do rock, também em Lanús e Avellaneda, se apresentaram no programa do animador de Leo Rivas no Canal 2 de la Plata e fecharam no Baradero.

Pappo e sua Gibson Flying V

Em 1977, Pappo desativa a banda momentaneamente para dedicar-se em um novo projeto chamado Aeroblus, junto ao baterista brasileiro Rolando Castello Junior e o velho parceiro Alejandro Medina no baixo. Gravam o primeiro álbum homônimo pela gravadora Phillips no mesmo ano.

No ano de 1978, Pappo grava e edita o sétimo disco oficial da Pappo's Blues, o chamado "Vol. 7", junto à Alejandro Medina no baixo e Dario Fernández na bateria. O álbum foi composto em sua maioria por antigas faixas, porém regravadas com uma sonoridade mais pesado e com faixas instrumentais, que não foram concebidas como tal. Ao fim da gravação e lançamento do álbum, Pappo erradica-se mais uma vez para a Europa (Londres).

Em 1980, Pappo organiza um concerto intitulado "Adeus Pappo's Blues, bem-vindo Riff", que marcou o fim oficial da banda pelo resto dos anos 80, mas Pappo, o el "Carpo", se dedicaria a sua nova banda, Riff, que seria um projeto mais voltado ao rock "metal".

Em 1991, para a alegria dos fãs do blues, Pappo reorganiza a Pappo's Blues e alterna as atuações entre as duas bandas, incluindo lançamento de álbuns pelas duas bandas no mesmo ano. Em 1995, grava "Pappo's Blues Vol.8 Caso Encerrado", junto ao baixista Machy Madco e Black Amaya na bateria, entre outros músicos convidados. O ultimo disco de estúdio da Pappo's Blues foi "El Auto Rojo", álbum lançado em 1999.

Funkadelic

Funkadelic

' A magia do funkeado '

Funkadelic, pelos álbuns:

A história da banda começa com a banda Parliament, que surgiu como o grupo de doo-wop The Parliaments, na cidade natal do líder da banda, George Clinton, Plainfield, Nova Jersey. "Eu adorava música doo-wop", Clinton disse em entrevista, "porque é tudo sobre implorar por sexo". Depois de emplacar um sucesso com "(I Wanna) Testify" em 1967, problemas contratuais fizeram com que o grupo fosse colocado em hiato enquanto Clinton contratava sua banda de apoio para a gravadora Westbound Records, com o nome Funkadelic.

Como o nome sugeria, essa nova encarnação fundiu funk com rock psicodélico, levando o som selvagem da guitarra de Jimi Hendrix e o groove ácido das produções da Motown de Norman Whitfield para uma direção muito mais excêntrica. Seu álbum de estreia homônimo de 1970 encontra esse som em estado embrionário, um disco obscuro e alucinante que combina a filosofia insana, cósmica e carnal de Clinton com jams pesadas de funk, generosamente banhadas em eco e efeitos – um som tão selvagem quanto seu show ao vivo, com Clinton e sua turma vestidos como hippies de Saturno. 

O resultado é propositalmente desorientador – e inicialmente impenetrável – embora as nuvens de fumaça de maconha se dissipem brevemente em "I Bet You", onde os vocais em cinco partes do Parliaments lembram os Temptations da era psicodélica, em uma faixa que leva o som da Motown do início da década a uma viagem lisérgica. Mais tarde, naquele mesmo ano, o Parliament, reativado, lançou seu álbum de estreia, Osmium, um trabalho glorioso que provou que Clinton e sua equipe possuíam talento para o pop, além de sua paixão por ruídos psicodélicos, uma sensibilidade que se refletiria em lançamentos posteriores do Funkadelic.

