Chaka Khan

Chaka Khan

' Soul Funk Revolution '

Nascida em 23 de março de 1953, em Great Lakes, Illinois, a cantora Chaka Khan alcançou grande sucesso como integrante da banda de soul-funk Rufus, com hits como "Tell Me Something Good", "Sweet Thing" e "Hollywood". 

Ela iniciou sua carreira solo no final dos anos 70 e voltou a fazer sucesso nas paradas musicais com canções como "I'm Every Woman", "I Feel for You", "This Is My Night" e "Through the Fire". Vocalista fenomenal, Khan conquistou diversos prêmios Grammy.

Início da carreira musical.

Chaka Khan, cujo nome de batismo é Yvette Marie Stevens, nasceu em 23 de março de 1953, em Chicago, Illinois. Conhecida por sua voz poderosa, seus volumosos cabelos cacheados e sua presença de palco carismática, Khan surgiu no cenário musical na década de 1970. Ela formou seu primeiro grupo, as Crystalettes, com sua irmã Yvonne quando tinha apenas 11 anos. Algumas das primeiras heroínas musicais de Khan incluem Billie Holiday e Gladys Knight. As irmãs mais tarde se envolveram com o Afro-Arts Theater e criaram outro grupo musical conhecido como Shades of Black.

Em 1969, Khan tornou-se ativa no movimento do Poder Negro, juntando-se ao Partido dos Panteras Negras e trabalhando com o programa de café da manhã gratuito para crianças da organização. Nessa época, ela adotou um novo nome: Chaka Adunne Aduffe Yemoja Hodarhi Karifi. Ela também abandonou sua educação formal, deixando o ensino médio.

Banda de Funk: Rufus.

No início da década de 1970, após se apresentar com alguns outros grupos, Khan juntou-se à banda Rufus, que tinha um som forte de R&B e funk. O mundo teve seu primeiro contato com os vocais poderosos de Khan quando o grupo lançou seu álbum de estreia homônimo em 1973, que gerou sucessos modestos como "Whoever's Thrilling You" e "Feel Good".

O álbum seguinte, Rags to Rufus (1974), foi um sucesso estrondoso tanto de público quanto de crítica. Stevie Wonder compôs para a banda o hit "Tell Me Something Good", que vendeu mais de um milhão de cópias. O grupo também ganhou um Grammy de Melhor Performance Vocal de R&B por um Duo, Grupo ou Coral pela canção.

Rufus, que foi renomeado para Rufus featuring Chaka Khan e depois para Rufus & Chaka Khan, continuou a ter vários sucessos nos anos seguintes. A banda alcançou o Top 10 das paradas pop com a animada "Once You Get Started", e Khan ajudou a compor o single "Sweet Thing", que chegou ao topo das paradas de R&B e também ao Top 5 das paradas pop. Outros sucessos incluíram a balada introspectiva "Hollywood", sobre os perigos da famosa cidade, bem como a alegre "Do You Love What You Feel" e a direta "Ain't Nobody".

Carreira e  músicas solo.

Embora tenha gravado com o Rufus até o início dos anos 80, Khan estreou como artista solo no final dos anos 70. Em 1978, lançou o álbum "Chaka", que incluía o sucesso número 1 na parada R&B e hino de empoderamento "I'm Every Woman", escrito por Nicholas Ashford e Valerie Simpson. O segundo álbum solo de Khan, Naughty, de 1980, apresentou os singles populares "Clouds", também composta por Ashford e Simpson, e "Papillon (aka Hot Butterfly)". E, numa coincidência do destino, ela ganhou dois prêmios Grammy como artista solo e um como membro do Rufus em 1983.

No ano seguinte, porém, Chaka Khan, como artista solo, estourou nas paradas ao fazer um cover de uma música de Prince, ela alcançou grande sucesso com "I Feel for You", um hit que chegou ao Top 5. Com uma das participações especiais mais famosas do rap de todos os tempos, de Melle Mel, a faixa contagiante incorporou elementos de rap, R&B e música eletrônica. A canção também rendeu a Khan mais um Grammy em 1984. Outros sucessos do álbum incluem "This Is My Night" e "Through the Fire".

