Esperanza Spalding

Esperanza Spalding

Spalding conduzindo a banda com seu baixo fretless.

Esperanza Spalding (nascida em 18 de outubro de 1984, Portland, EUA) é uma baixista, cantora e compositora americana cujo talento precoce e espírito aventureiro musical lhe trouxeram considerável sucesso dentro e fora do mundo do jazz.

Spalding cresceu em um lar multilingue e multiétnico sua mãe solteira tinha ascendência galesa, hispânica e indígena americana, e seu pai era afro-americano. Inspirada pelo violoncelista Yo-Yo Ma, a quem viu se apresentar no programa infantil de televisão "Mister Rogers' Neighborhood", ela aprendeu sozinha a tocar violino ainda criança. Aos cinco anos, já havia conquistado uma vaga na orquestra comunitária local, a Chamber Music Society of Oregon. 

Spalding se apresentou com o grupo pelos próximos 10 anos, aprendendo também a tocar contrabaixo, que logo se tornou seu instrumento favorito, e explorando outros estilos musicais, incluindo blues, hip-hop e funk.

No baixo acústico.

Depois de abandonar o ensino médio aos 16 anos, obteve o diploma de equivalência ao ensino médio (GED) e frequentou a Portland State University antes de se transferir para o Berklee College of Music em Boston. Lá, ela se formou em música em 2005 e, posteriormente, aos 20 anos, tornou-se a professora mais jovem da instituição. Naquele mesmo ano, ela ganhou uma bolsa de estudos da Boston Jazz Society por seu excelente talento musical.

O primeiro álbum de Spalding, Junjo (2006), exibiu tanto seu talento instrumental quanto vocal. Esperanza, lançado em 2008, demonstrou sua capacidade de fundir jazz com música do mundo todo, como a música folclórica brasileira e argentina, e apresentou letras em inglês, espanhol e português. O disco não só foi aclamado pela crítica, como também alcançou o topo da parada de álbuns de jazz da Billboard, onde permaneceu por mais de 70 semanas. 

Esse sucesso lhe trouxe maior visibilidade, e ela participou de diversos programas de entrevistas na televisão. Spalding tocou para o presidente dos EUA, Barack Obama, três vezes em 2009: duas vezes na Casa Branca e uma vez na cerimônia do Prêmio Nobel da Paz daquele ano, em Oslo. 

Enquanto isso, ela fazia turnês regularmente com sua própria banda e também se apresentava com músicos de jazz como o saxofonista Joe Lovano e os pianistas McCoy Tyner e Herbie Hancock, além de estrelas pop como Prince e Stevie Wonder.

Em 2010, a Spalding lançouEm 2011, Spalding lançou o álbum "Chamber Music Society", no qual combinou elementos de jazz, folk e world music com tradições da música de câmara clássica. O álbum contou com a participação especial do renomado cantor e guitarrista brasileiro Milton Nascimento. 

No início do ano seguinte, Spalding foi homenageada com o Grammy de Melhor Artista Revelação. (O prêmio foi uma grande surpresa; entre os outros indicados estava o ídolo teen Justin Bieber .) Ela foi a primeira artista de jazz a ganhar esse prêmio. Ainda em 2011, Spalding se apresentou no Festival de Jazz de Montreux, na Suíça, bem como nos tradicionais festivais de jazz de Montreal e Newport, Rhode Island. Ela também cantou na cerimônia do Oscar de 2012 .

Para o seu quarto álbum, In Radio Music Society (2012), Spalding seguiu uma direção mais pop. O álbum, que misturava canções de amor (incluindo um cover de Michael Jackson ) com material de cunho social, estreou no top 10 da parada de álbuns da Billboard e rendeu a Spalding um Grammy de melhor álbum vocal de jazz.

Milton e Esperanza ao piano.

Seus trabalhos posteriores incluem Emily's D+Evolution (2016), um álbum conceitual centrado em seu alter ego, e 12 Little Spells (2018), que ganhou outro Grammy de melhor álbum vocal de jazz. Em 2017, Spalding tornou-se professor de prática na Universidade de Harvard.

Seu último trabalho até o momento é o álbum com Milton Nascimento. 