"Incomum, extravagante, atual e moderno... Um novo conceito", era como os anúncios de rádio da época descreviam o segundo álbum do Funkadelic, Free Your Mind & Your Ass Will Follow, que, segundo Clinton, foi gravado enquanto toda a banda estava sob o efeito de LSD. Certamente, isso explica em parte a faixa-título de formato livre, que contrapõe gritos de feedback a riffs de guitarra guturais e trechos de psicobaboseiras inspiradoras, por cerca de 10 minutos, provando ser ocasionalmente eletrizante, mas, no fim das contas, mais desconcertante do que funky. Melhor foi esta expansão de cinco minutos de pirotecnia na guitarra de Eddie Hazel, vocais de apoio orgásmicos e teclados incisivos do recém-chegado Bernie Worrell, cujo talento como compositor e arranjador possibilitaria os passos ambiciosos posteriores do grupo. A faixa atinge seu ápice no final, quando Hazel solta alguns gritos meditativos antes de aumentar o ritmo e travar um duelo com Worrell, enquanto a bateria de Tiki Fulwood assume o protagonismo. Aquele último minuto, mais ou menos – Fulwood martelando sua bateria no fundo de uma caverna de dub, enquanto o cantor/baixista Billy Nelson persegue escalas – ainda soa futurista, e se não inventou o drum'n'bass décadas antes do previsto, certamente antecipa o avant-funk que Miles Davis exploraria cinco anos depois.

O terceiro álbum do Funkadelic, Maggot Brain, de 1971, é hoje mais lembrado pela faixa de abertura, que dá título ao álbum: um solo de guitarra pungente e angustiante de dez minutos gravado depois que Clinton disse a Hazel para tocar como se sua mãe tivesse acabado de morrer. A jam que encerra o álbum, no entanto, é sua verdadeira obra-prima: 10 minutos de funk frenético e apocalíptico, guitarra estridente e órgão pulsante, com os ritmos inquietos e em constante mudança de Fulwood servindo de base para uma explosão de ruído e samples que remetem ao hip-hop. Clinton cola efeitos sonoros, trechos de noticiários, gritos, risadas, explosões, relógios cuco e flatulência para evocar a loucura da vida moderna e seu iminente fim. Sua visão do apocalipse é uma mistura de Robert Crumb com Lee Perry, extravagante, escatológica e movida por humor dark, com as únicas "letras" sendo murmúrios desconexos de "isso aí, irmão" e "mais poder para o povo", "mais buceta para o poder", "mais buceta para o povo" e "mais poder para a buceta", sugerindo que Clinton tinha uma visão cínica da cultura de protesto da época. Deveria ser uma bagunça inaudível, mas a guitarra sempre genial de Hazel e as batidas quebradas e brilhantemente pulverizantes de Fulwood garantem que Wars of Armageddon seja eletrizante até seu evento final de extinção em massa.

Se Maggot Brain marcou o auge do Funkadelic MK 1 – seu primeiro e brilhante álbum completo – seu quarto álbum, America Eats Its Young, de 1972, provou ser um projeto ainda maior: um álbum duplo que era, por vezes, ferozmente político, hilário de forma sombria e inesperadamente sincero. Acondicionado em uma capa dupla chamativa, a primeira do visionário artista da Funkadelic, Pedro Bell, e contendo notas de encarte escritas por membros da seita exilados da Cientologia, The Process Church of the Final Judgement, America Eats Its Young capturou um grupo em transição, saindo orgulhosamente da lama primordial saturada de wah-wah de seus álbuns anteriores, em direção a um som mais acessível, ponderado, mas não menos distorcido. 

"Aquele foi o álbum em que eu estava tentando descobrir se ainda me restavam neurônios", disse Clinton. "Eu estava sob a influência de psicodélicos há tanto tempo que pensei: 'Caramba, será que ainda consigo ser 'lógico'?" Para além de uma sensibilidade lírica recém-coerente, havia uma nova mutação musical por parte da orquestra Funkadelic, e a faixa de abertura deu rédea solta à sua ambição recém-descoberta: uma suíte quase progressiva que transita de um jazz-funk frenético e intenso (com uma fórmula de compasso que até Stephen Hawking teria dificuldade em decifrar) para um soul vibrante e atrevido, até um bluegrass-funk em tempo duplo, com uma graça sobrenatural, enquanto um coro comovente transmite sabedoria sobre aquela guitarra wah-wah maravilhosamente maníaca. Esta grandiosa abertura definiu o tom para a eclética jornada que se seguiria, tanto no álbum duplo que abrangia música ambiente exuberante com cordas, funk intimista e sonhador, soul sulista doce e gospel melancólico e arrebatador quanto no restante da discografia subsequente do Funkadelic.

