DiScOs InCrÍvEiS: Muddy Waters

Willie Dixon: baixo acústico, Buddy Guy: violão e Muddy Waters: voz e violão.

Muddy Waters

"Folk Singer"

' Um íntimo álbum de blues gravado em 1964 '

Esse é o clássico álbum acústico de um artista de blues famoso por seu trabalho com guitarra elétrica. Em 1964, a Chess, gravadora de Waters, estava preocupada com o boom do folk e como isso poderia impactar as vendas de discos. Então, eles fizeram com que Waters gravasse um álbum de blues acústico, dando-lhe um nome enganoso, talvez para ludibriar compradores de discos desatentos.

Waters, originário do Condado de Issaquena, Mississippi, liderou a eletrificação do blues em Chicago, que definiu o tom (e o padrão) para o rock e o blues durante o meio século seguinte. A breve história do blues começa no sul rural dos Estados Unidos, com artistas usando a voz e algum tipo de instrumento de corda. A partir da década de 1940, alguns desses músicos eventualmente se dirigiram para o norte, para Chicago, onde continuaram a tocar, mas precisavam de instrumentos elétricos para serem ouvidos em meio ao barulho da multidão.

O álbum é uma prova da perspicácia contínua da indústria fonográfica. No mesmo mês em que Folk Singer foi lançado, os Rolling Stones lançaram seu álbum de estreia. Não só o nome da banda é uma referência a uma canção de Waters, como esse álbum de estreia incluía a música "I Just Want to Make Love to You", também de Waters. Assim, enquanto a Invasão Britânica estava prestes a explodir o rock e o pop, impulsionada por artistas de blues elétrico como Waters, Leonard e Phil Chess, donos da Chess Records, estavam preocupados com o folk. Basta dizer que, em retrospectiva, eles perderam uma grande oportunidade e interpretaram mal o futuro da música (embora imagine os últimos 50 anos do pop se Joan Baez estivesse no comando, como os irmãos Chess previram).

O álbum Folk Singer contava não apenas com o próprio Waters, mas também com Willie Dixon no contrabaixo e Buddy Guy na guitarra. Dixon era uma lenda do blues, autor de inúmeras canções famosas, incluindo a já mencionada "I Just Want to Make Love to You". Ele também tocou com todos os grandes nomes do blues. Dixon não era apenas a alma do blues, ele era o seu coração pulsante. A lenda do blues, Guy, tinha apenas 28 anos, sendo praticamente um desconhecido na época. Era uma banda incrível.

Por melhor que a banda fosse, o álbum resiste ao teste do tempo devido à forma como Waters e Dixon abordaram o conceito do álbum. Dixon nasceu em Vicksburg, Mississippi, e, assim como Waters, cresceu tocando blues acústico. Grande parte dessa música do Delta nunca foi gravada e as gravações existentes eram de qualidade precária. Alan Lomax, que registrou muitas dessas apresentações para a Biblioteca do Congresso — incluindo um jovem Waters — trabalhava em campo usando os equipamentos da época, que, infelizmente, não eram dos melhores.

Assim, Waters e Dixon recriaram esse tipo de som country blues, usando técnicas de gravação contemporâneas e adicionando bateria (a bateria sublime de Clifton James, para ser exato). O resultado uniu brilhantemente o blues do Delta e o blues elétrico de Chicago, criando algo atemporal que permanece relevante até hoje.

Waters demonstra suas intenções com a primeira faixa, "My Home Is in the Delta", uma composição original. Um solo de slide guitar solitário inicia a música, com um riff que lembra Robert Johnson, antes da entrada da bateria de James e do baixo de Dixon. A voz de Waters logo surge, soando divina. Sua voz é profunda como um cânion e é possível ouvir cada sutileza de suas cordas vocais. Ele canta com calma, o oposto de muitas canções do Delta, que frequentemente pareciam ter um quê de mania. O slide guitar de Guy é melódico, mas com uma crueza country. Em conjunto, isso resume por que o álbum é atemporal. Waters e Dixon reinventam a música de sua juventude para os tempos modernos, numa fusão perfeita do antigo e do novo.

Mas o álbum não é apenas o que havia de mais moderno no início dos anos 60; ele poderia ser lançado hoje e continuaria atual. "Good Morning Little School Girl", um clássico do blues gravado por artistas como John Lee Hooker, Chuck Berry e Grateful Dead, soa nítido e sofisticado aqui. A bateria e a guitarra se encaixam perfeitamente, criando um groove singular, enquanto a voz imponente de Waters canta suavemente sobre tudo. O andamento é perfeito, oscilando entre um galope e um ritmo lento, e não há uma nota extra sequer. Está anos à frente de grande parte da música do início dos anos 60, que ou parecia superproduzida ou espartana demais.