Durante os anos 80 e início dos anos 90, Khan se consolidou como uma presença constante nas paradas de R&B com sucessos no Top 20 como "What Cha' Gonna Do for Me", "Got to Be There", "(Krush Groove) Can't Stop the Street", "It's My Party", "Love You All My Lifetime" e "You Can Make the Story Right".

Embora a popularidade dos álbuns de Khan tenha diminuído com a mudança das tendências musicais, ela continuou a produzir música aclamada pela crítica. Ganhou outro Grammy em 1990 por seu dueto com o lendário Ray Charles em "I'll Be Good to You", do álbum Back on the Block de Quincy Jones, de 1989, e outro em 1992 por The Woman I Am. Khan também ficou conhecida por suas contribuições para as trilhas sonoras dos filmes Clockers e Um Passo para a Liberdade, ambos de 1995. Nessa mesma década, ela lançou o aclamado álbum Come 2 My House (1998), produzido por Prince.

Em 2002, Chaka Khan conquistou seu oitavo Grammy, desta vez por sua versão de "What's Going On", de Marvin Gaye, com os Funk Brothers. Experimentando com diferentes estilos musicais, ela lançou um álbum de standards com a Orquestra Sinfônica de Londres, intitulado ClassiKhan, em 2004.

Fazendo sua primeira gravação original em anos, Khan retornou ao estúdio para criar Funk This (2007), uma mistura diversificada de canções e participações especiais. A balada "Angel" surgiu de um poema que ela escreveu sob efeito de drogas anos antes, enquanto a animada "Disrespectful" uniu Khan a uma de suas protegidas musicais, Mary J. Blige. E na versão de "You Belong to Me", ela cantou com Michael McDonald, ex-integrante do The Doobie Brothers. Ela também incluiu algumas regravações no álbum, incluindo faixas de Prince, Jimi Hendrix e Joni Mitchell.

Khan retornou às rádios em 2016 com o single "I Love Myself", cuja parte das vendas foi destinada à organização de combate à violência doméstica Face Forward, bem como à STOMP Out Bullying. Ela também cantou com dois de seus irmãos na faixa dançante "House of Love", lançada naquele ano pela FOMO. Em 2018, Khan lançou "Like Sugar", que se tornou o primeiro single de seu álbum de 2019, Hello Happiness.

Teatro e Livro.

Durante sua estadia em Londres na década de 1990, Khan aventurou-se na atuação, interpretando a Irmã Carrie no musical Mama, I Want to Sing. Em 2008, Chaka Khan fez sua estreia na Broadway interpretando a personagem Sofia no musical The Color Purple , baseado no livro de Alice Walker.

Em 2003, a artista compartilhou sua história de vida com o mundo em sua autobiografia, Chaka! Through the Fire . Nela, ela detalhou sua carreira, bem como seus anos de abuso de substâncias. Chaka descreveu a solidão que sentia durante as turnês. Ela frequentemente ficava longe de seus dois filhos, o que só aumentava sua tristeza e culpa. Chaka disse à revista JET: "Acho que grande parte do meu envolvimento com drogas era uma fuga desses sentimentos". Ela também revelou que tinha um histórico de azar em relacionamentos.

Reabilitação.

Casada e divorciada duas vezes, Khan deu à luz uma filha, Milini, em 1973, e um filho, Damien, em 1979. No final da década de 1990, ela fundou a Fundação Chaka Khan, que oferece programas educacionais para crianças em situação de risco e ajuda famílias de baixa renda com crianças autistas.

Em 2004, Khan enfrentou uma tragédia pessoal quando Damien foi preso e acusado de assassinato. Ele e um amigo estavam brigando em sua casa quando Damien acidentalmente atirou no outro homem. Reunindo sua família, Khan compareceu ao julgamento e testemunhou em defesa do filho. Ele foi considerado inocente em 2006.

Em julho de 2016, Khan anunciou que ela e sua irmã Yvonne (também conhecida como Taka Boom) entrariam em reabilitação devido ao vício em medicamentos prescritos, motivadas pela morte de Prince por overdose.

"A morte trágica de Prince nos fez repensar e reavaliar nossas vidas e prioridades", disse Khan em um comunicado oficial. "Sabíamos que era hora de agir para salvar nossas vidas. Minha irmã e eu gostaríamos de agradecer a todos pelo apoio, carinho e orações."

