Rosa's Lounge (Bar de Blues)

Rosa's Lounge

'Reduto do Blues de Chicago'

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A história do Salão da Rosa

O Rosa's Lounge opera na consagrada tradição dos bares de blues de Chicago, sendo propriedade e administrado pela família do imigrante italiano Tony Mangiullo, que chegou a Chicago em 1978 após conhecer Jr. Wells e Buddy Guy em Milão. 

Tony encontrou o verdadeiro espírito do blues em bares da zona sul, como o lendário Theresa's Lounge, e abriu o Rosa's (1984) como uma homenagem a esses berços da tradição do blues, nomeando-o em homenagem à sua mãe, Rosa, que o acompanhou até lá para ajudar.

A família de músicos de blues do Rosa's abrange todo o espectro de estilos, desde lendas tradicionais como David Honeyboy Edwards, Homesick James e Pinetop Perkins até modernistas de Chicago como Billy Branch, Melvin Taylor, Sugar Blue e John Primer, e conta com os filhos da segunda geração do blues como Eddie Taylor Jr. e Lurrie Bell. 

Este é um refúgio para os amantes do blues que acolhe tanto o novato quanto o fã experiente, sendo considerado "o lounge de blues mais amigável de Chicago". O Rosa's foi eleito "o melhor clube de blues de Chicago" pelo New York Times e "... uma meca do blues para os verdadeiros crentes" pela Rolling Stone.

Ecos de um Sonho

O pulsar da cidade ressoava com promessas. Esta metrópole vibrante havia se tornado meu refúgio final para o blues, um destino que eu almejava há muito tempo. A jornada começou através dos oceanos, partindo do abraço da Itália em 1º de agosto de 1978, embalado pelo ritmo das rodas do trem.

Atravessei Calais, na França, e o suave balanço de uma balsa, apenas para me encontrar em Dover, na Inglaterra, detido por um encontro inesperado com a autoridade. Perguntas surgiram como ondas, e os olhares curiosos dos funcionários sondavam minhas intenções de viagem. Das costas da Europa, segui os sussurros do destino até Londres.

O ritmo de um trem me conduziu ao seu coração, mas os portões do aeroporto me negaram a passagem para os sonhos de Nova York. Uma passagem de "tarifa de lista de espera", uma decisão movida pela economia, me manteve com os pés no chão, transformando duas semanas em Londres em uma pausa inesperada.

Em meio à vibrante tapeçaria de Londres, minhas economias se esvaíram, e a estrada para Nova York finalmente se abriu. Mas, infelizmente, alguns dos meus pertences foram roubados, deixando-me vulnerável em uma cidade agitada. Uma nova jornada se anunciava, repleta de incertezas e desafios.

Uma viagem de ônibus para Chicago, uma jornada que parecia interminável, com o ônibus parando em cada esquina, estendendo o abraço do tempo. A estrada desdobrava sonhos e pesadelos. No abraço do sono, um cachorro me perseguia pelos reinos dos sonhos, asas cortadas por laços invisíveis. Nessa dança surreal, uma mordida marcou uma memória que não se apagaria.

Com coragem e dois endereços bem guardados, cheguei às ruas de Chicago, guiado pelos ecos do nome de Junior Wells e pela promessa do Theresa's Lounge. As tarifas de táxi eram consideradas muito caras, então um humilde ônibus seria meu guia, percorrendo rotas que custavam apenas algumas moedas.

Finalmente, a entrada do "Salão da Theresa" estava diante de mim, guardada por um leal pastor alemão. Fui recebido com gentileza, e a própria Theresa pegou minhas coisas e pediu que eu esperasse. As horas se arrastaram como anotações em uma página, até que o mundo silenciou e o abraço estrelado da noite envolveu a cidade.

Um momento mágico se desenrolou quando Junior Wells emergiu das sombras, sua presença eletrizando o ar. Em meio à música de lendas, uma sinfonia de almas, encontrei meu lugar no coração do blues. John Primer, Sammy Lawhorn, Ernest Johnson, todos fios da tapeçaria da Muddy Waters Band, teceram harmonias que ecoam através do tempo.