O crítico da Rolling Stone, JD Considine, chamou a reedição de Folk Singer de "maravilhosamente íntima" em 1994. Íntimo é a palavra perfeita para descrever o álbum. Você consegue ouvir todos os instrumentos perfeitamente, como se estivesse na sala com a banda. Você consegue ouvir a voz de Waters claramente, porque ele não precisa se esforçar para ser ouvido em meio aos instrumentos elétricos. De certa forma, Folk Singer é o antídoto perfeito para os desafios que inicialmente levaram artistas como Waters a usar amplificadores. Eles precisavam ser ouvidos, e gravar dessa maneira permitiu que Waters fosse ouvido sem a necessidade de amplificação.

A grande questão sobre Folk Singer é se é um álbum perfeito ou se é a lente através da qual a perfeição do blues é vista. Todo álbum de blues acústico é, em certa medida, julgado em comparação com Folk Singer. Ele definiu o gênero imediatamente, mesmo que não o tenha inventado. A maioria das pessoas que talvez não conheçam o blues provavelmente pensa no som de Folk Singer — a bateria relaxada, o slide guitar acústico, o baixo pulsante — como a essência do blues. Mas a perfeição também vem das performances. Waters, Guy e Dixon formam um time de estrelas, assim como Otis Spann, que toca piano e gaita em algumas faixas. Assim como O Poderoso Chefão é o padrão pelo qual todas as histórias da máfia são julgadas, Folk Singer se destaca igualmente para o blues, do conceito à execução.

Folk Singer não é o típico trabalho de Muddy Waters, mas ainda assim é um álbum importante. Enquanto os adolescentes britânicos se empolgavam com a música elétrica de Waters, Folk Singer os levava de volta ao blues do Delta. Claro, nem todos precisavam de indicações (o adolescente Eric Clapton já era um fã fervoroso de Robert Johnson), mas Folk Singer serviu como uma ótima transição para um passado não tão distante. Ainda bem que os irmãos Chess tinham tão pouco conhecimento de cultura popular.

1. "My Home Is in the Delta" - Waters 3:58

2. "Long Distance" - Waters 3:30

3. "My Captain" - Willie Dixon 5:10

4. "Good Morning Little Schoolgirl" - Sonny Boy Williamson 3:12

5. "You Gonna Need My Help" - Waters 3:09

6. "Cold Weather Blues" - Waters 4:40

7. "Big Leg Woman" - John Temple 3:25

8. "Country Boy" - Waters 3:26

9. "Feel Like Going Home" - Waters 3:52

Son Sims: A descoberta de sua lápide.

Henry "Son" Simms e McKinley "Muddy Waters" Morganfield em Stovall, Mississippi, em 1941.

Son Sims

A descoberta da lápide de uma lenda do blues.

Henry “Son” Simms — o violinista e guitarrista de blues do Delta que gravou com o eminente Charley Patton em 1930 e McKinley “Muddy Waters” Morganfield no início da década de 1940. 

Sims nasceu em Anguilla, Mississippi, e aprendeu a tocar violino com seu avô, que era um escravizado. Sims tornou-se o líder do Mississippi Corn Shuckers, um conjunto de cordas com base rural, e tocou com eles por vários anos. Em 1929, foi para os estúdios da Paramount em Grafton, Wisconsin, com Charlie Patton, onde gravou quatro faixas em seu próprio nome e acompanhou Patton em várias músicas, como "Running Wild Blues" e "Elder Greene Blues". Ele acompanhou Patton novamente em 1930 para a Paramount. 

Em 28 de agosto de 1941, Sims acompanhou Muddy Waters em uma sessão de gravação sob a direção de Alan Lomax, como parte de suas gravações para a Biblioteca do Congresso. Na década de 1940, Sims também acompanhou Robert Nighthawk em várias apresentações conjuntas e continuou sua carreira solo até a década de 1950.

Sims era dado como enterrado em uma sepultura sem identificação no Cemitério da Igreja Batista de Bell Grove, em Clarksdale, Mississippi. De acordo com Gayle Dean Wardlow, que entrevistou antigos colegas e parentes do violinista de blues, Simms sofreu de “problemas agudos de bexiga” no final da década de 1950 e passou por “três cirurgias”, da última das quais não sobreviveu. 