@ChakaKhan

Apollo Theater

Teatro Apollo

' Nove décadas de espetáculos '

O Apollo é um tesouro cultural americano. É uma vibrante organização sem fins lucrativos, enraizada na comunidade do Harlem, que envolve pessoas de toda Nova York, dos Estados Unidos e do mundo. Desde 1934, o Apollo celebra, cria e apresenta trabalhos que priorizam artistas e vozes negras de toda a diáspora africana. Também tem sido um catalisador para a defesa social e cívica. Hoje, o Apollo é a maior instituição de artes cênicas dedicada à cultura e à criatividade negra.

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História

Desde que abriu suas portas em 1914 e introduziu os primeiros concursos da Noite dos Amadores em 1934, o Apollo desempenhou um papel fundamental no surgimento do jazz, swing, bebop, R&B, gospel, blues e soul — todos gêneros musicais tipicamente americanos.

Ella Fitzgerald, Sarah Vaughan, Billie Holiday, Sammy Davis Jr., James Brown, Gladys Knight, Luther Vandross, D'Angelo, Lauryn Hill e inúmeros outros iniciaram sua trajetória rumo ao estrelato no palco do Apollo. Hoje, o Apollo é uma respeitada organização sem fins lucrativos que apresenta concertos, peças teatrais e espetáculos de dança, exibições de filmes, programas educacionais e projetos de extensão comunitária.

O teatro neoclássico, hoje conhecido como Teatro Histórico do Apollo, foi projetado por George Keister e teve como primeiro proprietário Sidney Cohen. Em 1914, Benjamin Hurtig e Harry Seamon obtiveram um contrato de arrendamento de trinta anos para o teatro recém-construído, renomeando-o para Teatro Burlesco Hurtig e Seamon. Assim como muitos teatros americanos da época, os afro-americanos não tinham permissão para frequentá-los como espectadores ou se apresentar.

Em 1933, Fiorello La Guardia, que mais tarde se tornaria prefeito de Nova York, iniciou uma campanha contra o burlesco, e o Hurtig & Seamon's foi um dos muitos teatros que fecharam as portas. Cohen reabriu o prédio como o Teatro Apollo da Rua 125 em 1934, com seu sócio, Morris Sussman, como gerente. Cohen e Sussman mudaram o formato dos espetáculos, transformando-os de burlesco em revistas de variedades, e redirecionaram seus esforços de marketing para a crescente comunidade afro-americana do Harlem.

Frank Schiffman e Leo Brecher assumiram o Apollo em 1935. As famílias Schiffman e Brecher administraram o teatro até o final da década de 1970. O Apollo reabriu brevemente em 1978 sob nova administração, fechando novamente em novembro de 1979. Em 1981, foi adquirido por Percy Sutton, um proeminente advogado, político, executivo de mídia e tecnologia, e um grupo de investidores privados. Sob a gestão de Sutton, o teatro foi equipado com um estúdio de gravação e televisão.

Em 1983, o Apollo recebeu o status de patrimônio histórico estadual e municipal e, em 1992, a Apollo Theater Foundation, Inc. foi estabelecida como uma organização privada sem fins lucrativos para administrar, financiar e supervisionar a programação do Apollo Theater. Hoje, o Apollo, que funciona sob a orientação de um Conselho Diretor, apresenta concertos, artes cênicas, programas educacionais e de extensão comunitária. 

Em 2024, o Apollo expandiu sua presença física, tornando-se o operador e administrador do espaço cultural localizado a poucos metros de distância, dentro do Projeto de Reurbanização do Teatro Victoria. O Apollo Stages at The Victoria oferece uma programação artística, educacional e comunitária vibrante e contínua, que se baseia na herança cultural do Harlem e celebra a enorme fonte de criatividade encontrada em nosso bairro.

@ApolloTheater

Gravadora: Motow Records

                                            Motow   Soul

                                            Music  Records

A gravadora foi fundada por Berry Gordy Jr. em janeiro de 1959 na cidade de Detroit. Tornou-se um dos negócios mais bem-sucedidos da época. Fundada exclusivamente por negros, era uma das gravadoras independentes mais influentes da história americana. A empresa deu nome a um estilo de música extremamente popular. De fato, os artistas da Motown dominaram as paradas musicais na década de 1960. O catálogo de bandas e cantores da gravadora incluía nomes como The Supremes, The Temptations, Smokey Robinson and the Miracles, Marvin Gaye, The Jackson 5 e Lionel Richie and the Commodores.