O fascínio de Esperanza Spalding sobre a obra de Milton Nascimento não é de agora. Desde que a cantora, compositora e baixista norte-americana teve contato com o trabalho do músico por conta da parceria com o conterrâneo Wayne Shorter, em Native Dancer (1975), Spalding sempre buscou diferentes maneiras de incorporar as criações do artista de alma mineira, como em 2008, quando deu vida ao segundo álbum de estúdio da carreira, Esperanza, e passou a ter aulas de português para interpretar a canção Ponta de Areia.

Série Lugares Afro-Brasileiro: Museu da Abolição

Museu da Abolição 

(Recife - PE)

Museu da Abolição - Foto: Instituto Biapo.

Localizado no bairro da Madalena, área central da cidade do Recife/PE, o Museu da Abolição tem como missão institucional preservar, pesquisar, divulgar, valorizar e difundir a memória, os valores históricos, artísticos e culturais, o patrimônio material e imaterial dos afro-descendentes, por meio de estímulo à reflexão e ao pensamento crítico, sobretudo quanto ao tema abolição, contribuindo para o fortalecimento da identidade e cidadania do povo brasileiro.

O Sobrado Grande da Madalena, casarão tombado como patrimônio nacional em 1966, na cidade de Recife (PE), e que hoje abriga o Museu da Abolição – Centro de Referência da Cultura Afro-Brasileira (MAB), já foi a antiga residência do abolicionista João Alfredo Corrêa, primeiro-ministro de D. Pedro II, que assegurou a aprovação parlamentar da Lei Áurea (13 de maio de 1888) e teve participação decisiva em todo o processo de promulgação da Lei do Ventre Livre (28 de setembro de 1871), documento que, mais do que declarar livres filhos de mulheres escravas, ofereceu as condições que o Brasil necessitava para extinguir a escravidão.

Na segunda metade do século XIX, o casarão recebeu uma grande restauração que acabou por adaptá-lo ao estilo neoclássico vigente na época, com revestimento em azulejos, esquadrias com bandeiras, sacadas de ferro forjado e modificações arquitetônicas que garantiram sua configuração atual, voltando a ser conhecido como Sobrado Grande da Madalena, um prédio de destaque na paisagem, sobretudo por sua imponência e volumetria.

Durante a II Guerra Mundial, o Casarão da Madalena foi ocupado por uma unidade do Exército Brasileiro. Em seguida, foi utilizado como garagem e oficina para consertos de ônibus. Restou abandonado e em péssimo estado de conservação, passando a ser utilizado por famílias desabrigadas que ocuparam o imóvel como moradia.

Em 1961, o Museu da Abolição foi instalado no casarão e passou a ser mantido pelo 1º Distrito da Diretoria do Patrimônio Histórico e Artístico Nacional (DPHAN).

Situado em uma área privilegiada na cidade de Recife (PE), o edifício marca a valorização da região, despertando interesse cultural graças a seu acervo de peças museológicas, pesquisas bibliográficas, hemerográficas (catálogos e outras publicações), fotográficas ou documentais e às diversas exposições temporárias, responsáveis por atrair estudantes, intelectuais, líderes de movimentos culturais afrodescendentes e a população em geral.

Por ter sido a antiga residência de uma personalidade abolicionista, tornou-se espaço de reflexão, respeito, difusão e promoção da cultura afro-brasileira. Atualmente, a edificação encontra-se em estado regular de conservação. De modo geral, a estrutura da cobertura e o sistema elétrico estão mais comprometidos e necessitam de adaptações para atender às especificidades de funcionamento de um museu e garantir acessibilidade universal.

Endereço:

R. Benfica, 1150 - Madalena, Recife - PE

Educação e memória afro-brasileira

@afrofile

Rokia Traoré

Rokia Traoré

“É evidente que foi inspirado pela música rock”, diz a estrela internacional do Mali, Rokia Traoré, sobre seu novo álbum, Beautiful Africa. “Mas eu não queria fazer rock and roll na tradição ocidental… Eu queria algo que fosse rock and roll, mas que ainda fosse maliano e ainda me representasse”.

Carreira artística:

Uma das cantoras e compositoras africanas mais inventivas da atualidade, ela se destaca não apenas pela extensão de sua voz poderosa e emotiva, mas também pela enorme variedade de seu trabalho. 