Os dedos de Junior dançavam sobre sua gaita, um mestre tecendo histórias em melodias, e numa dança rápida e espontânea, ele me chamou para o palco. A bateria me chamava, um batimento cardíaco sincronizado com o meu, e eu respondi ao chamado. Com a chegada do amanhecer, a generosidade de Junior brilhou mais forte do que nunca. Ele me guiou para um refúgio, um hotel no centro da cidade, um descanso do encanto da noite.

Em suas ações, encontrei inspiração, um caminho pavimentado com gentileza e arte. E agora, enquanto os anos fluem como os rios do tempo, décadas depois, me sinto honrado por aqueles que deram uma chance a um viajante de terras distantes. Junior Wells, um farol de acolhimento musical, e Theresa's Lounge, um santuário para a alma, a vocês expresso minha gratidão.

Por: Tony Mangiullo

A jornada foi repleta de melodias e memórias, e hoje, celebro seu legado duradouro.

Obrigado, Junior Wells. Obrigado, Theresa Needham.

@RosasLounge

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Bobby Timmons

Bobby Timmons 

' o piano funkeado do bebop '

Bobby Timmons (1935-1974) ficou famoso por seus solos de piano com um toque funky e por sua habilidade em compor canções cativantes. Na verdade, ele era um pianista completo e mais versátil do que muitos imaginavam.

Robert Henry Timmons foi um músico de jazz, pianista e compositor, nascido em 19 de dezembro de 1935 na Filadélfia, Pensilvânia, EUA. Ele fez parte da cena jazzística da Filadélfia antes de se mudar para Nova York em meados da década de 1950. Ele trabalhou com Kenny Dorham, Chet Baker, Sonny Stitt e a Orquestra de Maynard Ferguson. 

O talento de Timmons ajudou duas bandas importantes a alcançarem sucesso. Enquanto integrava o Jazz Messengers de Art Blakey (1958-1960), ele contribuiu com "Moanin'", e quando foi membro do Quinteto de Cannonball Adderley (1959-1960), as canções de Timmons "This Here" e "Dat Dere" se tornaram bastante populares.

Timmons ficou tão famoso pelos clichês de gospel e blues funky em seus solos e composições que suas habilidades como músico de bebop inspirado por Bud Powell foram há muito esquecidas. Após emergir da cena jazzística da Filadélfia, Timmons trabalhou com Kenny Dorham (1956), Chet Baker, Sonny Stitt e a Maynard Ferguson Big Band.

Ele foi parcialmente responsável pelo sucesso comercial tanto dos Jazz Messengers de Art Blakey quanto do quinteto de Cannonball Adderley. Para Blakey (com quem tocou entre 1958 e 1959), Timmons escreveu o clássico "Moanin'" e, após se juntar a Adderley em 1959, sua canção "This Here" (seguida posteriormente por "Dat Dere") se tornou um grande sucesso; não é de se admirar que Adderley tenha ficado angustiado quando, em 1960, Timmons decidiu retornar aos Jazz Messengers. "Dat Dere" fez sucesso especialmente quando Oscar Brown Jr. escreveu e gravou letras que retratavam de forma vívida seu filho curioso.

Bobby Timmons, começou a liderar seus próprios trios em 1961, mas nunca alcançou o mesmo sucesso comercial de seus antigos líderes, gravou para a Riverside, Prestige e Milestone entre 1960 e 1968. This Here Is Bobby Timmons (1959) é um conjunto brilhante no qual ele interpreta "Lush Life" a capella e apresenta versões em trio de seus três sucessos, uma canção mais recente, "Joy Ride", e quatro standards com o baixista Sam Jones e o baterista Jimmy Cobb. 

Já no álbum Soul Time, de 1960, Timmons reúne o trompetista Blue Mitchell, Sam Jones no baixo e o baterista Art Blakey; a melhor de suas novas canções é "So Tired". Easy Does It (1960) é um trabalho em trio com Jones e o baterista Cobb que inclui ótimas versões de "Old Devil Moon" e "Groovin' High". Outras gravações em trio incluem In Person (1961), Sweet and Soulful Sounds (1962), Born to Be Blue (1963), From the Bottom (1970) e, logicamente, a coletânea lançada em 2003: The Prestige Trio Sessions.