Primeiro prédio, agora museu.

Primórdios à margem da música popular.

Ao se mudar da zona rural da Geórgia para Detroit, a família de Gordy fez parte da migração em massa de centenas de milhares de afro-americanos do Sul durante e após a Primeira Guerra Mundial, atraídos principalmente pela promessa de trabalho nas indústrias manufatureiras do Norte, como as fábricas de automóveis de Detroit. Os pais de Gordy, empreendedores dedicados, incutiram nos filhos os valores do trabalho árduo e da fé religiosa. Eles também desempenharam um papel fundamental no financiamento de Gordy em seus primeiros anos no ramo da música.

Após uma tentativa de carreira no boxe profissional e um período no exército durante a Guerra da Coreia, Gordy entrou para o ramo da música. Ele chegou a ser dono de uma loja de discos de jazz , mas sua verdadeira paixão era compor canções. Embora não soubesse ler partituras, demonstrava uma habilidade infalível para avaliar se uma música tinha potencial para se tornar popular. Antes de fundar a Motown, Gordy tentou a sorte como compositor e produtor musical independente, coescrevendo sucessos para diversas gravadoras. Apesar do sucesso, Gordy permaneceu à margem do mundo da música popular, ganhando muito pouco para se manter, até que descobriu William (“Smokey”) Robinson, um estudante do ensino médio de Detroit com um falsete suave e um ouvido apurado para letras doces.

Mudanças sociais e musicais.

Em 1959, pouco depois de gravar o grupo de Robinson, Após a criação do grupo The Miracles, para a gravadora End Records, sediada em Nova York, e a fundação da editora Jobete Publishing Company, Gordy deu início à Motown Records (cujo nome deriva do apelido de Detroit, "Motor City"). Diversos fatores contribuíram para o sucesso da Motown naquela época. 

Primeiramente, após a segunda guerra mundial, o swing das big bands era o gênero musical popular dominante. Grandes formações musicais como eram as bands de jazz, já não eram mais economicamente viáveis. Até o próprio jazz havia sido dominado por um novo grupo de jovens músicos, os chamados: "beboppers", que se dedicavam a tocar músicas com solos mais complexos, e não tanto para dançar.

Em segundo lugar, um novo estilo de música urbana dançante, o rhythm and blues (R&B), estava em ascensão. Surgindo principalmente em bairros periféricos e popularizado por líderes de banda como Louis Jordan e Lionel Hampton, o R&B era gravado quase exclusivamente por pequenas gravadoras independentes. Das três grandes gravadoras — Columbia , Capitol e Decca — apenas a última demonstrou interesse na nova e empolgante música que daria origem mais tarde ao rock and roll. Durante a década de 1950, era possível para um jovem empreendedor com talento para esse tipo de música fundar uma gravadora independente de sucesso moderado, produzindo um som que agradasse aos jovens brancos e aos afro-americanos.

Em terceiro lugar, no final da década de 1950, outras duas gravadoras independentes de propriedade de negros, especializadas em R&B e rock and roll, já desfrutavam de considerável sucesso há quase uma década: a Peacock Records, fundada em Houston por Don Robey, e a Vee Jay Records, fundada em Chicago por Vivian Carter Bracken, James Bracken e Calvin Carter. 

Portanto, Gordy não estava entrando em território completamente desconhecido como empresário da música negra. 

Em 1959, ano em que Gordy fundou a Motown, Harry Belafonte se tornou o primeiro afro-americano a produzir um filme em Hollywood, "Odds Against Tomorrow", por meio de sua própria empresa. A mudança social prometida pela decisão de 1954 do caso Brown v. Board of Education de Topeka, que determinou a segregação escolar, e o novo ativismo pelos direitos civis tornaram esse um período realmente estimulante para se tornar um empreendedor — tudo parecia possível. Além disso, o rádio voltado para o público negro havia se tornado uma força na comercialização da música popular. Isso deu aos ouvintes grande influência como consumidores e possibilitou que os proprietários de gravadoras comercializassem seus produtos diretamente para esse público crescente.