O veterano da Primeira Guerra Mundial de Anguilla e violinista de blues do Delta morreu no Hospital de Veteranos de Memphis em 23 de dezembro de 1958. Sua certidão de óbito revela que a funerária RS Lewis & Sons, de Memphis, preparou o corpo de Simms para o transporte, para que sua esposa, Lizzie Simms, com quem era casado há mais de uma década, pudesse remover seu corpo para o sepultamento em Clarksdale. O documento não lista o “nome do cemitério ou crematório”, mas descobertas recentes revelam que, na verdade, não era o Cemitério da Igreja Batista de Bell Grove.

Pedido de registro para lápide militar.

Skip Henderson, presidente do conselho e fundador do Mount Zion Memorial Fund (MZMF), uma organização sem fins lucrativos dedicada à preservação de cemitérios afro-americanos no Mississippi desde 1989, sugeriu a ideia de erguer um monumento para o violinista há mais de uma década. No entanto, foi somente recentemente que o grupo começou a realizar pesquisas para preparar a instalação de uma lápide no túmulo sem identificação de Simms. T. DeWayne Moore, o recém-nomeado diretor executivo do MZMF, localizou um pedido de lápide para veteranos militares feito por Lizzie Simms em janeiro de 1959, que solicitava uma lápide plana de mármore branco para o túmulo de seu marido no “Cemitério Shoevillie” em Lyon, Mississippi, uma pequena comunidade nos arredores de Clarksdale. De acordo com o pedido, o governo federal encomendou a lápide da Columbus Marble Works, de Columbus, Mississippi, e a enviou para Charles C. Stringer, proprietário da Stringer Funeral Home na 119 Fourth Street em Clarksdale.

Outros dois nomes aparecem no pedido de lápide: Henry Hudson, que assinou e parece ter preenchido o documento, e Nanettie Harris, a zeladora, funcionária ou superintendente do cemitério. O diretório da cidade de Clarksdale lista a ocupação de Hudson, em vários anos, como carteiro, motorista dos correios e mensageiro. Ele era, portanto, muito provavelmente um conhecido de Lizzie Simms que a ajudou a preencher o pedido e, talvez, tivesse os meios para transportar a lápide após a entrega. Nanettie Harris, funcionária do Cemitério de Shufordville, trabalhou como professora na Escola Lyon no final da década de 1940 e início da década de 1950. Mais tarde, trabalhou como faxineira na Clínica Brandon enquanto morava na Rua Hopson, 207, em Lyon. Foi Harris quem aparentemente autorizou a instalação da lápide de Simms.

Moore enviou uma cópia do pedido de lápide para Euphus Ruth Jr., fotógrafo, apreciador de cerveja e membro do conselho da MZMF, residente em Greenville, que se dedicou a localizar a lápide de Simms, há muito escondida e negligenciada. Ele contatou Robert Birdsong, entusiasta do blues do Condado de Coahoma e historiador local, alguns dos descendentes de Birdsong estavam enterrados em Lyon, no histórico Cemitério de Shufordville. 

Acreditando ser o cemitério mencionado no pedido de lápide de Simms, os dois visitaram o grande cemitério em 28 de março. Ruth caminhou pela seção negra do cemitério procurando por lápides do final da década de 1950 e encontrou uma lápide vertical de mármore branco com o nome “Hemry [sic] Simms”. Ela havia afundado tanto no solo ao longo dos últimos cinquenta anos que apenas o nome permanecia visível. Birdsong, então, pegou uma pá e removeu a terra ao redor, revelando sua condição de soldado raso do exército durante a Primeira Guerra Mundial e suas datas corretas de nascimento e morte: 22 de agosto de 1890 a 23 de dezembro de 1958. Todas as informações na lápide correspondem às fornecidas no requerimento, bem como à sua certidão de óbito — exceto, é claro, pelo erro ortográfico em seu primeiro nome.

Para chegar ao túmulo de Simms, siga para oeste na Shufordville Road e vire à esquerda após passar a placa do Cemitério Histórico de Shufordville. Estacione no portão e siga a estrada à direita, que leva à parte de trás do cemitério. Localize o mausoléu do Dr. P.W. Hill e caminhe cerca de quarenta metros da parte de trás do mausoléu em direção à cerca. De frente para a cerca, encontra-se a lápide militar de mármore branco do violinista de blues do Delta, Henry “Son” Simms.