Compositora de músicas completamente diferentes: o acústico Damou (Sonho), o frequentemente melancólico Donguili (Canto) e o com influência do rock Donke (Dança), nos quais ela se propôs a mostrar “três aspectos diferentes da cultura maliana e da minha própria personalidade”. 

Foram produzidos pelo prestigiado Barbican Theatre, no Reino Unido, e os três álbuns foram apresentados em diferentes locais de Londres em uma única semana — um feito que ela repetiu no Festival de Sydney, na Austrália. Ela fez uma turnê pela Grã-Bretanha no trem Africa Express, com apresentações em diversas cidades do país, incluindo colaborações com Damon Albarn, Paul McCartney e John Paul Jones, que se juntaram à sua banda de apoio para o show de encerramento em Londres. 

E ela também continuou atuando, com apresentações britânicas e europeias na aclamada adaptação teatral/musical de Toni Morrison e Peter Sellars da história shakespeariana de Desdêmona, para a qual ela compôs a música.

Beautiful África, álbum:

O álbum Beautiful Africa trás poderosas canções, e foi apresentado pela primeira vez em seu projeto Donke, relembrando aos ouvintes que foi o rock que inspirou a notável carreira de Traoré. “Eu gosto muito de rock”, disse ela, “e foi por causa do rock que eu quis tocar música”. Quando era criança, um irmão mais velho costumava tocar Dire Straits e Pink Floyd para ela. “Não era só o que eu ouvia — descobri o jazz e o blues com meu pai, e a música do Mali e de outros países africanos, e a chanson francesa, mas foi o rock que me fez querer aprender a tocar guitarra”.

n'goni, antigo alaúde africano.

Há três guitarristas no álbum, incluindo a própria Traoré, mas embora o disco seja construído em torno de riffs de rock e um trabalho de baixo sólido, ele ainda possui uma sonoridade distintamente da África Ocidental, graças às performances empolgantes de Mamah Diabaté no n'goni, o antigo alaúde africano de som áspero. É um instrumento que Traoré tem usado em composições ao longo de sua carreira, e ela argumenta: “Você pode usá-lo com tudo. Eu usei o n'goni em projetos de música clássica, e ele combina com blues, jazz ou rock and roll. É um instrumento fantástico!”

As mudanças na direção musical de Traoré geralmente começam com “um som que eu imagino… um som dentro da minha cabeça”. Ela não queria imitar o que outras pessoas tinham feito “porque eu preciso fazer o que imagino — essa é a razão pela qual faço música”. Mas ela precisava de alguém para ajudá-la a criar o som que imaginava e, por fim, decidiu por John Parish, o compositor, guitarrista e produtor que já trabalhou com Tracy Chapman, Eels e PJ Harvey.

“Escolhi trabalhar com o John”, diz ela, “porque quando ouvia PJ Harvey ou outros trabalhos dele, não era exatamente o que eu queria, mas conseguia imaginar o que o homem que criou esse som poderia fazer comigo se colaborássemos na minha música. Eu estava curiosa, mas não tinha certeza se conseguiria o que imaginava.” Durante as gravações, ela disse: “Ele simplesmente me pedia para ouvir as coisas e fazer minha escolha, e às vezes, quando eu não gostava ou não entendia algo, ele mudava.” E ela ficou feliz com o resultado? “É isso que eu queria fazer e estou feliz. É ainda melhor do que eu imaginava.”

Traoré, Parish e Stefano Pilia tocam guitarra no álbum, com Nicolai Munch-Hansen no baixo, percussão de Sebastian Rochford (Polar Bear), efeitos de "beatbox humano" de Jason Singh e música n'goni e vocais de apoio dos músicos malianos Fatim Kouyaté e Bintou Soumounou, ambos membros da Fundação Passerelle, que Traoré fundou em Bamako, capital do Mali, para ajudar seus compatriotas a se prepararem para carreiras na música e sustentar o crescimento da rica cultura musical do Mali. Traoré recebeu o prêmio inaugural Roskilde Festival World Music Award em 2009 por seu trabalho com a Fundação.

As canções são em bambara, idioma da África Ocidental, além de francês e ocasionais trechos em inglês, e as letras, muitas vezes pessoais, abordam os pensamentos de Traoré sobre sua própria vida e sobre sua terra natal, tragicamente devastada.