Durante a década de 1960, a Motown se tornou uma das principais forças da música popular americana, ao lado dos The Beatles. Gordy reuniu um grupo de talentosos artistas locais (muitos dos quais haviam se beneficiado do excelente programa de educação musical das escolas públicas de Detroit na década de 1950) em West Grand Boulevard, local que se tornaria o mais famoso de Detroit. 

Servindo como estúdio de gravação e sede administrativa, esta casa de dois andares se tornou a sede da "Hitsville". O catálogo da Motown incluía diversos artistas solo de sucesso, como: Marvin Gaye, Steve Wonder e Mary Wells. Além dos Miracles, que emplacaram o primeiro single milionário da Motown, “Shop Around” (1960), havia vários grupos musicais jovens, incluindo The Temptations, Martha and The Vandellas e The Marvelettes. Também houve vários grupos um pouco mais antigos que fizeram muito sucesso, como: The Four Tops, The Contorns e Junior Walker & The All-Stars. Vários artistas que não foram descobertos pela Motown acabaram emplacando sucessos durante sua passagem pela gravadora, incluindo The Isley Brothers e Gladys Night & The Pips.

No entanto, apesar da considerável aclamação que esses artistas conquistaram, nenhum grupo da Motown dos anos 1960 igualou o sucesso de The Supremes, grupo feminino que alcançou o primeiro lugar nas paradas musicais. Elas não só foram o segundo grupo vocal feminino de maior sucesso da década — superadas apenas pelos Beatles — como continuam sendo um dos grupos vocais femininos de maior sucesso de todos os tempos. A glamorosa vocalista do grupo, Diana Ross, seguiu uma longa carreira solo de sucesso.

Não apenas os artistas da Motown se tornaram famosos, mas seus compositores e produtores também se tornaram nomes conhecidos. Alguns foram designados por Gordy para trabalhar com artistas específicos. Tamanha foi a fama alcançada por alguns dos compositores da Motown (e tantos os problemas que essa fama causou a Gordy) que, quando os The Jackson 5 assinaram contrato com a empresa em 1969, e a equipe que compôs os primeiros sucessos do grupo era creditada simplesmente como The Corporation.

A Motown tinha uma banda de apoio extraordinária (The Funk Brothers), que eram formados por alguns dos melhores músicos de boate e bar da cena negra de Detroit, incluindo Earl Van Dyke nos teclados, Benny Benjamin com Uriel Jones na bateria, e James Jamerson no baixo. Eles desempenharam um papel fundamental no desenvolvimento do som da Motown, um ramo da música soul que apresentava arranjos e orquestração mais sofisticados do que o soul sulista mais cru que florescia contemporaneamente como o Som de Memphis. A Motown uniu influências de R&B, gospel e o pop em sua busca por "cruzar fronteiras", ou seja, para alcançar um público mais amplo.

O desenvolvimento artístico.

Apesar de seus inúmeros sucessos, a Motown era, na verdade, uma empresa pequena, mas administrada com uma eficiência incomparável. Gordy se orgulhava de ter aprendido a produzir um produto de qualidade durante um breve período na linha de montagem de uma fábrica de automóveis. Ele realizava reuniões rigorosas de controle de qualidade e apenas os discos que resistiam às duras críticas de sua equipe de especialistas eram lançados. Como resultado das medidas rigorosas de Gordy, no auge de sua popularidade na década de 1960, a Motown desfrutou da maior taxa de sucesso entre seus singles lançados de qualquer gravadora na história. Na verdade, Gordy precisava empregar esses meios extraordinários para que uma empresa tão pequena quanto a sua sobrevivesse à concorrência de empresas maiores no mercado da música popular.

O desenvolvimento artístico na Motown era abrangente. Funcionando em partes iguais como escola de etiqueta e academia de artes populares, a empresa proporcionava aos seus artistas coreografias elaboradas sob a tutela de Cholly Atkins. Artistas criadas em conjuntos habitacionais populares, como as Supremes, acompanhavam as caravanas de ônibus das turnês que as levavam da Motown para outras partes do país durante os primeiros anos da empresa.