Livros para conhecer o Brasil: Como o racismo criou o Brasil

Como o Racismo Criou o Brasil

"Nós somos dominados porque não sabemos, se soubéssemos não aceitaríamos"

A socialização familiar é toda construída por exemplos práticos, não pelo discurso. São esses exemplos práticos que os filhos vão imitar e mais tarde reproduzir como herança de classe específica.

Autor: Jessé Souza

Editora: Estação Brasil

Data da publicação: 17 agosto 2021

Neste livro, o sociólogo Jessé Souza mostra a versão mais madura de sua inovadora interpretação sobre a sociedade brasileira, baseada em mais de 40 anos de estudos teóricos e empíricos.

O livro veio para levar a outro patamar de sofisticação teórica a discussão sobre o racismo no Brasil e para jogar luz sobre todo o ódio e todo o ressentimento social com que nos deparamos hoje em dia.

O tema do racismo é reconstruído desde o início da civilização ocidental até nossos dias, de modo a permitir uma compreensão fundamental: a de que todo processo de desumanização e animalização do outro assume as formas intercambiáveis de racismo cultural, de gênero, de classe e de raça.

"A única maneira de verdadeiramente explicar o racismo é compreendermos o que ele destrói nas pessoas", diz Jessé Souza.

Perceber as diferentes facetas do racismo possibilita não se deixar fazer de tolo, por exemplo, quando o racismo racial assume outras máscaras para fingir que se tornou guerra contra o crime, como se a vítima não fosse sempre negra, ou luta contra a corrupção, usada contra qualquer governo popular no Brasil que lute pela inclusão de negros e pobres.

Apenas uma abordagem multidimensional permite efetivamente perceber como o racismo racial sempre esteve no comando da iniquidade da sociedade brasileira, da escravidão até hoje. Ao desvendar todas as máscaras de que o afeto racista se recobre para continuar vivo fingindo que morreu, podemos enfim perceber o racismo racial como a verdadeira causa de todo o atraso social, econômico e político do Brasil.

Este livro veio para levar a outro patamar de sofisticação teórica a discussão sobre o racismo no Brasil e para jogar luz sobre todo o ódio e todo o ressentimento social com que nos deparamos hoje em dia. O debate está posto!

A tese inicial deste livro é, portanto, a de que o neoliberalismo, ou seja, a própria legitimação simbólica do capitalismo financeiro global, vai se utilizar precisamente da linguagem do antirracismo para se legitimar.

Sobre o autor:

Jessé Souza é graduado em Direito e mestre em Sociologia pela Universidade de Brasília, a UnB, doutor em Sociologia pela Universidade de Heidelberg, na Alemanha, com pós-doutorado em Psicanálise e Filosofia na The New School for Social Research, em Nova York.

Professor titular da Universidade Federal do ABC, professor convidado da Universidade de Sorbonne, Paris I, e pesquisador sênior da Universidade Humboldt, em Berlim, ele coordenou diversas pesquisas empíricas de amplitude nacional e internacional sobre desigualdade, preconceito e classes sociais no Brasil e no mundo.

É autor de mais de 30 livros e de uma centena de artigos e ensaios em vários idiomas. Entre seus maiores sucessos se destacam A elite do atraso, A classe média no espelho e A guerra contra o Brasil.

Wilson Pickett

WILSON PICKETT

' A voz ... "

Pickett foi um cantor e compositor estadunidense de R&B, rock and roll e soul music. Figura importante no desenvolvimento da música soul norte americana, Pickett gravou mais de 50 canções que entraram nas paradas de R&B dos EUA e frequentemente alcançaram a Billboard Hot 100. Entre seus maiores sucessos estão “In the Midnight Hour” (que ele coescreveu), “Land of 1,000 Dances”, “Mustang Sally” e “Funky Broadway”. O impacto das composições e gravações de Pickett o levou à sua inclusão no Hall da Fama do Rock and Roll em 1991.

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VIDA PREGRESSA

Wilson Pickett nasceu em 18 de março de 1941 em Prattville, Alabama, e cresceu cantando em corais de igrejas batistas. Ele era o quarto de 11 filhos. Pickett, cansado de apanhar de sua mãe, acabou saindo de casa para morar com o pai em Detroit em 1955.

INÍCIO DA CARREIRA MUSICAL (1955-1964)

O estilo de canto vigoroso e apaixonado de Pickett foi desenvolvido na igreja e nas ruas de Detroit, sob a influência de estrelas da música como Little Richard, a quem ele mais tarde se referiu como "o arquiteto do rock and roll".