Cosmic Slop é o primeiro álbum do Funkadelic a apresentar arte e notas de encarte de Pedro Bell, que assumiu a responsabilidade pelas capas de álbuns com dobra dupla e pelas notas de encarte da banda até o colapso do grupo após o lançamento de The Electric Spanking of War Babies em 1981. As notas de encarte de Bell para Cosmic Slop incluem pequenas ilustrações ao lado do nome de cada música, resumindo a canção em uma imagem. O álbum também marca o primeiro álbum do Funkadelic sem qualquer contribuição do guitarrista de longa data Eddie Hazel, que havia deixado a banda no ano anterior.

Standing On The Verge of Getting It On é um álbum de funk incrivelmente escorregadio e elástico, tão solto que mal se sustenta, marcou a chegada dos irmãos Collins, Bootsy e Catfish, ao grupo heterogêneo de George Clinton. Em 1970, a banda dos Collins, os Pacemakers, entrou para substituir o clássico grupo de apoio de James Brown após a saída deles devido a uma disputa salarial. Os Pacemakers foram então renomeados para JBs, ajudando o funk de James Brown evoluir na década de 1970, mas a dupla se ressentiu da disciplina notoriamente rígida de Brown e saiu na primavera seguinte, novamente por questões salariais, e também pela predileção de Booty pelo LSD. Clinton, que não tinha problema nenhum com LSD, recrutou os irmãos Collins, depois que seu próprio baixista e guitarrista, Billy Nelson e Eddie Hazel, deixaram o Funkadelic por causa contratos, e Loose Booty captura a dupla em forma inspirada, com a linha de baixo de Bootsy sendo um exercício de genialidade despretensiosa e a guitarra sonolenta e arranhada de Catfish sempre no ponto certo. Outros atrativos principais de Loose Booty incluem uma harpa funky no canal esquerdo, as improvisações barrocas de órgão de Worrell e os relatos de Clinton sobre suas várias desventuras como viciado, chegando a comentar em certo momento: "Por que você acha que chamam isso de droga, droga?"

Clinton reviveu o Parliament em 1974 como um conjunto funk mais voltado para o pop, embora com a maioria dos mesmos músicos de seu outro grupo, mantendo o Funkadelic como seu canal para o funk experimental e repleto de guitarras. No entanto, à medida que o Parliament começou a emplacar sucessos nas paradas e Clinton passou a liderar as duas bandas em lendárias turnês conjuntas (nas quais o gigante do P-Funk fez a "Conexão da Nave-Mãe" sob uma gigantesca estrutura de iluminação que lembrava um OVNI), o funk característico do Funkadelic ganhou um novo foco, reduzindo alguns dos excessos de guitarra e desenvolvendo um novo interesse pela pista de dança. O álbum Let's Take It To The Stage, de 1975 – um dos três notáveis ​​álbuns de P-Funk lançados naquele ano, juntamente com os sucessos Chocolate City e Mothership Connection, do Parliament – ​​foi o mais forte dos álbuns do Funkadelic nessa época. Sua segunda faixa, Better by the Pound, é um funk irresistível, impulsionado por uma linha de baixo incrivelmente elástica e precisa, obra de Billy Nelson, que retornou brevemente à banda quatro anos após sua saída. O ex-integrante Eddie Hazel também se reuniu com o Funkadelic para a faixa, juntando-se ao guitarrista Gary Shider e a um coro de vocais de apoio cheios de alma para entregar uma letra que oscila entre o ascetismo e o prazer corporal, optando, em última instância, pelo último ("O pregador continua prometendo satisfação / As mulheres continuam desistindo da gratificação"). O foco, no entanto, é sempre aquela linha de baixo, impulsionada por um chimbal rouco e um cowbell incrivelmente funky.