O Mali é um país que se tornou conhecido mundialmente por seus músicos extraordinários — de Traoré a Amadou & Mariam, Ali Farka Touré, Toumani Diabaté, Fatoumata Diawara, Tinariwen, Bassekou Kouyaté, Oumou Sangaré, Afel Bocoum, Salif Keita, entre outros — e já foi um grande destino turístico, famoso pelas cidades no deserto e pelo rio Níger, bem como pelo célebre Festival no Deserto. 

Mas, ao longo do último ano, o país mergulhou no caos político, com a deposição do presidente em um golpe militar na capital e grupos rebeldes assumindo o controle de grandes áreas do norte. Os rebeldes se fragmentaram em diferentes facções, com aqueles que inicialmente lutavam pela independência no norte sendo usurpados por grupos islâmicos extremistas, alguns ligados à Al-Qaeda, que passaram a proibir a música nas áreas controladas. Forças militares da França, do Mali e de outras nações africanas lutaram para repelir esses avanços.

A faixa-título do álbum, construída em torno do riff de rock mais robusto do disco, é essencialmente uma canção de amor à “África castigada e ferida”, refletindo o desespero e a fúria de Traoré diante do que aconteceu com seu país, ao mesmo tempo que comenta problemas em outras partes da África, da Costa do Marfim ao Congo. “O dilúvio das minhas lágrimas está em plena força, ardente é a minha dor”, ela canta, argumentando que “Conflito não é solução… Senhor, dá-nos sabedoria, dá-nos visão de futuro”.

Outras canções do álbum incluem a balada reflexiva “Sarama”, um hino às mulheres malianas, cantada em parte em inglês, e a pessoal “Mélancolie”, uma canção surpreendentemente animada sobre solidão e tristeza que já se tornou um sucesso nas rádios francesas. Traoré conta que se sentia sozinha na infância, em parte porque seu pai era diplomata e estava constantemente viajando, e em parte porque era a filha do meio em uma família de sete irmãos.

Outra canção, mais animada, “Sikey”, também é autobiográfica, relembrando as críticas que recebeu quando começou a trilhar seu caminho para se tornar uma musicista profissional, e sua determinação em persistir. Afinal, ela não era uma griô, de uma família de músicos tradicionais, mas sim filha de um diplomata. E embora não tivesse formação musical, abandonou os estudos em Bruxelas para retornar ao Mali e criar uma nova forma de música, na qual suas canções seriam acompanhadas por seu violão, juntamente com o n'goni e o balaba balafon, um instrumento semelhante a um xilofone, dois instrumentos que normalmente não são tocados juntos na África.

Jornada Musical:

Sua ascensão à fama aconteceu quando foi aclamada como a "Descoberta Africana" de 1997 pela Radio France Internationale, após se apresentar no Festival de Angoulême, na França. Desde então, ela continua a experimentar e explorar novas ideias. 

Em 2003, seu álbum Bowmboï incluiu uma colaboração com o Kronos Quartet e recebeu o prestigioso prêmio BBC Radio 3 World Music Award. Seu álbum de 2009, Tchamantché, refletiu seu novo fascínio pela guitarra elétrica Gretsch e ganhou um Victoires de la Musique, o equivalente francês ao Grammy, bem como o prêmio Songlines de Artista do Ano por Traoré.

Ela colaborou duas vezes com o diretor visionário Peter Sellars, que em 2006 a convidou para escrever e interpretar uma obra para o seu projeto New Crowned Hope, em comemoração ao 250º aniversário do nascimento de Mozart. Traoré respondeu imaginando Mozart como um griô na época do governante africano do século XIII, Soundiata Keita, cujo império se concentrava no que hoje é o Mali.

Recentemente, ela também colaborou com a romancista ganhadora do Prêmio Nobel, Toni Morrison, e com Sellars na peça teatral Desdemona, trazendo uma dimensão africana para a história da heroína trágica de Shakespeare. A peça estreou em Viena no verão de 2011 e teve sua estreia em Nova York no Lincoln Center naquele outono; sua estreia no Reino Unido ocorreu no Barbican, em Londres, no verão de 2012. O jornal The Guardian a descreveu como “uma obra nova, notável, desafiadora e corajosamente original”.