O álbum Workin' Out, de 1966, mostra que Timmons havia continuado a evoluir além de sua imagem original como o pianista mais funky do jazz. Em dois quartetos com o vibrafonista Johnny Lytle ou o saxofonista tenor Wayne Shorter, ele toca material mais ousado do que o esperado (incluindo "Tom Thumb", de Shorter) e demonstra sua criatividade no pós-bop. 

O material Quartets and Orchestra (2001), com os lançamentos gravados pela Milestone, frequentemente o reúne com o guitarrista Joe Beck em um quarteto, além de um grupo maior com arranjos vocais de Tom McIntosh, Timmons claramente já olhava para o futuro. Timmons, que já gravava como líder para a Riverside, logo formou seu próprio trio, mas nunca conseguiu alcançar o sucesso comercial de seus antigos líderes. Estereotipado como um pianista funky (embora tenha influenciado muitos músicos, incluindo Les McCann, Ramsey Lewis e, muito mais tarde, Benny Green), a carreira de Timmons declinou gradualmente.

Infelizmente, Bobby Timmons viveu apenas até os 38 anos, vítima de uma cirrose hepática, mas seu legado musical é rico e indispensável.

Gary Clark Jr.

GARY CLARK JR.

' sutileza e bom gosto '

“O blues sempre será a minha base”, diz Clark. “Mas isso é só a ponta do iceberg. Também sou produtor musical e imitador, e gosto de fazer vozes diferentes. Sempre amei teatro e a possibilidade de contar uma história. Em casa, quando toco trompete, penso em Lee Morgan, ou em John Coltrane quando toco saxofone. Tenho até gaita de foles, caso precise. Então, embora este seja o meu álbum mais honesto e vulnerável sobre a condição humana, também é o mais libertador.” - Sobre o álbum 'JPEG Raw'.

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Quem já ouviu um álbum de Gary Clark Jr. ou assistiu a uma apresentação ao vivo do artista, quatro vezes vencedor do Grammy, sabe que ele é um multi-instrumentista, compositor e intérprete talentoso. E isso nunca foi tão evidente quanto em seu último álbum, o esclarecedor This Land, de 2019. Mas enquanto This Land representou um avanço, mostrando sua versatilidade musical além do blues, seu álbum mais recente, JPEG Raw, representa um salto qualitativo.

Simultaneamente poderoso, perspicaz e instigante, JPEG Raw retoma a história de onde This Land parou. Mas, diferentemente de seu antecessor, o quarto álbum de estúdio de Clark nasceu de dois anos sem precedentes, durante os quais o país foi abalado por uma pandemia global, protestos pelos direitos civis de costa a costa após o assassinato de George Floyd por policiais racistas, e uma insurreição política dentro da capital do país. Como homem negro e pai preocupado com o futuro de seus três filhos pequenos em um contexto ainda desafiador, Clark se viu de volta ao estúdio gravando um chamado pessoal à ação, impactante tanto musical quanto liricamente.

“Quando a sequência das faixas do álbum foi finalizada, a banda e eu percebemos que tínhamos transformado um álbum em um filme”, ele relembra. “Era essa a minha intenção sonora, porque foi assim que todo o processo de composição se desenrolou. Primeiro, trata-se de angústia e confusão, do desconhecido. Depois, trata-se de uma reflexão interna. E então, trata-se do que vem depois: a esperança e o triunfo.”

E enquanto você ouve o desenrolar de JPEG Raw, essas três transições distintas de tom, humor e intenção ressoam com urgência. A cortina se abre para o conjunto de 12 faixas com a alta e caótica “Maktub”. Nomeada a partir da palavra árabe que significa destino ou fado, a faixa delineia a primeira fase da declaração de missão do álbum, enquanto a guitarra agressiva de Clark pinta o quadro: “Então temos que seguir na mesma direção / Temos que seguir / Hora de uma nova revolução / Temos que seguir.”