Do mesmo álbum, esta faixa lança um olhar crítico sobre os bacanais nos bastidores, revelando os problemas de "uma garota chamada Jan" que, apesar de suas muitas conexões com a banda, não terá permissão para entrar no camarim até fazer sexo oral no porteiro (daí o título). Embora a letra narre sua história com todo o bom gosto de uma história em quadrinhos underground do final dos anos 60, há pouca simpatia por Jan e um pouco de malícia em relação aos obstáculos que ela precisa superar para entrar na festa, a faixa triunfa graças ao riff pesado e excêntrico do Oriente Médio (que sugere heavy metal se tivesse nascido dos beduínos, ou Kashmir do Led Zeppelin repaginado para a era disco), ao grito espiralado da guitarra de Shider e Michael Hampton e aos vocais de apoio selvagens em scat ("Aroo! Aroo! A-chaka-chaka-chaka-chaka!"). Seu turbilhão de weirdfunk foi sampleado com grande efeito no dilacerante disco "Lyrics of Fury" do rapper Rakim.

Com o subtítulo "Say Som'n Nasty", este destaque de "Tales of Kidd Funkadelic" de 1976 – uma compilação de material inédito que marcou a saída da banda da Westbound Records e a assinatura com a Warner Bros. – fez exatamente isso, com Clinton e o "coro vocal Maggotusi" contando histórias picantes sobre "uns malucos de Los Angeles / Que vêm a Nova York para se divertir", e compartilhando um limerique obsceno sobre um homem do Peru que, tendo adormecido em sua canoa, "estava sonhando com Vênus / E tirou o pênis / E acordou com um punhado de gosma". O funk vertiginoso à la Frankenstein, ao qual o grupo compôs essas rimas obscenas, une um riff de sintetizador lânguido de Bernie Worrell a um groove preguiçoso e, em sua forma circular, parece que poderia continuar para sempre, com seus sete minutos nunca ameaçando se arrastar.

Hardcore Jollies é o nono álbum de estúdio da  banda, lançado em 29 de outubro de 1976 pela Warner Bros. Records, sendo o primeiro álbum da banda a ser lançado por uma grande gravadora. É dedicado "aos guitarristas do mundo". Originalmente, o lado A do álbum se chamava "Osmosis Phase 1" e o lado B, "Terribitus Phase 2". Hardcore Jollies foi lançado um mês após o último álbum do Funkadelic pela Westbound Records, Tales of Kidd Funkadelic, que foi gravado nas mesmas sessões. Esse disco foi o último álbum de estúdio do Parliament-Funkadelic a incluir três dos membros originais do The Parliaments: Fuzzy Haskins, Calvin Simon e Grady Thomas. Embora não creditado, Hardcore Jollies apresenta performances instrumentais do guitarrista Eddie Hazel.

Conforme a década de 1970 avançava, a besta de duas cabeças de Clinton engoliu cada vez mais talentos do funk, tanto de seus contemporâneos quanto de seus concorrentes. James Brown perdeu seus aclamados músicos de sopro, Fred Wesley e Maceo Parker, para o grupo Parliafunkadelicment em 1975 ("Enquanto James pregava uniformidade, pontualidade e disciplina, George não tinha nada disso", disse Parker. "Se algum cara curtisse Tarzan e quisesse se vestir no palco como Tarzan, ou como um árbitro de beisebol, ou um piloto, tudo bem para George. Eu estava acostumado com smokings, gravatas borboleta, sapatos de verniz... Uniformes. 

George dizia: "A vida é uma festa, então você não precisa se preocupar com a forma como as pessoas se vestem". Enquanto isso, o grupo Ohio Players viu o cantor/organista Walter "Junie" Morrison trocar de banda com Clinton no final da década, assumindo o papel de diretor musical e dividindo as funções de tecladista com Bernie Worrell. As habilidades de Junie brilham nesta faixa-título que alcançou o topo das paradas, do álbum de 1978 do Funkadelic – o único LP da banda a conquistar platina nos EUA. Há, sem dúvida, uma diferença mínima entre o som pop do Parliament e a produção mais experimental do Funkadelic a essa altura, e "One Nation" se provaria um hino contagiante o suficiente para unir tribos distintas e reconquistar pelo menos parte do espaço nas pistas de dança, que estava sob a hegemonia hedonista da disco music. Os sintetizadores ousados ​​e inventivos de Junie criam um groove vibrante, entregando um som futurista o bastante para sugerir que Clinton e seus companheiros sobreviveriam a uma segunda década de supremacia do funk sem problemas. Mas o Funkadelic logo enfrentaria dificuldades, e durante as décadas de 80 e 90, o som do Parliament-Funkadelic seria ouvido com mais frequência através de samples incorporados às batidas da geração hip-hop do que pelas próprias músicas do grupo.