Em 1955, Pickett passou a integrar um grupo gospel chamado Violinaires. O grupo acompanhou The Soul Stirrers, The Swan Silvertones e The Davis Sisters em turnês por igrejas em todo o país. Após cantar por quatro anos no grupo gospel de harmonia vocal, popular na região, Pickett, atraído pelo sucesso de outros cantores gospel da época que abandonaram o gênero no final da década de 1950 em busca do mercado mais lucrativo da música secular, juntou-se aos Falcons em 1959. Os Falcons foram um dos primeiros grupos vocais a trazer o gospel para um contexto popular, abrindo caminho para a música soul. 

Os Falcons também contavam com alguns membros notáveis ​​que se tornaram grandes artistas solo. Quando Pickett se juntou ao grupo, Eddie Floyd e Sir Mack Rice também faziam parte dele. O maior sucesso de Pickett com os Falcons veio em 1962, quando "I Found a Love" (coescrita por Pickett e com seus vocais principais) alcançou o 6º lugar na parada R&B e o 75º lugar na Hot 100.

Logo após gravar “I Found a Love”, Pickett gravou seus primeiros trabalhos solo, incluindo “I'm Gonna Cry”, sua primeira colaboração com Don Covay. Nessa época, Pickett também gravou uma demo de uma música que coescreveu chamada “If You Need Me”, uma balada soul de ritmo lento com um sermão falado. Pickett enviou a demo para Jerry Wexler, produtor da Atlantic Records. Wexler ouviu a demo e a deu para um dos artistas da gravadora, Solomon Burke. 

A gravação de Burke de “If You Need Me” se tornou um de seus maiores sucessos (2º lugar na parada R&B, 37º lugar na parada Pop) e agora é considerada um clássico da soul music, mas Pickett ficou arrasado ao descobrir que a Atlantic havia cedido sua música. “Foi a primeira vez que chorei na minha vida”. A versão de Pickett da música foi lançada pela Double L Records e fez um sucesso moderado, chegando ao 30º lugar na parada R&B e ao 64º lugar na parada Pop.

O primeiro grande sucesso de Pickett como artista solo veio com "It's Too Late", uma composição original (não confundir com o clássico de Chuck Willis de mesmo nome). Entrando nas paradas em 27 de julho de 1963, a música alcançou o 7º lugar na parada de R&B e o 49º lugar na parada pop. O sucesso desse disco convenceu Wexler e a Atlantic a comprarem o contrato de gravação de Pickett da Double L Records em 1964.

ASCENSÃO AO ESTRELATO: IN THE MIDNIGHT HOUR (1965)

A carreira de Pickett na Atlantic começou com um single produzido por ele mesmo, "I'm Gonna Cry". Buscando aumentar as chances de Pickett nas paradas, a Atlantic o colocou em contato com o produtor musical Bert Berns e os compositores consagrados Barry Mann e Cynthia Weil. Com essa equipe, Pickett gravou "Come Home Baby", um dueto com a cantora Tami Lynn, mas o single não entrou nas paradas. O sucesso de Pickett veio no estúdio de gravação da Stax Records em Memphis, Tennessee, onde ele gravou seu terceiro single pela Atlantic, "In the Midnight Hour" (1965), seu maior sucesso, alcançando o 1º lugar na parada R&B, o 21º lugar na parada pop (EUA) e o 12º lugar (Reino Unido). Vendeu mais de um milhão de cópias e recebeu um disco de ouro.

A gênese de “In the Midnight Hour” foi uma sessão de gravação em 12 de maio de 1965, na qual Wexler desenvolveu uma poderosa base rítmica com os músicos de estúdio Steve Cropper e Al Jackson, da banda da Stax Records, que também incluía o baixista Donald “Duck” Dunn. O tecladista da Stax, Booker T. Jones, que geralmente tocava com Dunn, Cropper e Jackson como Booker T. & the MG's, não participou de nenhuma das sessões de estúdio de Pickett. Wexler disse a Cropper e Jackson: “Por que vocês não experimentam isso aqui?”. Ele executou um passo de dança. Cropper explicou mais tarde em uma entrevista que Wexler lhes disse que “era assim que os jovens estavam dançando; eles estavam acentuando o segundo tempo. Basicamente, nós usávamos acentuação no primeiro tempo com um segundo tempo; era como 'boom dah', mas aqui era algo que fazia 'um-chaw', exatamente o oposto em termos de acentuação”.