A faixa-título do álbum examina o papel que a sociedade dos celulares desempenha nesse caos, em detrimento da interação real e presencial. Em um trecho da música, ele lamenta o fato de que "meu mano não pode simplesmente andar pela loja de moletom com capuz / Vão ficar te olhando, tipo 'olha só'".

“Não gosto muito de ter um dispositivo móvel”, explica Clark sobre a origem da música e o tema principal do álbum. “Sinto falta de poder ter uma interação mais genuína, olhar alguém nos olhos e aprender algo, obter uma perspectiva. JPEG RAW é sobre mostrar o real e não a edição. Vivemos em um mundo de edições, filtros e refazer. Só temos uma chance.”

Antes de mergulhar na parte introspectiva do álbum, Clark une forças com a artista de R&B eletrônico/alt-pop Naala na impactante faixa "This Is Who We Are". Sua cadência marcante está em perfeita sintonia com o refrão do hino, que começa: "This is who we are, go on and hate me / I've shown you all my scars ..."

Entre as canções que incorporam o segmento mencionado estão “Alone Together” e “What About the Children”. A primeira conta com a participação do renomado trompetista de estúdio Keyon Harrold, cujo instrumento complementa perfeitamente a levada jazzística lenta da faixa enquanto Clark, em um falsete pungente, canta: “Você não acha que meu amor é real / Eu ainda estou aqui, então / Por que nos sentimos tão sozinhos juntos?”.

Uma demo que Stevie Wonder enviou a Clark em 2020 levou a dupla a gravar um dueto em “What About the Children”. A faixa, com uma vibe funky e ritmo moderado, mostra os dois artistas repreendendo as “pessoas sem coração” do mundo para quem as vidas destruídas de crianças em decorrência da falta de moradia, da fome e de outras dificuldades não importam. Sobre trabalhar com Wonder, Clark diz simplesmente: “Eu me tornei uma pessoa diferente”.

JPEG Raw encerra seu terceiro segmento, repleto de esperança, com a faixa de nove minutos “Habits”. Trata-se de uma reflexão profunda e, ao mesmo tempo, fortalecedora sobre si mesmo, antes que os maus hábitos se tornem problemáticos. Como Clark compartilha na faixa com mudanças de acordes que exibem sua hipnotizante técnica de guitarra, a vida é sobre ser forte o suficiente para navegar pelos bons e maus momentos.

“Essa foi a música mais difícil de escrever em termos de letra, porque é a minha verdade, começando na infância nas baladas e amadurecendo rápido. Então, estou tentando ser melhor em todos os aspectos da minha vida. Estou me emocionando agora porque provavelmente é a coisa mais sincera que já fiz. As pessoas, principalmente os jovens, estão sendo influenciadas pela falsa imagem que os outros projetam de si mesmos. Quero que meus filhos sintam o que é ser uma parte real deste mundo.”

Trabalhando mais uma vez com seu colaborador e co-produtor de longa data, Jacob Sciba, Clark explora um panorama de influências musicais que abrangem R&B/soul, hip-hop, blues, jazz, country e cantos africanos. Estes últimos, segundo Clark, surgiram de conversas em estúdio sobre a história da música e, em particular, da influente música africana.

“Muitas das escalas da música africana foram incorporadas à música folclórica, ao blues e ao country”, diz Clark, cujas influências e colaborações vão de BB King, Jackson 5 e Muddy Waters a Alicia Keys, Dave Grohl e Childish Gambino. “E nós tocávamos música africana no estúdio. Foi daí que surgiu a inspiração para expandir nossos horizontes musicais, quando discutíamos o que viria depois de This Land.”

Clark também convidou a cantora e compositora Valerie June e o mestre do funk George Clinton como participações especiais em JPEG Raw. E as harmonias celestiais que acompanham várias das faixas do álbum são das irmãs de Clark, Shanan, Shawn e Savannah. Unindo todo o projeto, estão fotografias que Clark tirou de si mesmo e de uma árvore caída do lado de fora de seu estúdio, que também servem como capa do vinil.