A saída de Detroit. 

A Motown viveu seu maior sucesso entre 1965 e 1968, quando dominou as paradas da Billboard. Embora a empresa nunca tenha sido exatamente a mesma força dos anos 60 na década de 70 (pois perdeu vários artistas importantes), ainda era uma empresa que contava com os Jackson 5, The Commodores, Stevie Wonder e Diana Ross. Em 1971, a Motown lançou aquele que se tornou, indiscutivelmente, o disco de soul music mais influente de todos os tempos, Gaye's.

No final da década de 1960, Detroit foi assolada por violentos conflitos raciais, e no início dos anos 70 a empresa se mudou para Los Angeles, onde sua incursão na produção cinematográfica foi, em geral, frutífera. O filme mais famoso da Motown, Lady Sings the Blues (1972), estrelado por Diana Ross, foi vagamente baseado na carreira da cantora de jazz, Billie Holiday .

Na década de 1980, Gordy teve dificuldades para prosperar em uma indústria musical cada vez mais dominada por conglomerados multinacionais e, em 1988, vendeu a Motown para a MCA, que posteriormente a vendeu para a Polygram. A Motown passou a fazer parte do Universal Music Group quando a UMG adquiriu a Polygram em 1998. 

A Motown permaneceu uma força na música popular — uma influência vital, quase primordial, com uma longevidade impressionante. Ninguém conseguiu reproduzir completamente o som clássico da Motown Records!

@MotowRecords

Booker T. & The MG's

Booker T. & The MG's

Al Jackson, Booker T. Jones, Donald "Duck" Dunn e Steve Cropper.

Como banda residente da Stax Records em Memphis, Tennessee, Booker T. & the MG’s podem ter sido o fator mais importante para o valor duradouro da música soul daquela gravadora, sem mencionar o soul sulista como um todo. Seus grooves precisos e impecáveis ​​podiam ser ouvidos em sucessos clássicos de Otis Redding, Wilson Pickett, Carla Thomas, Albert King e Sam & Dave, e só por isso já mereceriam sua subsequente entrada para o Hall da Fama do Rock and Roll. Mas além de suas formidáveis ​​habilidades como banda residente, em carreira solo eles foram um dos principais grupos instrumentais da era do rock, gravando clássicos como “Green Onions”, “Time Is Tight” e “Hang 'em High”.

Os pilares do som de Booker T.: eram Steve Cropper, cujos riffs incisivos e econômicos influenciaram muitos outros guitarristas, e o próprio Booker T. Jones, que fornecia grande parte do groove com suas linhas de órgão etéreas. Em 1960, Jones começou a trabalhar como músico de estúdio para a Stax, onde conheceu Cropper. Cropper havia tocado com os Mar-Keys, famosos pelo sucesso instrumental de 1961 "Last Night", que estabeleceu o protótipo para grande parte do som dos MG's (e, de fato, da soul music de Memphis) com sua combinação de órgão, saxofone e guitarra. Com a adição do baterista Al Jackson e do baixista Lewis Steinberg, eles se tornaram Booker T. & the MG's. Em poucos anos, Steinberg foi substituído permanentemente por Donald "Duck" Dunn, que, assim como Cropper, também havia tocado com os Mar-Keys.

Primeiro e maior sucesso da banda: “Green Onions” (um single que alcançou o terceiro lugar nas paradas em 1962), surgiu por acaso. Enquanto improvisavam no estúdio, esperando em vão por Billy Lee Riley para uma sessão de gravação, eles criaram um clássico instrumental de soul blues em tom menor, caracterizado pelo ritmo vibrante do órgão e pelos solos de guitarra intensos. Nos cinco anos seguintes, teriam dificuldade em repetir o sucesso comercial, embora a qualidade de seus discos permanecesse relativamente alta, e a dependência da Stax em tê-los como banda da casa garantisse uma renda decente.

Álbum "Abbey Road", The Beatles.

Abbey Road: No final dos anos 60, os MG's atingiram o auge com sucessos como "Hip Hug-Her", "Groovin'", "Soul-Limbo", "Hang 'em High" e "Time Is Tight", todos presentes no Top 40 entre 1967 e 1969. Como a presença de músicos pretos e brancos os tornava uma banda birracial, os MG's deram um exemplo, de certa forma subestimado, de como bandas integradas e autossuficientes podiam ter sucesso e de como músicos negros e brancos podiam tocar soul music com influências de funk.