SESSÕES DA STAX / FAME (1965-67)

Pickett gravou três sessões na Stax em maio e outubro de 1965, e contou com a participação do tecladista Isaac Hayes nas sessões de outubro. Além de "In the Midnight Hour", as gravações de Pickett em 1965 incluíram os singles "Don't Fight It" (4º lugar na parada R&B, 53º lugar na parada pop), "634-5789 (Soulsville, USA)" (1º lugar na parada R&B, 13º lugar na parada pop) e "Ninety-Nine and A Half (Won't Do)" (13º lugar na parada R&B, 53º lugar na parada pop). Todas as faixas, com exceção de "634-5789", foram composições originais de Pickett em parceria com Eddie Floyd e/ou Steve Cropper; "634-5789" foi creditada apenas a Cropper e Floyd.

Para suas próximas gravações, Pickett não retornaria à Stax; o dono da gravadora, Jim Stewart, proibiu todas as produções externas em dezembro de 1965. Como resultado, Wexler levou Pickett para o Fame Studios, outro estúdio de gravação com uma ligação mais próxima à Atlantic Records. Localizado em um antigo armazém de tabaco na cidade vizinha de Muscle Shoals, no Alabama, Pickett gravou alguns de seus maiores sucessos lá. Isso incluiu a versão de maior sucesso de "Land of 1,000 Dances", que se tornou o terceiro número 1 de Pickett na parada R&B e seu maior sucesso pop, alcançando o 6º lugar, além de ter vendido mais de um milhão de cópias.

Outros grandes sucessos dessa época na carreira de Pickett incluíram duas outras versões cover: "Mustang Sally", de Mack Rice (6º lugar na parada R&B), e "Funky Broadway", de Dyke & the Blazers (1º lugar na parada R&B e 8º lugar na parada Pop). Ambas as faixas venderam milhões de cópias. A banda que acompanhou quase todas as gravações de Pickett pela Fame incluía o tecladista Spooner Oldham e o baterista Roger Hawkins.

ÚLTIMOS ANOS NA ATLANTIC (1967-1972)

No final de 1967, Pickett começou a gravar no American Studios em Memphis com os produtores Tom Dowd e Tommy Cogbill, e também começou a gravar diversas canções de Bobby Womack. As canções “I'm In Love”, “Jealous Love”, “I've Come A Long Way”, “I'm A Midnight Mover” (uma composição de Pickett e Womack) e “I Found A True Love” foram todas sucessos de Womack para Pickett em 1967 e 1968. Pickett também gravou trabalhos de outros compositores durante esse período; “She's Looking Good”, de Rodger Collins, e um cover do clássico do blues “Stagger Lee” também foram sucessos de Pickett no Top 40 gravados no American Studios. Womack foi o guitarrista em todas essas gravações.

Pickett retornou ao Fame Studios no final de 1968 e início de 1969, onde trabalhou com uma banda que contava com o guitarrista Duane Allman, Hawkins e David Hood. Dessas sessões de gravação do álbum Fame, surgiu um cover da música "Hey Jude", dos Beatles, que alcançou o 16º lugar nas paradas de sucesso, assim como os sucessos menores "Mini-Skirt Minnie" e "Hey Joe".

No final de 1969, Pickett estava no Criteria Studios em Miami. Dessas sessões saíram covers de sucesso como "You Keep Me Hangin' On" das Supremes e "Sugar Sugar" dos Archies, além da composição original de Pickett, "She Said Yes".

Em seguida, Pickett juntou-se aos consagrados produtores de sucesso da Filadélfia, Gamble e Huff, para o álbum de 1970, Wilson Pickett In Philadelphia, que apresentou seus dois próximos singles de sucesso, "Get Me Back On Time, Engine No. 9" e "Don't Let The Green Grass Fool You", este último vendendo um milhão de cópias.

Após esses dois grandes sucessos, Pickett retornou a Muscle Shoals e à banda com Hood, Hawkins e Tippy Armstrong. Essa formação gravou o quinto e último sucesso número 1 de Pickett na parada R&B, “Don't Knock My Love, Pt. 1”. Foi mais uma gravação de Pickett que vendeu mais de um milhão de cópias. Seguiram-se mais dois sucessos em 1971: “Call My Name, I'll Be There” e “Fire and Water”, um cover de uma música da banda de blues-rock FREE.