“Eu pude ser aquele garoto esquisito que eu sabia que era na sexta série”, diz Clark, rindo ao falar sobre sua mentalidade audiovisual. “[Mas] estávamos passando pela pandemia e houve uma grande geada. A árvore caiu, mas na primavera as folhas ainda estavam crescendo. Para mim, isso simboliza resiliência.”

Criado em sua cidade natal, Austin, Texas, Clark começou tocando e cantando com suas irmãs em eventos familiares, interpretando músicas sugeridas por seu pai. Anos depois, ele se tornou um prodígio da guitarra, recebendo elogios de Eric Clapton, entre outros. Sua estreia por uma grande gravadora foi com o EP "The Bright Lights", da Warner Records, em 2011. Desde então, Clark lançou três álbuns de estúdio: "Black and Blu" (2012), "The Story of Sonny Boy Slim" ( 2015) e "This Land" (2019 ). Ele conquistou quatro Grammys, incluindo Melhor Performance Tradicional de R&B por "Please Come Home", do álbum "Black and Blu", e Melhor Performance de Rock, Melhor Canção de Rock e Melhor Videoclipe pela faixa-título "This Land".

Durante as finalizações e expectativas do lançamento do seu quarto álbum, JPEG Raw, o que Gary Clark espera que os ouvintes absorvam quando ouvem o disco? 

"Respirem", ele incentiva. "Depois saiam e ouçam os pássaros enquanto olham para o céu. Apreciem as coisas que vocês têm. Espero que o álbum transmita positividade e esperança. Não se trata de mim, então me excluam dessa equação. Agora, ele é de vocês."

Álbuns de Estúdio
Blak and Blu (2012)
The Story of Sonny Boy Slim (2015)
This Land (2019)
JPEG RAW (2024)

Álbuns Ao Vivo
Gary Clark Jr. Live (2014)
Live North America 2016 (2017)

@GaryClarkJr

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Orianthi

Orianthi 

' Kings of Chaos '

Orianthi — é uma verdadeira força da natureza na indústria musical. Como guitarrista de classe mundial, sua precisão técnica, seu estilo autêntico e ousado e sua presença de palco eletrizante fizeram dela um ícone do pop-rock moderno.

Sua carreira é uma verdadeira aula de como desafiar expectativas e romper barreiras. Desde seu papel histórico como a guitarrista solo escolhida por Michael Jackson para a lendária turnê "This Is It" até ser imortalizada para toda uma geração no jogo de game "Guitar Hero", ela tem atuado consistentemente no mais alto nível de desempenho. Fãs de todo o mundo acompanham de perto sua extensa discografia, sempre aguardando seu próximo álbum e celebrando suas colaborações icônicas com gigantes do rock, como Alice Cooper e Carlos Santana.

A verdadeira arte transcende o meio em que se manifesta. A mesma energia emocional visceral, o "timing" impecável e o domínio técnico absoluto que definem um solo de Orianthi Panagaris são os princípios fundamentais da arquitetura musical da artista. Visualmente e tecnicamente inspiradora pela determinação incansável de tocar guitarra, Orianthi sai do artificial para capturar autênticidade nos palcos e no estúdio.

Colaboração no mundo do Rock

O Supergrupo de Orianthi 'Kings of Chaos'.

"Um supergrupo é a expressão máxima da maestria coletiva" 

Para Orianthi Penny Panagaris, unir forças com o Kings of Chaos representa o auge de sua trajetória profissional. Quando lendas do Guns N’ Roses, Cheap Trick e ZZ Top se reúnem, o resultado é mais do que um show; é um evento histórico. Na Orianthi, acompanhamos esses marcos porque eles definem o que chamamos de "Engenharia Coletiva" — a arte de reunir talentos de elite para criar um legado visual e sonoro que resiste ao teste do tempo.