Foi a experiência de atuar em Desdêmona, diz ela, que a levou a criar o projeto Damou (Sonho), apresentado em Londres no ano passado, no qual demonstrou suas habilidades como contadora de histórias, bem como cantora, com sua versão de contos da Epopeia de Soundiata, que abordam os eventos que levaram ao nascimento do lendário governante da África. Essas são histórias que tradicionalmente seriam contadas pelos griôs do Mali — aliás, Traoré afirmou que só conseguiu criar o espetáculo porque vem aprendendo com uma das melhores griôs do Mali, a cantora Bako Dagnon.

Rokia Traoré é de fato uma artista notável, e é difícil imaginar alguém que consiga transitar com tanta facilidade da antiga cultura do Mali para a atuação e, em seguida, para o rock and roll africano. Ela fará uma turnê pela Europa em maio, apresentando-se em Desdemona, em Amsterdã, e em Nápoles, em junho, retornando à Europa no final de junho para o que promete ser uma apresentação memorável das novas canções de Beautiful Africa durante uma série de festivais de verão, incluindo Glastonbury e Roskilde.

Shuggie Otis

Shuggie Otis

'Herdeiro de Hendrix'

"Eu poderia ter sido milionário, mas isso não estava nos meus planos"

O sobrevivente do R&B lançou três álbuns aclamados antes de completar 21 anos e recusou convites de David Bowie e Stevie Wonder. Depois, desapareceu. 

Quarenta anos de vícios e trabalhos braçais depois, ele está de volta com um novo disco.

"Ouvi dizer que algumas pessoas comentaram que eu morri. Elas logo descobrirão que não morri", diz Shuggie Otis, fazendo parecer menos uma promessa e mais uma ameaça. Otis – filho do pioneiro do rhythm and blues Johnny Otis – é o mais próximo que se pode chegar de uma lenda viva. 

Um virtuoso do baixo e da guitarra que gravou seu primeiro álbum com o renomado músico de estúdio Al Kooper. Participou em Hot Rats, de Frank Zappa , ambos em 1969, quando tinha apenas 15 anos, ele era considerado o herdeiro de Jimi Hendrix. 

Como um polímata multi-instrumentista que transitava entre gêneros e experimentava com baterias eletrônicas, ele era contemporâneo de Sly Stone e Stevie Wonder e um precursor de Prince. Ele era o músico mais requisitado do rock, recusando ofertas para se juntar aos Rolling Stones, David Bowie e Blood, Sweat & Tears, e um convite para colaborar com Quincy Jones.

Ele foi obstinado o suficiente para trilhar seu próprio caminho, e valeu a pena: três álbuns de baladas barrocas, funk paisley, blues celestial e pop protoeletrônico se seguiram. Seu álbum de estreia homônimo, de 1970, precedeu Freedom Flight, de 1971, que incluía a arrebatadora Strawberry Letter 23 , uma canção que, segundo ele, “me manteve vivo todos esses anos”: foi um sucesso em 1977 na voz dos Brothers Johnson, usada por Quentin Tarantino na trilha sonora de Jackie Brown e sampleada em 2003 por Beyoncé. 

O terceiro álbum e considerado por muitos como o melhor foi Inspiration Information, de 1974, uma obra-prima autoproduzida e hoje aclamada como um clássico perdido. Esse é um álbum muito à frente do seu tempo, são muitas nuances, múltiplas sonoridades e que hoje ouvindo parece ter sido feito ontem.

Entre meados dos anos 70 e o início deste século, Otis – uma espécie de Peter Green (do Fleetwood Mac), Syd Barrett (do Pink Floyd) ou Brian Wilson do R&B – desapareceu de vez, fazendo com que seu velho amigo Arthur Lee, do Love, parecesse um amador no quesito gênio recluso.

Ele fala muito sobre o controle ser uma prioridade, daí a decisão de rejeitar as propostas dos Rolling Stones e outros. “Eu não queria ser um músico de apoio, explica ele. “Eu queria fazer minha própria música. Eu poderia ter me tornado milionário da noite para o dia, algumas vezes, provavelmente, mas isso não me passava pela cabeça”.

Otis tem poucos arrependimentos e guarda pouco ressentimento em relação às muitas gravadoras que rejeitaram suas propostas desde meados dos anos 70 até agora (ele finalmente fechou um contrato com a Cleopatra Records), apesar de ter material tão bom quanto o de Prince, e ainda assim ter que encontrar outras formas de ganhar a vida.