Como acontece com a maioria das bandas de rock instrumental, seus singles continham seu melhor material, e a música da banda é hoje melhor apreciada por meio de coletâneas. Mas seus álbuns estavam longe de ser insignificantes e, ocasionalmente, se aventuravam em territórios ambiciosos (eles fizeram uma versão instrumental completa do álbum Abbey Road dos Beatles, que intitularam McLemore Avenue em homenagem à localização dos estúdios da Stax).

Embora já fossem estrelas consagradas no final da década, o grupo começou a ter dificuldades para trabalhar junto, não tanto por problemas de pessoal, mas por dificuldades logísticas. Cropper frequentemente participava de gravações em Los Angeles, e Jones estava frequentemente ausente de Memphis enquanto concluía seus estudos musicais na Universidade de Indiana. A banda decidiu se separar em 1971, mas estava trabalhando em um álbum de reunião em 1975, quando Al Jackson foi tragicamente assassinado a tiros em sua casa em Memphis por um ladrão. Os membros restantes permaneceram ativos como artistas de gravação e músicos de estúdio nos anos seguintes, com Cropper e Dunn se juntando aos Blues Brothers por um período no final dos anos 70.

Uma das primeiras bandas inter-racial.

O Potato Hole: o MG's voltaram aos holofotes no início de 1992, quando foram a banda da casa de um extravagante tributo a Bob Dylan no Madison Square Garden. Mais importante ainda, em 1993, eles serviram como banda de apoio em uma turnê de Neil Young, que rendeu a ambos (e a Young) ótimas avaliações da crítica. No ano seguinte, lançaram um álbum de retorno, com arranjos no estilo de seus trabalhos clássicos dos anos 60, que provou que suas habilidades instrumentais ainda estavam intactas. 

Como a maioria desses trabalhos, porém, acabou não conseguindo recriar a faísca e a espontaneidade que claramente almejavam. Jones continuou com sua própria produção musical nas décadas seguintes, frequentemente contribuindo com suas habilidades instrumentais para outros artistas e ocasionalmente lançando seus próprios álbuns, como o trabalho solo de 2009, Potato Hole. O baixista Dunn, que participou intermitentemente de festivais e turnês após a virada do milênio, estava em turnê com Cropper e Eddie Floyd no Japão em maio de 2012, quando faleceu enquanto dormia em um hotel de Tóquio.

Joanne Shaw Taylor

Joanne Shaw Taylor

Taylor nasceu em Wednesbury, West Midlands, Inglaterra. Ela cresceu em Solihull e foi inspirada no início da adolescência a tocar blues depois de ouvir principalmente Stevie Ray Vaughan, Albert Collins e Jimi Hendrix. 

Ela usa principalmente guitarra Fender Telecaster, embora também use uma Gibson Les Paul. Stratocasters ele disse gostar para tocar guitarra rítmica. Adquiriu sua Telecaster principal, apelidada de 'Junior', aos 15 anos. É um modelo Esquire de 1966 modificado, comprado em segunda mão na Denmark Street em Londres, ao qual foi adicionado um captador humbucker Fender Jazz no braço (além do captador de ponte de fábrica). Além disso, ela usa uma Fender Telecaster modelo Albert Collins Signature, que foi um presente de Joe Bonamassa.

Trajetória artística e discografia.

Joanne Shaw Taylor, descoberta por Dave Stewart, do Eurythmics, aos 16 anos, conquistou um espaço impressionante no mundo do blues-rock. Após testemunhar seu notável talento com a guitarra, Stewart a convidou imediatamente para se juntar ao seu supergrupo, DUP, dando início a uma carreira musical florescente. Seu prodigioso talento na guitarra lhe rendeu elogios de vários gigantes da indústria, incluindo Jimmy Cliff, Joe Bonamassa, Stevie Wonder e Annie Lennox.