A Kings of Chaos e Orianthi estão em ensaios intensos para novas turnês e preparando meticulosamente um novo álbum de estúdio da artista. Para um supergrupo dessa magnitude, cada apresentação em locais como o Long Beach Grand Prix é um motivo de grande repercussão. A responsabilidade de participar de um Supergrupo torna disputada uma apresentação, principalmente ao lado de Orianthi. É a sinergia. Ver a energia elétrica e moderna de Orianthi ao lado de ícones como Matt Sorum ou Robin Zander cria um contraste único. Essa diversidade de talentos é exatamente o que mais chama a atenção. Quer o Kings of Chaos esteja realizando uma sessão de estúdio ou se preparando para a próxima etapa da turnê, a importância desse registro histórico é fantástico.

Orianthi é de ascendência grega e nasceu no ano de 1985 na cidade de Adelaide, na Austrália. Aprendeu a tocar violão aos seis anos de idade, devido ao fato de o seu pai, guitarrista de profissão, deixar muitas guitarras espalhadas pela casa. Aos onze anos, depois de assistir a um concerto de Carlos Santana começou a tocar guitarra elétrica. Deixou a escola aos 15 anos para se concentrar na sua carreira musical. Tocou em várias bandas de amigos desde os 14 anos, na Inglaterra e na França. 

Sua primeira apresentação solo foi com apoio do virtuoso guitarrista Steve Vai, com apenas 15 anos. Aos 18 anos, Orianthi teve a oportunidade de conhecer Carlos Santana e tocar com ele, tendo sido convidada para fazer uma jam durante o "soundcheck" do seu concerto em Adelaide, a que posteriormente foi convidada para se juntar a Carlos Santana no palco naquela mesma noite. Seu primeiro contrato assinado foi com a gravadora Geffen Records no final do ano de 2006.

Orianthi já tocou com Prince, fez um vídeo para a Panasonic HD, gravou uma música para o filme Bratz: The Movie, participou do evento Crossroads Guitar Festival de Eric Clapton, apareceu na secção de negócios do The New York Times a promover as guitarras acústicas eco-friendly e foi nomeada uma das 12 maiores guitarristas de sempre. Também apareceu no 51º Grammy Awards como guitarrista principal de Carrie Underwood, tendo sido convidada pela mesma para se tornar guitarrista efetiva de sua banda. Um solo de guitarra feito por Orianthi aparece em destaque na canção "Sleepwalker" de Adam Lambert no seu álbum de estreia For Your Entertainment. Orianthi foi a guitarrista de Michael Jackson para a sua série de concertos de retorno,"This Is It". Ela esteve presente em todos os ensaios até antes da morte do ídolo pop.

Somando-se ao seu campo musical eclético e perspicaz, fez parcerias também com guitarristas importantes do blues contemporâneo como Joe Bonamassa e Christone 'Kingfish' Ingram.

Escravidão: "Empregados" domésticos

Viola Davis no filme: Histórias Cruzadas.

Os ricos de condomínio e seus ‘escravos’

Mais do que um passado vergonhoso, a escravidão é parte inegável do presente.

O Brasil é o país com mais empregados domésticos do mundo. De acordo com a Organização Internacional do Trabalho (OIT), são 5,9 milhões de pessoas, uma massa de trabalhadores formada por 91% de mulheres.

Isso é resultado da desigualdade do país, é fato. O de cima sobe/o de baixo desce, cantava o amigo Chico Science. E, claro, somos os donos desse recorde triste por causa da nossa herança escravocrata. Em alguns países, a escravidão faz parte de um passado vergonhoso. No Brasil, é parte inegável do nosso presente.

Na semana passada, tivemos mais uma prova dessa realidade amarga e inaceitável, quando foi divulgado que uma mulher de 62 anos havia sido resgatada de um imóvel num condomínio de luxo, na região de Fortaleza, o Terras Alphaville – Residencial 2, no bairro Cidade Alpha. A vítima servia à mesma família desde os sete anos de idade sem salário mensal, o que configura trabalho em condições análogas à escravidão.

Bem, se uma mulher foi escravizada por mais de 50 anos no meio de um condomínio de luxo, isso significa que toda a família sabia do que se passava, assim como agregados e amigos. Será que os outros vizinhos ricos ignoravam o caso?