Na faixa (Not Just) Knee Deep do álbum "Uncle Jam Wants You", o riff de sintetizador é inesquecível – posteriormente emprestado pelo De La Soul para a inefável "Me, Myself & I" – impulsiona esta épica faixa do final da carreira, um hino extático à luxúria, à dança e ao poder jubilante da música, enquanto o narrador relembra como a habilidade de uma garota em "fazer o freak" o enlouqueceu, observando cientificamente: "Algo na música / Me pegou". A faixa tem 15 minutos de duração, mas não há um segundo desperdiçado, com o guitarrista Michael Hampton e o ex-vocalista do Spinners, Philippe Wynne, revezando-se nos holofotes. O primeiro entrega solos de guitarra selvagens o suficiente para nos lembrar que estamos falando de Funkadelic e não do Parliament, enquanto o segundo adiciona um scat arrebatador à paleta sonora do Funkadelic. 

Os vocais de apoio de duas integrantes do grupo feminino Parlet, derivado do Parliament, e a inquietude da cuíca de Larry Fratangelo são outros deleites escondidos em seu ritmo animado e irresistível. A faixa foi o segundo single do Funkadelic a alcançar o topo das paradas de R&B dos EUA, e em 1979 a franquia inquieta de Clinton já havia se ramificado sob inúmeros nomes, sendo Bootsy's Rubber Band, Brides of Funkenstein e o já mencionado Parlet apenas três dos projetos derivados de maior sucesso dessa hidra hedonista. 

O Funkadelic já contou com quinze integrantes.

No lançamento do álbum seguinte do grupo, The Electric Spanking of War Babies, de 1981, Clinton estava em conflito com sua gravadora, que o forçou a reduzir um álbum duplo proposto para um único disco e censurar a arte fálica da capa criada por Pedro Bell, com seus companheiros de banda, vários dos quais já haviam saído por questões salariais, e outros foram responsáveis ​​por um álbum rebelde do Funkadelic, Connections & Disconnections, de 1980, lançado em nome da banda, mas sem a permissão ou envolvimento de Clinton, e contendo indiretas líricas pouco veladas ao seu antigo líder, e pelos graves problemas com drogas. Este seria o último álbum propriamente dito do grupo até o lançamento do álbum triplo d2014, First You Gotta Shake The Gat.

Série Lugares Afro-Brasileiro: Praça dos Orixás

Praça dos Orixás 

(Brasília - DF)

A Praça dos Orixás se localiza em Brasília, às margens do Lago Paranoá, ao lado da Ponte Honestino Guimarães, na margem do lado da Asa Sul. Situada aproximadamente a 4 km do ponto de encontro dos eixos Central e Monumental de Brasília, região central da cidade, é um dos cartões postais de Brasília. É ponto de referência das práticas religiosas de matriz africana.

Em 2006, a praça foi atacada por vândalos e teve quatro estátuas de orixás arrancadas de seus pedestais. Em 2009 foi restaurada e reaberta ao público, exibindo as 16 estátuas de orixás, de cerca de 1,5 m de altura, de autoria do artista plástico baiano Tatti Moreno. A escultura de Iemanjá, situada no centro da praça e sobre um pedestal mais portentoso, destaca-se das demais.

Em 2018, Praça dos Orixás tornou-se Patrimônio Cultural Imaterial do Distrito Federal em registro instituído pelo Conselho de Defesa do Patrimônio Cultural do DF que inclui também a festa de Iemanjá. A Prainha está pronta para a festa de réveillon, enriquecida com a programação que, elaborada pela Secretaria de Cultura e Economia Criativa (Secec), também contempla a Esplanada dos Ministérios.

Atualmente, a praça é um oásis na capital do país, sua simbologia é fruto da resistência e principalmente da força dos praticantes das religiões afro que merecem respeito e fazem parte da história negra brasileira.

Educação e memória afro-brasileira

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