Em 1972, Pickett gravou várias faixas para um novo álbum planejado pela Atlantic, mas depois que o single "Funk Factory" alcançou o 11º lugar na parada R&B e o 58º lugar na parada pop em junho de 1972, ele deixou a Atlantic e assinou com a RCA Records. Seu último single pela Atlantic, um cover de "Mama Told Me Not To Come", de Randy Newman, foi na verdade retirado do álbum de Pickett de 1971, Don't Knock My Love.

Ao longo das décadas seguintes, Pickett continuou gravando esporadicamente com diversas gravadoras, ocasionalmente alcançando posições baixas ou intermediárias nas paradas de R&B; contudo, ele nunca mais teve um sucesso pop depois de 1974. Seu último disco foi lançado em 1999, embora ele tenha permanecido bastante ativo em turnês até adoecer em 2004. Pickett participou do filme Blues Brothers 2000 (1998), interpretando "634-5789" ao lado de Eddie Floyd e Jonny Lang.

SUA CONTURBADA VIDA PESSOAL

Fora da música, a vida pessoal de Pickett era conturbada. Mesmo no auge de sua carreira na década de 1960, seus amigos o consideravam temperamental e obcecado por armas; Don Covay o descreveu como "jovem e selvagem". Em 1987, quando sua carreira musical estava em declínio, Pickett recebeu dois anos de liberdade condicional e uma multa por portar uma espingarda carregada em seu carro. Em 1993, Pickett se envolveu em um acidente em que atropelou um pedestre em Englewood. Pickett se declarou culpado por dirigir embriagado e recebeu uma pena reduzida de um ano de prisão e cinco anos de liberdade condicional. Pickett já tinha tido problemas com a justiça por portar drogas.

Ao longo da década de 1990, apesar de seus problemas pessoais, Pickett foi continuamente homenageado por suas contribuições para a música. Além de ser incluído no Hall da Fama do Rock and Roll, sua música teve destaque no filme The Commitments, com Pickett interpretando um personagem secundário. Em 1993, ele foi homenageado com o Prêmio Pioneiro pela Rhythm and Blues Foundation.

Pickett também foi um compositor popular, já que músicas de sua autoria foram gravadas por artistas como Led Zeppelin, Van Halen, The Rolling Stones, Aerosmith, Grateful Dead, Booker T. & the MGs, Genesis, Creedence Clearwater Revival, Hootie & the Blowfish, Echo & the Bunnymen, Roxy Music, Bruce Springsteen, Los Lobos, The Jam e Ani DiFranco, entre outros.

Vários anos após ser libertado da prisão, Pickett retornou ao estúdio e recebeu uma indicação ao Grammy pelo álbum de 1999, “It's Harder Now”. O retorno também lhe rendeu a homenagem de "Artista Masculino de Soul/Blues do Ano" pela Blues Foundation em Memphis. “It's Harder Now” foi eleito "Álbum de Blues de Retorno do Ano" e "Álbum de Soul/Blues do Ano".

Em 2003, ele coestrelou o documentário dirigido por D.A. Pennebaker, "Only the Strong Survive", selecionado para os festivais de cinema de Cannes e Sundance de 2002. Também em 2003, Pickett foi jurado da segunda edição anual do Independent Music Awards, premiação que apoia a carreira de artistas independentes. Em 2005, Pickett foi incluído no Hall da Fama das Lendas do Rock and Roll de Michigan. Sua gravação de "Mustang Sally" foi eleita uma Canção Lendária de Michigan em 2007.

Pickett passou o crepúsculo de sua carreira fazendo dezenas de shows por ano até 2004, quando começou a ter problemas de saúde. Enquanto estava no hospital, ele retornou às suas raízes espirituais e disse à irmã que queria gravar um álbum gospel. No entanto, ele nunca se recuperou.

Pickett faleceu de um ataque cardíaco em 19 de janeiro de 2006, em Reston, Virgínia. Ele tinha 64 anos. Foi sepultado em Louisville, Kentucky. O elogio fúnebre foi proferido pelo Pastor Steve Owens, de Decatur, Geórgia, amigo de longa data da família. Little Richard falou sobre ele e pregou brevemente no funeral. Pickett passou muitos anos em Louisville, para onde sua mãe se mudou do Alabama. Ele foi homenageado em 20 de março de 2006, no BB King Blues Club, em Nova York, com apresentações de The Commitments, Ben E. King, sua banda de apoio de longa data, The Midnight Movers, o cantor de soul Bruce "Big Daddy" Wayne e Southside Johnny Lyon, para uma plateia que incluía membros de sua família.