As histórias de escravidão doméstica moderna lembram as dos abusos sexuais perpetrados por poderosos por anos impunemente, como Saul e Samuel Klein, das Casas Bahia. É necessária uma rede gigante de pessoas que se calam para que esse tipo de crime ocorra por tanto tempo. Isso mostra o quanto a escravidão é naturalizada e banalizada no Brasil.

Essas mulheres, muitas vezes, são tratadas como parte da estrutura familiar, mas não como “alguém da família”, como diz o clichê. Na verdade, são como propriedades e bens mesmo, igualzinho nos tempos da escravidão que vigorou no país até o século 19. Elas são da família tão quanto uma cristaleira antiga herdada de uma avó.

A mulher de Fortaleza não é um episódio isolado. De vez em quando, um crime parecido vem à tona.

O caso Jorge Luiz de Borba
Em 2023, Sônia Maria de Jesus foi resgatada da casa do desembargador do Tribunal de Justiça de Santa Catarina Jorge Luiz de Borba. No ano passado, sua esposa, Ana Cristina Gayotto de Borba, teve seu nome incluído na lista suja do trabalho escravo do governo federal. Isso aconteceu depois que uma investigação concluiu que Ana Cristina manteve Sônia Maria em regime de trabalho escravo doméstico por quase 40 anos na residência da família Borba, em Florianópolis.

O caso de Sônia é emblemático. Ela voltou para a casa da família Borba por vontade própria, depois de três meses do seu resgate, o que é perfeitamente entendível, já que essa era a única vida que ela conhecia. A família Borba afirma que ela sempre foi tratada como “filha”. E o desembargador nunca perdeu o seu emprego. Revoltante.

O caso Isis Valverde
Alguns exemplos de exploração doméstica moderna não são tão iguais ao do escravagista clássico, mas não deixam de ser escancaradamente escravocratas.

Recentemente, um caso envolvendo a atriz Isis Valverde causou revolta nacional. A atriz é acusada de explorar uma empregada doméstica, que a processou. A funcionária afirma que cumpria jornadas de aproximadamente 12 horas por dia, geralmente das 8h30 às 20h ou 20h30, e que tinha apenas cerca de 20 minutos para o almoço (!). Ela entrou na Justiça pedindo o pagamento de horas extras, diferenças de Fundo de Garantia do Tempo de Serviço (FGTS), multa rescisória e indenização por danos morais. O valor pedido por ela era de R$ 385.233,56. Em junho, as duas partes chegaram a um acordo de R$ 30 mil.

O valor baixo causou espanto, assim como a forma encontrada pela atriz para pagar o acordo. Isis é uma pessoa muito bem sucedida, casada com um empresário rico, mas decidiu pagar o acordo em seis parcelas mensais de R$ 5 mil. Um escárnio. A atriz nega as acusações e o seu advogado já ameaçou quem a acusasse com processo, usando uma tática de silenciamento.

Se, realmente, Isis explorou a funcionária desse jeito, ela está muito longe de ser a única. Nos prédios e condomínios de luxo, explorar trabalhadoras domésticas e tratá-las de forma escravocrata é comum.

As babás vestidas de branco, que lotam praças de bairros de bacanas e espaços de convivência dos condomínios de luxo são mais uma prova desse presente escravocrata. E, não, não é normal. Só acontece em países onde a herança da escravidão faz parte do presente.

Enquanto isso, os escravocratas modernos, sejam eles criminosos que vão parar na lista suja do trabalho escravo do país ou apenas ricos descolados que não percebem (como pode?) que é indecente submeter funcionárias a salários baixos e humilhações, não sentem vergonha nenhuma. Está na hora de passarem a ter.

Matéria:

@Revista Liberta
11 jul - 2026

Nina Lemos: é jornalista, escritora e mora em Berlin. É uma das criadoras do trio 02 Neurônio, com quem lançou cinco livros. Foi repórter especial da revista Tpm e colunista da Folha de S. Paulo, do UOL e da DW Brasil.