“Cansei de ser rejeitado, então arrumei outros empregos”, diz ele. A revista Rolling Stone anunciou que ele havia se aposentado da indústria fonográfica, uma afirmação que ele gostaria de esclarecer. “Isso é um equívoco – eu nunca quis ficar sem uma gravadora. Mas não consegui uma”. “Nunca me magoou”, diz ele, e então reconsidera. “Me deixou um pouco amargurado, embora nunca tenha me deixado realmente bravo ou me feito chorar”.

Ele ganhava a vida fazendo "trabalhos braçais", incluindo "entregar jornais". Não que ele tenha vergonha. Aliás, ele admite que gostava de ficar fora dos holofotes, longe da pressão de ser Shuggie Otis, o antigo prodígio adolescente que nunca conseguiu capitalizar toda a aclamação, aquele cujos elogios foram cantados por todos, de Zappa a BB King e Ray Charles.

Talvez ele não tivesse o temperamento certo para o sucesso. Ele fala sobre ter sofrido de depressão já em 1972 e me diz que continua a "sofrer" até hoje. A palavra "sofrer" surge novamente quando discutimos seu talento para a música.

"Às vezes chamo isso de dom, e fico muito emocionado com isso e não sei o que fazer – se devo pegar a guitarra ou o baixo, ou apenas pensar nisso e não fazer nada", diz ele. "Isso se torna um sofrimento."

“Bebi durante 30 anos seguidos”, diz ele. “Tomava álcool no café da manhã. Quando não estava trabalhando, ficava em casa bebendo”. Sóbrio há seis anos, ele “não tem intenção de voltar a beber”. Houve também uma fase de drogas. "Ah, eu experimentei de tudo quando era criança", diz ele.

Ele ainda fuma maconha – tem receita médica – e conta uma história sobre ter sido preso por dirigir embriagado, embora não fique claro se foi por dirigir sob a influência de álcool ou de narcóticos. De qualquer forma, a história culmina com ele tentando estacionar o carro e batendo no de trás, resultando em sua prisão por uma noite.

“Eu estava de calça de pijama e camiseta, sem meias, e me colocaram numa cela com o ar-condicionado ligado por 21 horas – por nada!”, conta ele com bom humor. “Foi uma besteira sem tamanho”.

Há uma confissão adicional de que ele é propenso a visões de pessoas mortas; se sofre de alguma coisa, é de uma imaginação hiperativa. As faixas XL-30 e Pling!, de duas décadas antes, surgiram, respectivamente, da “ideia de uma viagem fantástica... uma pequena nave espacial viajando pelo espaço” e de “um estado de espírito que me invadiu”. 

Ele diz que escreve roteiros para filmes – “algo no estilo Looney Tunes, alguns malucos, alguns dramas sérios relacionados a fatos históricos, na maioria das vezes meio bobos, com uma reviravolta. Gosto de humor negro e ficção científica” – mas, acima de tudo, ele ama fazer música.

Sua fala arrastada, consequência da medicação para um problema de saúde crônico, no geral, porém, Otis, de 62 anos, está empolgado com o lançamento de um novo álbum. Foi o seu primeiro em 43 anos – com exceção de Wings of Love, um LP de pop-soul brilhante, em sua maioria fantástico e inédito, gravado entre 1975 e 1990, que acompanhou o relançamento de Inspiration Information em 2013.

Há uma prévia, "Ice Cream Party" , no SoundCloud, que mostra Otis um tanto ligado ao blues, mas ele garante aos fãs de seu funk mais experimental e de suas experimentações de ficção científica que o álbum é menos convencional.

“Será mais parecido com o material de Wings of Love, ou até mesmo Freedom Flight”, ele provoca. O título deste último álbum, acrescenta, ainda é indicativo de sua abordagem no estúdio, onde prefere assumir o controle e fazer tudo sozinho.

“Estou sempre escrevendo, até mesmo caminhando na rua. Tem sido uma montanha-russa emocional, mas graças a Deus ainda tenho a inspiração para fazer música. Porque, se isso me faltar, eu poderia muito bem não estar mais aqui”.

DiScOs InCrÍvEiS: Robert Cray & Hi Rhythm

Robert Cray e Hi Rhythm

Robert Cray se junta ao Hi Rhythm de Memphis para um álbum de supergrupo sem pretensões e com muita alma.