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Programa TV: Curtis Mayfield (Beat Club 1972)

Curtis Mayfield 

Beat Club - 1972

Sem dúvida, um gigante da música soul. Ele teve uma longa trajetória de boa música, mas acho que atingiu o auge por volta de 1970 a 1972. Então, aqui está um álbum "ao vivo" que o captura nesse auge. "Ao vivo" entre aspas porque, na verdade, não há público algum, mas ele toca um show inteiro como se houvesse, incluindo algumas conversas entre as músicas.

A causa dessa situação peculiar é o programa de TV alemão "Beat Club". Em 1972, o programa evoluiu a ponto de permitir que grandes artistas se soltassem e tocassem mais do que apenas um ou dois sucessos. Acho que, no caso de Mayfield, três de suas músicas foram ao ar na época, mas ele gravou uma hora de música em um estúdio de TV para os produtores escolherem. A maior parte dessa apresentação ficou perdida no arquivo de alguém por muitos anos. Mas várias apresentações completas do Beat Club têm aparecido recentemente.

O show é do início de 1972, então é anterior à trilha sonora de "Superfly", que vendeu muito bem no final daquele ano. Mas tem muitas músicas ótimas de seus dois álbuns solo aclamados anteriores, "Curtis" e "Roots". A lista de músicas é um pouco diferente da de seu álbum de 1971, "Curtis/Live" (gravado 12 meses antes), e claro, há a vantagem da qualidade do som por não ter ruído da plateia.

O resultado é uma hora e nove minutos do melhor do Mayfield. Isso realmente deveria ser lançado oficialmente.Assim como tantas outras apresentações da BBC.

Faixas da apresentação completa.

1. Inner City Blues - Ain't No Sunshine (Curtis Mayfield)

2. Check Out Your Mind (Curtis Mayfield)

3. Mighty Mighty [Spade and Whitey] (Curtis Mayfield)

4. We've Only Just Begun (Curtis Mayfield)

5. We've Gotta Have Peace (Curtis Mayfield)

6. We People Who Are Darker than Blue (Curtis Mayfield)

7. Keep On Keeping On (Curtis Mayfield)

8. Talk (Curtis Mayfield)

9. Stare and Stare (Curtis Mayfield)

10. Talk (Curtis Mayfield)

11. Move On Up (Curtis Mayfield)

12. We're a Winner (Curtis Mayfield)

13. Pusherman (Curtis Mayfield)

14. Freddie's Dead (Curtis Mayfield)

15. Eddie, You Should Know Better (Curtis Mayfield)

16. Superfly (Curtis Mayfield)

O grande destaque são as performances "soul poderosa" de Curtis Mayfield extraídas de seus shows ao vivo em 1972. A apresentação foi interpretada por Curtis Mayfield em suas apresentações ao vivo em 1972, mas as canções foram originalmente compostas e gravadas por Marvin Gaye para seu álbum histórico de 1971, "What's Going On". Essa apresentação de Mayfield transformou as músicas em uma performance ao vivo repleta de soul e groove, preservando, ao mesmo tempo, sua mensagem central sobre pobreza, desigualdade, aumento do custo de vida e a realidade das áreas urbanas carentes dos Estados Unidos. 

Esses temas estavam em sintonia com as preocupações sociais presentes também na obra do próprio Mayfield no início da década de 1970. Musicalmente, mescla influências de soul, funk e gospel, apresentando um ritmo relaxado, porém poderoso, e vocais carregados de emoção. As letras expressam frustrações diante das dificuldades econômicas e da injustiça social, tornando-a um dos hinos de protesto mais emblemáticos daquela época. A interpretação ao vivo de Curtis Mayfield é frequentemente admirada por unir duas das vozes mais importantes do "soul" de consciência social.

Vídeos disponibilizados.

1. Inner City Blues (Make Me Wanna Holler)

2. Check Out Your Mind

3. We've Only Just Begun

4. We Got To Have Peace

5. Keep On Going

6. Stare And Stare

7. Introducing Band

# Formação da Banda #

Curtis Mayfield – voz principal e guitarra.
Craig McMullen – guitarra.

Joseph "Lucky" Scott – baixo e vocais de apoio.

Tyrone McCullins / McCullen – bateria.

Henry "Master" Gibson – percussão, congas e bongôs.

Sua performance ressaltou a relevância duradoura da apresentação, ao mesmo tempo em que destacou seu característico falsete e seu estilo profundamente rítmico.