Agora com mais de 30 anos, Joanne se consolidou como uma das guitarristas mais requisitadas do rock. Seu álbum de estreia, White Sugar (2009), lançado pela Ruf Records, exibiu sua voz cheia de alma e sua excepcional habilidade como compositora, anunciando a chegada de uma nova estrela no cenário do blues-rock. A esse lançamento seguiram-se uma série de álbuns aclamados pela crítica: Diamonds In The Dirt (2010), Almost Always Never (2012), que inclui o sucesso radiofônico britânico “Soul Station”, e o álbum ao vivo Songs From The Road (2013).

Em 2014, Joanne lançou seu quarto álbum de estúdio, The Dirty Truth , pela Axehouse Records, que incluía os singles de sucesso “Mud, Honey” e “Wicked Soul”. Seu quinto álbum, Wild (2016), produzido pelo lendário Kevin Shirley, contou com apresentações de “Dyin' To Know” e “Summertime” no popular programa musical da BBC Two, Later With Jools Holland .

A trajetória de Joanne ao longo das últimas duas décadas a transformou em uma compositora prolífica, com cada um de seus aclamados álbuns superando o anterior em sucesso. Seu álbum de 2019, Reckless Heart , entrou para o Top 20 da parada de álbuns do Reino Unido, consolidando sua posição como uma das mais importantes artistas britânicas de blues-rock.

Em uma colaboração significativa, Joanne uniu forças com os produtores Joe Bonamassa e Josh Smith para seu sétimo álbum, The Blues Album , lançado pelo selo independente de Bonamassa, KTBA Records, em 2021. Este projeto impactante não apenas demonstrou o aprofundamento artístico e a evolução sonora de Joanne, como também conquistou aclamação da crítica, estreando em 1º lugar na parada de blues da Billboard. Essa conquista marcou um momento crucial em sua carreira, consolidando seu status como uma figura de destaque no gênero blues-rock.

Aproveitando esse impulso, 2022 provou ser um ano marcante para Joanne. Ela expandiu seus horizontes lançando seu primeiro DVD ao vivo, juntamente com Blues From The Heart Live , seu segundo álbum consecutivo a alcançar o 1º lugar na parada de Blues da Billboard. Isso foi uma prova de suas performances eletrizantes ao vivo e elevou ainda mais seu perfil, levando a uma estreia de sucesso na TV pública (PBS). O sucesso desses projetos não apenas solidificou sua reputação como uma artista de palco cativante, mas também ampliou seu alcance para um público mais amplo.

Dando continuidade à sua série de colaborações criativas, Joanne lançou seu oitavo álbum de estúdio ainda naquele ano, intitulado Nobody's Fool . Este álbum foi o ápice de sua jornada musical, contando com a participação de uma gama diversificada de talentos, incluindo Joe Bonamassa, Dave Stewart, Tina Guo e Carmen Vandenburg. Nobody's Fool foi uma declaração ousada de sua versatilidade musical e uma exploração de novos territórios sonoros, consolidando ainda mais Joanne como uma força dinâmica e influente no mundo do blues-rock.

Álbum Heavy Soul

Produzido por Kevin Shirley (Black Crowes, Journey, Aerosmith), o ótimo álbum de estúdio de Joanne, Heavy Soul, mergulha nas profundezas das lutas emocionais com letras poderosas e melodias comoventes. O álbum foi elogiado por sua fusão de soul-pop contemporâneo com raízes tradicionais do blues, contando com a participação de músicos talentosos como Anton Fig, Alison Presswood e Rob McNelley. Com esse disco Joanne continua sustentando a bandeira do blues viva e se mantendo como uma das figuras mais influentes do blues-rock moderno. 

Produzido também por Kevin Shirley, o álbum Black & Gold lançado em 2025, apresenta nove composições autorais, além de duas versões cover. Joanne assume os vocais principais e a guitarra, Anton Fig toca bateria, Alison Prestwood baixo, Jimmy Wallace teclados, Doug Lancio e Audley Freed guitarra; Joe Bonamassa toca guitarra em duas faixas e Savannah Madigan toca violino em outras duas. Os vocais de apoio são de Joanne, Savannah e Sheridan Gates.

Após dois álbuns focados no blues e um com uma abordagem mais suave, Joanne nos presenteia agora com uma mistura de estilos que certamente agradará; um álbum agradável de blues-rock melódico.

@JoanneShawTaylor