É fácil subestimar um músico como Robert Cray. Claro, quanto mais eu pensava nisso, mais percebia que era verdade. Tendências vêm e vão, as vendas de música disparam e caem, mas Cray vem produzindo música soul/R&B de qualidade consistentemente desde que chamou nossa atenção em meados dos anos 80. 

O maior intervalo de tempo que seus fãs já tiveram que esperar por um novo lançamento foi de dois anos, o que é bastante consistente para um cara na casa dos 60. Sua voz ainda não mostra nenhum sinal de desgaste e as músicas que ele escolhe compor e gravar nunca geram nenhum fracasso indesejado. Quando alguém comanda um barco com tanta maestria por tanto tempo, é realmente muito fácil não dar o devido valor a essa pessoa.

O mesmo pode ser dito dos músicos de estúdio de Memphis. Se o rock 'n' roll não nasceu estritamente em Memphis, certamente passou por um período de grande formação entre os veteranos da Beale Street. Aqueles grooves, aquelas batidas e aqueles sons encorpados de metais eram, em certa época, ousados ​​o suficiente para deixar os pais de adolescentes nervosos. Obviamente, os tempos mudaram. O som característico de uma boa banda de apoio de Memphis se tornou mais um elemento da música americana que podemos facilmente considerar como garantido. 

Apesar das mudanças culturais, os membros do Hi Rhythm continuam sendo um grupo confiável de mestres da batida, capazes de criar um groove poderoso num instante. Abandonando o nome usual da Robert Cray Band, o lendário guitarrista se uniu aos lendários músicos de estúdio para criar o álbum de título genérico Robert Cray & Hi Rhythm. Afinal, álbuns melhores já sofreram com nomes piores.

O baterista Steve Jordan, que anteriormente produziu o excelente álbum de Cray de 1999, Take Your Shoes Off, comanda as sessões de gravação de Hi Rhythm. Leroy Hodges grava o baixo, e Archie Turner se reveza com Charles Hodges no órgão Wurlitzer e no Fender Rhodes. 

Linhas de trompete, trombone e saxofone são adicionadas à mixagem quando apropriado. Some a isso a voz comovente de Cray e o timbre de guitarra natural, e você terá uma ótima dose de conforto musical. Toque para alguém que não entende muito do assunto, e pode até passar por um disco do Al Green. 

Como em todos os álbuns anteriores de Robert Cray, os créditos de composição parecem uma porta giratória. O próprio Cray escreveu apenas três músicas aqui, uma delas sendo a balada de ritmo moderado contra Donald Trump, “Just How Low” — “Se você quer construir um muro / Construa-o ao seu redor”. Suas outras duas composições originais, “The Way We Are” e “You Had My Heart”, são sutis e criam um abiente delicioso. A composição de Sir Mac Rice e Judd Phillips, “Honey Bad”, com Robert Cray cantando sobre uma mulher que não sabe cozinhar, não muito interessante, mas compensa isso em outras áreas.

O restante do álbum vai ficando cada vez mais maravilhoso. "Don't Steal My Love" vibra com um som de Stratocaster típico do Verão do Amor, e "I'm With You" elevando um doo-wop à moda antiga inclusive com os backings vocals. As três primeiras faixas, "The Same Love That Made Me Laugh", de Bill Withers, "You Must Believe in Yourself", de Charles Jerue, e "I Don't Care", de Sir Mack Rice, são faixas perfeitas de soul urbano que emocionam. Depois delas, "Aspen, Colorado", de Tony Joe White, possa passar despercebida, embora não passe. É uma balada sobre "Onde um jovem pode encontrar seu lugar?", composta por Tony Joe White, que usa com naturalidade letras que retratam o cotidiano, como "Recebi uma carta da minha mãe".

Quando fãs e críticos analisarem a carreira de Robert Cray em um futuro próximo, a qualidade consistentemente alta de seu trabalho pode fazer com que sua colaboração com o Hi Rhythm seja mais reconhecido. Mas esse é o risco que se corre quando se é uma força musical que foi subestimado por tanto tempo. 

O que é melhor, Some Rainy Morning ou Sweet Potato Pie? Time Will Tell ou Twenty?

Se suas respostas para essas perguntas forem algo como "Sei lá, cara, todos são bons!", então você não tem nada a perder com Robert Cray & Hi Rhythm.